La garra del corazon

Darnauchans por W Benavides y Fernando Cabrera (1ra parte)

2012-02-07T11:50:00.000-08:00

Viejo recorte de prensa (1986)

2012-02-05T14:50:00.000-08:00

Fernando Cabrera en E Guambia

2012-02-02T04:44:00.000-08:00

Cabrera en Maldonado

2012-01-29T17:08:00.000-08:00

gracias a :
http://puntaesarte.bligoo.com/cabrera-en-maldonado

Cabrera en Maldonado

2012-01-25T04:19:00.000-08:00

Fernando Cabrera en la Floresta........

2012-01-14T10:39:00.000-08:00

La Floresta cumple 100 años, pero el lanzamiento de la celebración comenzó el año pasado, porque en 1911 el Dr. Miguel Perea hizo el traspaso de sus predios a Sociedad La Floresta.

Ayer viernes 13 de enero se llevó a cabo la “Noche blanca”, con el apoyo de la Intendencia de Canelones, inspirada en una actividad realizada antiguamente en Francia. La “Noche blanca” consiste en el apagado del alumbrado público con el fin de disfrutar de un circuito patrimonial de 30 de las primeras casas del balneario iluminadas especialmente. En estas casas las familias recibieron a los visitantes con fotos y anécdotas.
Mas de 25 artistas plásticos en vivo, dos monólogos teatrales, actividades circenses (acrobacias, malabares, zancos, estatuas vivientes) e incluso un sector místico con “tarotistas, duendes y más sorpresas”.

A las 24:00 fue el cierre de la actividad, con Patricia Kramer y Fernando Cabrera tocando en vivo, Kramer nos regalo sus hermosas canciones y presento a su nueva banda junto a los hermanos Tabeira en bajo y bateria, ya pasada la 1 de la madrugada fue el turno de Fernando Cabrera, mucha gente lo esperaba y la formula sigue estando intacta e inexplicable.... el maestro con su guitarra y un puñado de canciones para emocionar a un publico que lo aplaudió de pie....

Contento quedaba el pueblo

satisfecho el promotor

los niños y los abuelos

el joven y el profesor

es que no era para menos

le dábamos todo el corazón

las chicas con sus pañuelos

las damas con su bastón.

fragmento de "Caminos en flor"

las canciones fueron las siguientes:

Punto muerto

El tiempo esta despues

Imposibles

Criticas

Caminos en flor

Viva la patria

Si te vas

La mama vieja

Viveza

La casa de al lado

Hermana muy hermosa

Dulzura distante

Te abrace en la noche

Fernando Cabrera en plenitud

2012-01-08T13:40:00.001-08:00

La profunda vocación por la música lo llevó a dejar de lado la posibilidad de formar una familia. “Me alcanzaba con ser pobre yo. Es muy difícil acá sobrevivir de esta profesión. Yo pasé penurias económicas siempre hasta hace muy poco tiempo”, dice Fernando Cabrera. Hoy está en lugar de siempre, en el de reiniciarse. Así planifica un DVD que saldrá en otoño como parte de un libro con poesías, tras un 2011 en el que reeditó El tiempo está después, luego de 22 años de su primera publicación.

Entrevista de los periodistas Joel Rosenberg y Miguel Ángel Dobrich con Fernando Cabrera, en No toquen nada, de Océano FM.

Joel Rosenberg: Encontramos una excusa para esta entrevista con El tiempo está después, porque hace tiempo que queríamos invitarte. Es bueno que se haya concretado en el 2011, otro año muy movido para vos. Este disco es del año 1989.

Sí, 89, es mi cuarto disco con el sello Orfeo, que al desaparecer unos años después, todo el catálogo quedó un poco boyando por ahí. Lo había adquirido en primer la EMI Argentina. Quedó un poco sepultado y por suerte, en los últimos años, tengo entendido que con un esfuerzo bastante importante económicamente, el sello uruguayo Bizarro pudo adquirirlo. Estoy hablando de un catálogo muy grande de música uruguaya que abarca no sé si algo así como 900 títulos de toda la década del 60, 70, 80, entre los cuales estoy yo.

Este disco solamente había sido editado en vinilo y en cassette, no había todavía CD’s en el año 89. Entonces cuando se editó se agotó y nunca más estuvo a la venta. Una lástima por lo que yo he escuchado muchas veces decir de gente que le gusta lo mío y eso, muchos lo consideran uno de mis mejores discos, y recién ahora más de 20 años después sale por primera vez en CD. Hicimos un trabajito de remasterización, fue un poco mejorado por Rodolfo Fuentes, la masterización por César Lamschtein, así que agradezco a Bizarro.

Vos decís no por tu obra solo sino por toda la obra que están rescatando de la música uruguaya.

Abarca de todo. Estamos hablando desde cosas de Los Olimareños, Zitarrosa, toda la gente de los 60, pero también el fenómeno del rock post-dictadura, de los 80, son todas las primeras grabaciones de Los Estómagos, Traidores, Los Tontos, y muchas cosas más, cantautores de todos los géneros.

Miguel Ángel Dobrich: Fernando, ¿hacia dónde proyectás tu obra?

¿Ahora?

Si, tras tener la posibilidad de re-escucharte, con estas reediciones.

Las reediciones a veces me descolocan un poco. Me confunden.

¿Por qué?

Porque yo tengo unos diez o doce discos más o menos y todos ellos son bastante diferentes entre sí, algo que por otra parte yo siempre busqué, no es que hayan quedado accidentalmente diferentes. Y cuando escucho algunos de ellos encuentro que todos son como direcciones que no sé si son para continuarlas o no, son como cerrados en sí mismos también, entonces me vuelve a poner en el mismo lugar de siempre, que es el de reiniciarme, intentar que el próximo también tenga otras pautas, otros colores, otros estados de ánimo. Precisamente estoy preparando algunas cosas para el futuro. Y por consiguiente no soy mucho de mirar lo que hice como para tomar como base o punto de partida. Y me pasa también, no sé si será común esto con otros colegas, de una gran ajenidad, así como por supuesto uno lo siente como propio, y son mis ideas y etapas mías de otros años, otros Fernandos Cabreras que me integran también. Pero también siento una gran ajenidad con todos esos discos. Las dos cosas, un poco ambiguo lo que estoy diciendo, pero es así. También siento como que no fueran míos, los escucho como si fueran de otra persona.

Bueno, eso te permita escucharlos.

No, no los escucho nunca. Muy rara vez.

¿Qué has ganado y qué has perdido con el paso del tiempo como compositor y como intérprete?

Bueno, las dos cosas. Como compositor creo que he perdido frescura y he ganado otras cosas, otros valores, que tienen que ver con la experiencia, de repente menos tirarse al agua, menos impulso, pero sí hay cosas más redondas o más encontradas. Trabajo mucho más que antes. En los comienzos, en mi juventud, los primeros discos yo recuerdo que una canción yo la componía en veinte minutos, en un rato, en una hora, en dos horas. Y también muchas canciones que yo grababa en los discos estaban recién hechas, recién compuestas, y antes siquiera de tocarlas en vivo jamás ya iban al disco. Eso lo cambié por completo en la actualidad.

Joel Rosenberg: ¿Ahora cuánto tiempo te lleva?

Puedo estar dos años con una canción. O tres o quince. Porque voy guardando en carpetas y cosas, ideas, bocetos, y algunas las termino al cabo de un tiempo, y otras capaz que están conmigo quince o dieciocho años, y hasta que llega un día, el momento que le encuentro el punto final, que quedo plenamente conforme tanto sea con la letra como con la música. O sea, soy mucho más meticuloso en la parte compositiva. Y en la parte del intérprete creo que he ganado, creo que he mejorado en lo vocal y en lo guitarrístico notoriamente. Eso lo siento yo, por ahí el público o alguien que lo vea de afuera dice: “Está completamente equivocado, cada vez canta peor”. Yo siento que he mejorado mucho en lo expresivo, en el manejo de mi voz, y también en el tema de la guitarra. Yo siento que he hecho algunos avances. No lo digo con ninguna vanidad ni con nada que se le parezca, es algo estricto.

Vos decís que hay un vínculo emotivo con la gente que te sigue, en una nota del Portal 180 donde lo señalás: “Hay una comunicación profunda entre el público que me sigue y yo. Sobre todo en los últimos años, eso se ha fortalecido y profundizado”. ¿Por qué esa idea de que se ha fortalecido y profundizado? ¿Es de sentirlo nada más?

Lo veo. Lo poco que se puede apreciar desde el escenario, lo que te cuentan colaboradores que presencian en la platea, en la salida, en el hall del teatro, las reacciones de la gente. Me da la impresión de que cada vez es más honda y cada vez es más profundo y emotivo o emocional el tipo de vínculo que se establece entre el público y yo y mis canciones. Y creo que la gente que me sigue va buscando precisamente eso, experimentar determinadas experiencias sensoriales y emotivas, que incluso van quizá más allá de lo meramente musical o poético. Y ahí, bueno, por ahí como siempre llegamos a una posible definición de ese aparato mágico que es una canción, que permite tantas cosas.

Hay un clima que se crea en tus espectáculos. Ni mejor ni peor, distinto quizás a otros.

Hay un clima, sí, de gran concentración, de gran recogimiento, que también va permanentemente yuxtaponiéndose con muy lindas expresiones de aplausos y de expresiones mu y fuertes del público. Un silencio absoluto en un momento y después una gran explosión de afecto, y de vuelta un silencio absoluto, y la gente se mete en la canción, no vuela una mosca. Es una cosa que pasa siempre.

Si, pero vos lo generás. No sé si es por timidez, vos tampoco sos de hablar mucho con el público, de interactuar, como hacen otros artistas.

Sobre todo antes sucedía eso. Yo era muy estaca, muy de clavarme en el lugar y no abrir la boca. En los últimos tiempos ha cambiado eso. Recientemente, dos o tres años a esta parte yo siento que estoy un poco más parlanchín y estoy más suelto.

Podés disfrutar un poco más con eso.

Sí, disfruto mucho con eso, porque también encontré que en algunas palabras que yo diga y que no suelen ser al azar tampoco, es lo mismo que lo que está sucediendo en este mismo tampoco con este reportaje. Un reportaje para mí tampoco es cualquier cosa, no es que yo venga a hacer un trámite. Yo en este momento me estoy comunicando con miles de personas, no me lo puedo tomar a la ligera, y yo sé que también ustedes establecen un canal de comunicación no igual pero sí parecido a cuando estoy arriba de un escenario en el marco de un teatro.

Entonces ese respeto a vos te lleva a forzarte como más estaca, más quieto.

No es que me forzara. Por un lado era un poco de timidez que yo tenía más en la juventud y que creo haber ido perdiendo. También un formato, un modelo de presentaciones que era muy común hace muchos años en mi infancia, en la época de mi adolescencia, que eran más así las presentaciones. Si vos ibas a ver a un grupo, un conjunto, un solista, lo que sea, la cosa era más seria, era más como formal, había algo más de liturgia que se fue perdiendo, es lógico, porque los tiempos cambiaron y ahora en la vida hay mucho más desparpajo en todo. Incluso en ustedes, en los comunicadores radiales es una cosa notoria de los últimos tiempos.

¿Tenés una idea etaria del público?

Tengo una idea, no sé si exagerada, porque francamente yo lo puedo comprobar, a veces uno ve un poco la gente. Sucede desde hace mucho tiempo pero cada vez más, y algo que a mí me halaga profundamente, me hace muy feliz: ya casi no hay límites de edad. En mis recitales puede haber niños muy chiquitos, por supuesto llevados por sus padres o sus hermanos, hasta personas de 80 años. Creo haber roto, me siento muy feliz por ello, esa cuestión de las barreras generacionales, que son a veces inevitables, porque por más que uno se lo proponga uno tiene un código, tiene cosas que lógicamente se dirigen a una franja etaria, generalmente a la propia. Pero a mí me alegra mucho observar que sigue aumentando cada vez la gente muy joven en los recitales, adolescentes, pero adolescentes me refiero a gente de 14 o 15 años, gente de 20, y de ahí para adelante. Y a veces niños también.

Un oyente dice que sabe que está por salir un DVD. ¿Para cuándo?”

Para el próximo otoño. En realidad es un libro con formato de CD con unos 50 o 60 poemas míos, no letras de canciones sino otra línea poética, y en la solapa interna va a venir un DVD con un concierto filmado el año pasado en Argentina en los Estudios ION, legendarios estudios ION, muy bien hecho, tres cámaras, realmente una línea casi cinematográfica, precioso, con canciones mías de todas las épocas. DVD y poesía. Va a salir, se llama Intro el proyecto y va a salir aproximadamente en abril.

Miguel Ángel Dobrich: Yo imagino que como artista quizás mucho de lo que consumís en tu tiempo libre de algún modo repercute en tu trabajo. Yo quiero saber, como fan, ¿qué leés, qué escuchás, qué mirás?

Bueno, yo tuve un gran aprovechamiento del tiempo libre desde mis 14 o 15 años hasta hace unos pocos años de una manera enfermiza, como lector, como consumidor de una cantidad de manifestaciones culturales, artísticas. Cine, teatro, prosa, poesía, música por supuesto, muy variada gama. Nunca me ajusté a un estilo, un gusto en particular, un género. Eso lo hice aproximadamente 40 años y en la actualidad no lo hago para nada. Busco el silencio, busco la nada, busco descansar, estoy muy saturado. Quizá tenga un poco, para utilizar una metáfora contemporánea, el disco duro bastante sin espacio.

Necesitás un disco duro externo.

Para almacenar. Espero que se me vaya esto, pero le he perdido un poco, estoy cansado de la música, estoy cansado de leer, preciso mucho más la vieja y querida introspección, el silencio y la nada.

Joel Rosenberg: Así que tu obra se está nutriendo más de Fernando Cabrera o de los múltiples Fernandos Cabreras que de estímulos ajenos a ti.

Aparte que los estímulos igual siempre están. No hay posibilidad de aislarse o de meterse en una burbuja. Yo soy una persona que vive, y permanentemente tenés contacto con un televisor prendido o con la radio o con los medios gráficos de periodismo, las relaciones, las amistades, los contactos. Soy una persona que por mi profesión también, o no sé si por características de mi personalidad, tengo infinidad de contactos humanos todo el tiempo, todo el tiempo. Conozco a millones de gentes, de barras, de todo tipo, la colectividad artística uruguaya yo soy amigo de todo el mundo, contacto con los pintores, con los escritores, con los bailarines, con los poetas. Siempre fue así. Entonces no estoy aislado, mentira.

No te encerraste.

No estoy encerrado pero sí busco un poco más el silencio, la tranquilidad. No estoy escuchando discos en mi casa, no estoy poniendo un disco o escuchando la radio o leyendo la última novela. Francamente en este momento no.

Miguel Ángel Dobrich: ¿Y qué te lleva a componer?

A componer me lleva lo de siempre que es una especia de misterio, una especie de no saber qué, que me ha llevado por experiencia a la actitud de estar a la expectativa, de estar a la espera, de no buscar. Porque las experiencias que he tenido de buscar, de proponerme hacer cosas no han sido buenas nunca, siempre los mejores resultados son cuando llega, cuando te sorprende una idea, cuando te agarra una idea, y eso puede pasar en cualquier lugar, en cualquier momento, a cualquier hora, estés contento, estés triste. Es un misterio. Llega una idea. Una idea puede ser una frase, una linda idea, apenas un verso, puede ser un título, puede ser una pequeña línea melódica. Nunca alcanza para algo completo. Siempre es un cinco por ciento, con suerte. Pero cuando llega esa idea se despiertan cosas, se destapan cosas, o se encadenan cosas que hacen que a vos te motive, porque por lo general tengo poca motivación en los últimos tiempos, me siento un poco alicaído del entusiasmo creativo. Pero cuando aparece una idea se despeja todo eso y el encadenamiento comienza, que es una especie de misteriosa responsabilidad o misterioso sentido del deber de continuar esa idea. ¿Continuarla cómo? Continuarla con el oficio, con el trabajo, con la cosa ya más racional, no tan intuitiva como fue como apareció esa idea, que fue de orden intuitivo, entonces me vuelven las ganas.

¿Y cómo se vincula la música con la palabra en ese proceso?

En mi caso hay dos maneras de hacer canciones, que son cuando hay primero una música la cual vos luego le ponés letra. Esa música ya te determina una métrica, una acentuación, no es tan sencillo embocarle a las palabras porque vos ya tenés una melodía. Esa es una forma. La otra, que en mi caso es la mayoría de las veces, un 80 por ciento te diría, es hacer primero el texto. Puede llevar largos meses o años. Y esa continuidad del tiempo que uno está manejando ese texto y vos en tu cabeza lo repetís o lo ves en el papel y lo corregís, estás con él mucho tiempo, hace que la métrica del texto, la métrica del verso, lentamente en mi cabeza, en mi mente, en mi inconsciente, vaya ya formulando la pauta melódica. La melodía se va haciendo sola, lógicamente basada en esos acentos y en esa métrica que ya tiene el verso. Se va haciendo sola, cuando quiero acordar ya está hecha la melodía. Y en los últimos años también he modificado un poco el sistema de componer con música que antiguamente era muy atado a lo armónico, a la sucesión de acordes, a un circuito armónico que uno inventa y luego le pone la melodía a eso para hacer al revés, tratar de inventar la melodía pelada, inventar una melodía sin pensar en los acordes. Yo vengo de un enviciamiento armónico muy fuerte que es mi herencia de la música brasileña, y una cantidad de cosas, de armonías cargadas, de considerar que el acorde cuanto más raro es, es más interesante o más rico, lo cual descubrí lamentablemente tarde que era una cosa para nada verificable. ¿Por qué lo más complejo tiene que ser lo más interesante? Es una especia de vicio que muchos cargamos. Los que venimos de los años 60 y 70, épocas mucho más experimentales en la música popular, épocas donde dominaban los Piazzola, los Hendrix, los Beatles. Entonces, claro, era muy compleja esa música. Los que nos criamos en esa época un poco nos comimos la pastilla esa de que había que ser complejo y extraño.

Yo comprendí con los años que más bien era una traba, una traba de comunicación, que lo mejor siempre es ser sencillo, buscar la simpleza. La belleza y la profundidad pueden perfectamente venir en la simpleza. Aparte en la canción uruguaya, donde yo me muevo, hay sobrados ejemplos de esto. Yo siempre digo: simple y hondo. Y tenemos a Dino, a Ruben Lena, tantos ejemplos de eso.

Miguel Ángel Dobrich: Ya que hablamos de la canción uruguaya. En Argentina se dice que Charly es el padre, que Fito es el hijo, y que Spinetta es el Espíritu Santo. ¿Cómo sería la Divina Trinidad uruguaya?

No hay una trinidad, es más colectiva me parece. Es más como un Parlamento. Yo lo veo como un Olimpo de varios dioses, no de tres. Pero ta, la lista es larga porque arranca a mediados de la década de 1950, con los pioneros-pioneros, que son Aníbal Sampayo, y también sin estar muy en contacto entre ellos… También venía Amalia De La Vega, de antes, también era autora, y fue un poco la que pautó un camino que luego tomó Zitarrosa. En los 50 aparecen Sampayo, un poquito después Osiris Rodríguez Castillos, también ya Ruben Lena y Víctor Lima venían trabajando. Luego nutrieron ellos dos todo el repertorio de Los Olimareños. Marcos Velázquez, Anselmo Grau, ambos estos últimos estuvieron muy estrechamente en contacto con el estudioso Lauro Ayestarán, musicólogo, o sea que sabían bien de lo que hablaban. Había profundizado nuestros géneros, géneros de acá, de la banda oriental, del Uruguay. Daniel Viglietti después, Los Olimareños luego. Un poco después, ya a mediados de los 60, fijate que aparecen juntos: Zitarrosa, Rada, Mateo y Dino. Los cuatro prácticamente en el mismo año comienzan su trabajo. Ya te nombré unos cuantos y puedo seguir con El Sabalero y con Numa… La canción uruguaya realmente es una cosa formidable. Es reciente porque estamos hablando de 50 años, a pesar de que nos parece que fuera remoto. Uno dice Aníbal Sampayo, pero Aníbal Sampayo empezó a componer a fines de los 50, a mediados de los 50, no hace tanto.

Joel Rosenberg: Hay una frase tuya, Fernando, en una entrevista que me llamó la atención, a propósito de tu tarea de lo que has hecho durante más de 35 años. Decís: “Lo he hecho con el máximo nivel de entrega que vos te puedas imaginar de un ser humano hacia una profesión o una actividad. Es enamoramiento que ya no pasa ni por el análisis, es como caminar, como respirar”. ¿Qué dejaste de lado por ser este artista de tiempo completo? ¿Qué has dejado de lado ahora con 55 años y cuando mirás atrás?

Bueno, no formé una familia, por ejemplo. No tuve hijos. Tal vez no hubiera podido tenerlos. O si hubiera tenido hijos y hubiera tenido una familia no hubiera sido músico. Eso es algo que tuve claro de bastante joven. Es muy difícil acá sobrevivir de esta profesión. Yo pasé penurias económicas siempre hasta hace muy poco tiempo. Y después no sé qué mas dejé de lado, creo que eso es lo más importante.

Vos decís que eran incompatibles las dos cosas.

Para mí. No digo que lo sean en general porque está lleno de ejemplos de lo contrario. Para mí no hubiera sido. Yo creo que si me hubiera casado, hubiera tenido una pareja estable a los 20 o 25 años, yo hubiera tenido hijos, hubiera tenido que necesariamente abandonar la música porque no hubiera podido mantener a mi familia con la música. Yo viendo eso ya en aquella época preferí relegar un poco este asunto, porque tenía una profunda vocación y me alcanzaba con ser pobre yo.

¿Tuviste momentos en que te arrepentiste del camino elegido?

Sí, no sé si arrepentido pero sí tuve muchas dudas, muchas broncas. Periodos de una profunda depresión, porque los resultados, no artísticos, los resultados profesionales no se daban de la manera suficiente. Eso me deprimía mucho en una época porque no comprendía las claves de por qué sucedía. Yo tenía un error de apreciación o un error de análisis de por qué sucedía eso, entonces caía en un uruguayismo muy típico que es echarle la culpa a los demás y pensar que las causas están en otro lado y no en uno.

¿Cómo estás hoy con respecto a tu carrera y lo que has logrado? ¿Cómo te sentís hoy en una madurez en la que la gente te quiere, la gente del espectáculo, cuál es la sensación que tenés hoy?

Me siento en un momento de gran plenitud, de gran felicidad, porque me suceden de forma permanente cosas muy hermosas desde todo punto de vista. Con la gente, con los colegas, con los resultados mismos de mi trabajo, con la evolución que yo pienso y pretendo que se vea en mi trabajo. Me siento muy feliz, recibo toda clase de elogios, de halagos, no solo de acá, de otros países también, de gente muy importante, de gente que está en la cosa. O sea que en los últimos años eso se ha modificado mucho en mi vida, me ha dado mucha felicidad. Me estimula mucho también, y a la par que me estimula también me pone nervioso.

¿Por qué?

Porque siento que se espera mucho de mí también, y yo también lo espero. Hay una doble circunstancia de presión, mía y del entorno. Entonces te pone un poco en un lugar de nerviosismo, de no fallar, de no hacer una cosa floja, de que tu próximo disco no vaya a ser inferior al anterior, que los estrenos que siempre hago, canciones nuevas que no defrauden, un poco nervioso te pone eso.

http://www.180.com.uy

Una inédita para terminar el año.... Escondido

2011-12-31T05:06:00.000-08:00

Se nos fue el año, gracias a todos los amigos que vistitan esta humilde pagina que intenta homenajear al gran Cabrera, en el 2012 Fernando abrira el año con un show en Punta del Este y luego junto a Pata Kramer con entrada gratis en la Floresta (Canelones), estaremos ahi para seguir al maestro, dejamos una joyita "inédita" como regalo de fin de año.
Buen año para todos!
La garra del corazon

2012,,, Cabrera en Punta del Este.

2011-12-26T16:03:00.000-08:00

Los hermanos Fattoruso en formato de trío, el cantautor uruguayo Fernando Cabrera, la intérprete argentina Liliana Herrero, la cantante de jazz brasileña Lenny Andrade, Skay y Luis Salinas son algunos de los músicos que tomarán parte del Festival Medio y Medio 2012 que se desarrollará a lo largo de este verano en Punta del Este. Con 27 shows programados, este encuentro musical rescata distintas y creativas aristas de la música que se hace en el Río de la Plata y Brasil, yendo del rock, al jazz, el latin, el folclore y la canción de autor. Hilda Lizarazu, Jaime Roos, Lisandro Aristimuño, Cuarteto de Nos, Paulinho Moska, Edú Lombardo, Mariano Otero, Julieta Rada y Skay completan la grilla del festival que se realizará a metros de la playa Portezuelo, en Punta Ballena.

Con 27 shows programados, este encuentro musical rescata distintas y creativas aristas de la música que se hace en el Río de la Plata y Brasil, yendo del rock, al jazz, el latin, el folclore y la canción de autor.

Hilda Lizarazu, Jaime Roos, Lisandro Aristimuño, Cuarteto de Nos, Paulinho Moska, Edú Lombardo, Mariano Otero, Julieta Rada y Skay completan la grilla del festival que se realizará a metros de la playa Portezuelo, en Punta Ballena.

El encuentro abre el domingo 25 de diciembre con el Trío Fattoruso, mientras que el 1 y 2 de enero es el turno de Fernando Cabrera presentando su último disco “Canciones propias”, en el que por primera vez versiona a otros autores.

El 6, 7 y 8 de enero Hilda Lizarazu presenta su disco “Futuro perfecto”, mientras que el 12 se unen en el escenario la argentina Liliana Herrero y el uruguayo Edu Pitufo Lombardo.

El 13 de enero es el turno de Jaime Roos, el 14 de Lenny Andrade, el 20 el bajista Mariano Otero presenta “Rojo”, y el 27, 28 y 29 toca el guitarrista Luis Salinas en cuarteto junto a Javier Lozano en teclados, Martín Ibarburu en batería y el bajista chileno Cristian Gálvez con un repertorio de latin jazz.

Cerrando el festival, el 20 de febrero toca Skay Beilinson y el 24 y 25 el cantautor patagónico Lisandro Aristimuño.

En el dia de su cumpleaños, Salud Maestro!

2011-12-08T04:21:00.000-08:00

Para ir Agendando.........Cabrera en Montevideo.

2011-12-01T07:00:00.000-08:00

FERNANDO CABRERA es considerado desde hace ya mucho tiempo como uno de los músicos más importantes del Uruguay. Su influyente obra le ha valido un amplio reconocimiento y una popularidad multiplicada en la última década.
Casi contemporáneo de ejemplares musicalmente únicos e irrepetibles -inexplicables- como Mateo, Darnauchans; Fernando Cabrera en lo que a canción urbana respecta es hoy la materialización de esos espíritus que sobrevuelan Montevideo y que hay que estar atentos para encontrarlos. Nítidamente su genuino heredero porque, como ellos, artísticamente es único.
Con una trayectoria de más de treinta años, premios en festivales internacionales, una producción de mas de diez discos propios y otros tantos en calidad de productor, de arreglador, o de invitado Fernando Cabrera es hoy es el referente indiscutido de la nueva generación de jóvenes creadores de la música popular uruguaya y un artista único, ícono de la cultura y de la identidad del Río de la Plata.
En el momento exacto en que el ámbito de la canción popular enfoca a Fernando Cabrera y sus composiciones se proyectan como un faro hacia ambas márgenes del Río de la Plata, el autor de "El tiempo esta después" da un paso al costado para concretar un homenaje a su propio adn musical. No conforme con haber creado él mismo canciones imprescindibles para entender la historia de la música popular uruguaya, concibió también un disco revolucionario como ofrenda a su propio país.

Muestra Pictorica-Cabrera

2011-11-25T09:49:00.000-08:00

Fernando Cabrera en Fray Bentos

2011-11-24T08:02:00.000-08:00

El sábado 26 de noviembre, en los 10 años del Programa Radial La Cueva, se presenta el Músico Fernando Cabrera ganador de los premios Graffiti como disco del año. La actividad artística se realizará en "Plaza de las Mujeres de Río Negro".

Se anuncia también la actuación de los artistas fraybentinos Enrique y Enzo Machado.

La entrada es librecontándose con el apoyo del Ministerio de Turismo, MEC y la Intendencia de Río Negroa través de los Departamentos de Turismo y Educación y Cultura.

Fernando Cabrera nos cuenta sobre “Agua”

2011-10-27T18:48:00.000-07:00

En el ciclo Contame una Canción tenemos el gusto de presentar a uno de los
cantautores más importantes de nuestro medio. Escuchando su música, se puede notar que todos los elementos que hacen a la canción son tratados de una manera detallista y minuciosa desde la instrumentación, lo arreglístico, lo tímbrico, las letras y la emisión de la voz. Estamos hablando de Fernando Cabrera.

Con cerca de cuatrocientas canciones en su haber, este gran artista disfruta en la actualidad de un gran reconocimiento en ambas orillas del Río de la Plata, fruto de la constancia, el amor al oficio, y todo lo que le ha entregado a la música, siempre lejos de modas pasajeras o de campañas publicitarias.

En esta nueva entrega de Contáme una canción, Fernando nos cuenta la historia de “Agua” una de sus primeras canciones que desde 1978 forma parte de su repertorio. Curiosamente y en un primer momento, esta canción tuvo una música diferente a la que conocemos hoy en día y es que el compositor decidió cambiarla para interpretar la nueva versión con su primer grupo Montresvideo.

Agua que cae de tus ojos
maestros del insomnio
y de las tristecías
Agua que inunda tu boca
blasfema de recuerdos
de las noches mías.

Agua que plancha tu pelo
el mejor encordado
que toqué con mis manos
agua que inunda mi espejo
llenando de borrones
mi cara llorando.

Agua roja que me brota
de las venas rotas
sangre que me falta.
Agua que se vuelve blanca
agua que te desnuda
todas las mañanas.

Agua que bebe un arroyo
temprano de pájaros
y lavanderas
Agua de las escupidas
agua de los sudores
y de las letrinas.

Agua que saca de quicio
la valiente paciencia
de todos mis hermanos
Agua que plancha tu pelo
el mejor encordado
que tocó mi mano.

escuchar entrevista:

www.hormigueando.com

Fernando Cabrera en Buenos Aires (Homenaje al Bicentenario del Uruguay)

2011-10-23T11:15:00.000-07:00

Con motivo del Homenaje al Bicentenario del Uruguay el gran Fernando Cabrera visitó Buenos Aires para comenzar un ciclo que reúne musica y poesía y que seguirá hasta el 13 de noviembre.
Como primera parte ofreció un reportaje público a cargo de Humphrey Inzillo donde se pudo conocer un poco más de la historia de Montevideo y sus vivencias.

Continuará fue la cancion que abrió la parte musical de la noche, entre bromas y anécdotas pudimos escuchar a Fernando con los clásicos de siempre como Dulzura distante, Imposibles, Críticas, Diseño de interiores y El tiempo esta después, La mama vieja (Eduardo Mateo) y Si te vas (Zitarrosa), entre las canciones nuevas y no tan nuevas se pudo escuchar Otra cosa es con guitarra (A Grau) Viva la patria, Escondido, Carpintéria y para finalizar una hermosisima canción titulada "Nunca te dije te amo"....

lagarradelcorazon.blogspot.com

Homenaje al Bicentenario de Uruguay en Argentina

2011-10-21T04:39:00.001-07:00

La Casa Nacional del Bicentenario Argentina homenajeará al Bicentenario de Uruguay con variadas actividades organizadas por el Ministerio de Educación y Cultura del Uruguay; el Instituto de Cine y Audiovisual del Uruguay (INCAU); la Embajada del Uruguay en la Argentina; la Dirección Nacional de Artes; y la Casa Nacional del Bicentenario de la Secretaría de Cultura de la Nación.

Música

Esta celebración incluirá espectáculos musicales a cargo de los artistas Fernando Cabrera (sábado 22 de octubre), Hugo Fatorusso (sábado 29 de octubre), Daniel Drexler y Pablo Grinjot (sábado 5 de noviembre), y Ojos de Cielo y Millones de Casas con Fantasmas (sábado 12 de noviembre).

Poesía

Entre otras actividades, el sábado 12 de noviembre tres poetas argentinos, Leopoldo Brizuela, María Inés Aldaburu y Juan Fernando García, homenajearán a las poetisas uruguayas Idea Villariño, Marosa di Giorgio y Circe Maia. También se proyectará el corto documental “Susana Soca: ¿La demente?”, dedicado a la vida de Susana Soca.

Cine

Además, se proyectarán las películas uruguayas “El baño del Papa” (2007), “El círculo” (2008) y “Gigante” (2009).

Domingo 30 de octubre
“El baño del Papa” (2007) de Enrique Fernández y César Charlone

Domingo 6 de noviembre
“El círculo” (2008) de José Pedro Charlo y Aldo Garay

Domingo 13 de noviembre
“Gigante” (2009) de Adrian Biniez

Más información de las actividades en http://www.casadelbicentenario.gob.ar/10416/agenda-y-noticias/noticias/homenaje-al-bicentenario-de-uruguay.

Fernando Cabrera, Poeta en Nueva York, o un príncipe solo en “La Trastienda”.

2011-10-07T07:49:00.001-07:00

Sábado 11 de setiembre, 21:00 horas. La Trastienda, Montevideo.

Fernando Cabrera en el escenario. Solo. Sin público. Sin banda.

La gente arrastraba las sillas. Alguien agitaba el hielo dentro de un vaso. Un mujer, a mi lado, peleaba con la mesera acerca de la pronunciación de la palabra Baileys, y otra, más allá, consultaba compulsivamente un celular. Él estaba solo, sobre el escenario. Separado del resto de las cosas. “Y el cielo desembocaba por los puentes y los tejados”.

El murmurio del lugar se agitaba como en olas y sobre ellas se deslizaba la voz de Cabrera, absorto en su propio juego. El juego de la poesía y de la creación.

El sonido era pésimo, una bola eléctrica que rebotaba contra las paredes y descendía sobre el público que conversaba mientras detrás de la barra los labios se distendían en una sonrisa aceitada. Y yo recordando…“un día los caballos vivirán en las tabernas”.

Él habló. Poco. Casi como consigo mismo. Parecía vernos. Reía tímidamente. Acrecentaba su estilo, construido con paciencia. Permanecía distante. En otro mundo. Y cantaba o murmuraba, o decía y en algún momento su poesía lo decía a él. Y ambos se reconocían, el uno en el otro. Y estaban el uno en la casa del otro. Una casa en silencio, sin vasos ni celulares. Una casa en la que duerme para siempre, el Darno y Mateo y el imaginario lírico de Caetano Veloso.

Él estaba solo, con su guitarra, cruzado en la carretera, anteponiendo el cuerpo. Aguantando. Versionando canciones de otros y algunas propias. Diciendo otras nuevas. La calle Llupes, fue, otra vez, igual y distinta. Y sigue siendo “una cápsula de aire donde nos duele todo el mundo”. Un Cabrera Clásico. Y cuanto más innovador, más clásico. Aún. Equilibrado. Como un buen vino de crianza y fermentación. Sanguíneo.

Su música nos puso lágrimas en los oídos. Así también se escribe, con dolor y alegría. Una alegría efímera, rojorosada. Alegría de fósforo.

Los músicos eran la tropa, disciplinada. Los Discos de Oro. La fama y la notoriedad. Obviables.

Cabrera estaba solo con su poesía. Cabrera. Estaba. Y la Belleza.

n.a. Entrecomillado. Lorca. Poeta en Nueva York.

Tres oros para Cabrera

2011-10-06T17:39:00.001-07:00

El músico acaba de recibir tres discos de oro por las ventas de sus discos Mateo & Cabrera, Ámbitos y Canciones propias

Antes de que finalice el año, el músico uruguayo Fernando Cabrera tiene motivos de sobra para alzar la copa y brindar.

Por un lado, acaba de regresar de una gira por Chile donde tocó por primera vez. Por otro, viene de llenar La Trastienda, donde presentó su último trabajo, Canciones propias, un disco de covers de temas de folclore y canto popular uruguayo.

Por si esto fuera poco, el cantante acaba de recibir, de parte de Ayuí/Tacuabé, tres disco de oro por las ventas de sus discos Mateo & Cabrera, Ámbitos (compartido con Eduardo Darnauchans) y el reciente Canciones propias.

Recientemente, en una entrevista con El Observador, Cabrera anunció que está preparando para 2012 un nuevo disco, un libro de letras y poemas, y un concierto en DVD, que saldrá al mismo tiempo en Uruguay y Argentina.

Fernando Cabrera en la Habitacion China (ultima parte)

2011-09-28T15:23:00.000-07:00

Fernando Cabrera en Somos Sonido con/cierto íntimo

2011-09-18T09:30:00.000-07:00

FERNANDO CABRERA

en con/cierto íntimo

SÁBADO 24 DE SETIEMBRE - 21:30 HRS

DOMINGO 25 DE SETIEMBRE, 20:30 HRS

Vuelve el maestro Cabrera a Somos Sonido. Guitarra y voz, esta vez con las Canciones Propias, que son también nuestras. 50 lugares, 50 afortunados. Doble función!!!

RESERVAS AL 27097214

Baldomir 2420, esq. Obligado

info@somossonido.com.uy

Nocetti-Cabrera: Tierra de Gigantes

2011-09-14T06:02:00.000-07:00

El más importante cantor uruguayo de Julio Sosa para acá, y el compositor más poderoso de la música popular uruguaya reciente, juntos.

Por: Elbio Rodríguez Barilari

Gustavo Nocetti era nuestro último gran cantor de tangos. Hasta que salió del escenario de la vida de manera trágica. Y con la aceleración típica de todos sus quehaceres.

La figura de Fernando Cabrera se agiganta, sin prisa y sin pausa, como el más importante compositor popular de las últimas décadas. Su influencia sobre las siguientes generaciones es tremenda. Y benéfica.

En 1986 la gente de Joventango quería grabar un disco de Nocetti. Y éste, siempre inquieto y amigo de correr riesgos artísticos, se puso a buscar un arreglador capaz de sacudir las rutinas del género.

Nos juntamos para un café vespertino en la esquina de El País. Me contó del proyecto y me preguntó quién podía arreglar un proyecto así. Yo le dije sin dudar: Fernando Cabrera.

Es que en aquellos años, tanto Cabrera como yo éramos tangueros íntimos, subterráneos. Nadie nos identificaba con esa música. Aunque nosotros peregrinábamos detrás de Horacio Salgan, de Pugliese, de Piazzolla, cada vez que esos gigantes se ponían a tiro.

Cuando yo le repito, porfiado, "el Cabrera", Nocetti hace una pausa dramática, muy suya, y me dice: "Sos la tercera persona que me sugiere a Fernando". Comentamos un poco sobre el repertorio, recuerdo que me atreví a recomendarle Tristecitas Montevideanas, de mi admirado Jorge Bonaldi.

La siguiente noticia que tuve vino en la forma de un disco que me llego a la redacción de El País.

Hoy, más de veinte años después, el sello Ayuí reedita éste material, elevado a la jerarquía de documento histórico.

Cuando Gustavo y Fernando se juntaron, se sacaron chispas de talento y el voltaje emocional trepo a alturas vertiginosas.

En estos once surcos, Gustavo canta como casi nunca. Y uno no puede dejar de pensar en todo lo que nos robó la tragedia de la rambla. Cabrera estaba en uno de los picos de su carrera. Este CD incluye uno de los grandes temas de Fernando, la milonga intitulada Méritos y Merecimientos, donde los dos protagonistas cantan juntos. Salvo la presencia de Edison Bordón en el bandoneón, el resto del equipo es más música popular uruguaya, que tango: Recagno en el bajo, Etchenique en la batería, Goicoehea en el piano.

El color sonoro, la tímbrica que le dicen, tampoco es tanguera. Frecuentemente Cabrera toca una guitarra de cuerdas de acero con pedales de efecto, especialmente chorus y flanger, como para un disco de Darnauchans. Pero los arreglos tienen una increíble vivacidad rítmica y al mismo tiempo le dan a Nocetti un enorme espacio para expandir los límites de su expresividad en esos paisajes sonoros tan típicos del pincel de Cabrera.

Cabrera incluso extrajo un candombe beat de un tema de Baglietto y Fito Páez, intitulado La Música del Río de la Plata, que así condimentado queda mucho más sabroso que el original. Este tema no suena a tango ni por las tapas… pero Nocetti se sale del género típico con olímpica autoridad. Somos los ilusos, de Chico Novarro tiene ese ritmo pop un poco molesto que tanto él como Eladia Blázquez le sobrepusieron al tango en los años setenta. Pero Cabrera y Etchenique salen al rescate dándole un toque milonguero-candombero que lo depura.La inclusión de dos tangos con textos del poeta argentino Héctor Negro, para mí muy superior a la Blázquez, Novarro o Ferrer como letrista de tango, es otro indicio de buen gusto. Completado con páginas escogidas de Manzi, de los Expósito, la Walsh, y mi predilecta, aquellas Tristecitas Montevideanas de Bonaldi.

En fin, un CD para atesorar, para enroscarse oyéndolo y meditar en lo afortunados que hemos sido de tener a Nocetti entre nosotros, hasta aquella noche trágica. Y de que Cabrera siga ahí, con todos sus méritos y merecimientos en plena erupción.

barilarius@yahoo.com

"En la originalidad está el valor"

2011-09-09T13:39:00.000-07:00

Entrevista antes de su doble show de hoy y mañana

Recién llegado de Santiago de Chile, donde se presentó por primera vez en el marco de un festival, el músico se dispone a ofrecer dos conciertos en el local de La Trastienda. No solo repasará su último disco "Canciones propias", sino que tal vez adelante y pruebe temas de su próximo disco.

Paciente y seguro, Fernando Cabrera pasó más de dos décadas de carrera como una joya uruguaya no descubierta en el extranjero. Recién en la última década, y de forma gradual, salió al exterior con paso firme, llegando a un público que se sorprendía y lo sorprendía a él. En Cuba, Brasil, Argentina y Chile el público se encontraba con un cantautor de extensa trayectoria. Y él, a su vez, se encontraba con un público que, a pesar de descubrirlo recién ahí, agotaba las entradas para sus shows. En Santiago de Chile le ocurrió lo mismo cuando tocó la semana pasada en el Complejo Cultural Gabriela Mistral. "Mis recitales son siempre distintos, dependiendo de mi banda", explica. "Estos viajes que hago por Latinoamérica los hago solo. Y después está el repertorio que tengo ganas de hacer. En La Trastienda voy a hacer algo distinto a lo de Chile, voy a tocar con Federico Righi, Juan Pablo Chapital y Ricardo Gómez y vamos a hacer canciones del último disco". El proceso de trabajo de las canciones de Cabrera es igualmente paciente. Parte de lo que hace en ese proceso es ensayar en estudio y también ensayar en vivo las nuevas canciones, cosa que hará en el concierto de esta noche. "En vivo entra en juego más la emoción, que es difícil de conseguir ensayando en un estudio. En el escenario aparece la verdad. Tocás de otra manera, todos se la juegan más", contaba. Con dieciséis discos y cincuenta y cuatro años, Cabrera ha recorrido un larguísimo camino a la hora de perfeccionar las formas de componer y pulir canciones. Y también, de conocer a su público. La respuesta de la audiencia a la hora de probar canciones, dice, es relativa, "porque en general el público apoya. Creo que la experiencia es más bien interna. Y te juega una adrenalina y cosas que son imposibles de conseguir en un ensayo o una grabación. Cambia todo".

Matías castro

-¿Por qué no se dio esto de tocar en el exterior en tus primeras décadas de trabajo?

-Para nada. Yo no salí de Uruguay hasta hace muy poquito. Pasé veinte años acá, con relativo relieve, con gran actividad, pero nunca fui a ningún país. Lo más llamativo es que hasta esa década que decís no fui a Argentina. En mi caso se dio por influjo de Jorge Drexler, que él viendo mi realidad, se propuso como una tarea personal hablar de mí en cada nota y cada encuentro con productores. Me hizo un trabajo como de canciller, o de divulgador, muy generoso de su parte. Eso hizo un click conmigo. A partir de ahí mucha gente empezó a prestar atención a lo que yo hacía. Eso se lo agradezco a él. Y después del lado de allá colegas hicieron temas míos, como Liliana Herrero y también la Bersuit.

-Y en cuanto a los artistas uruguayos de tu generación, ¿por qué no salían al exterior con tanta frecuencia como ahora?

-Yo creo que la respuesta debería ser un poco más general. No lo veo claro. Creo que hay un gran auge del prestigio de la música uruguaya. Pero no sé porqué se da en estos últimos años porque la música uruguaya fue buena desde siempre. Hay una idea, sobre todo en Argentina, de que Uruguay es una fuente de músicos y creo que desde siempre se da que Uruguay es un polo a nivel musical. Para mí eso es real, no es que nos quieran pasar la mano por el lomo. Uruguay es un foco musical muy importante en este momento, lo digo por distintas generaciones y desde Los Olimareños hasta Franny Glass. Tiene que ver con cómo se han profesionalizado los jóvenes, a caballo también de las nuevas tendencias de producción y de intentar poner un poco más de cabeza empresarial. Los que estamos acá no somos tan conscientes pero hay mucha calidad instrumental, letrística y hay propuestas. Si pasás al terreno de la canción cada solista es un género en sí mismo. Acá todo el mundo es bastante original. Creo que en la originalidad está el valor de lo nuestro. Y es lo que se ve desde Argentina. Todos somos cada uno, y es algo que sucede desde siempre. En mi generación vos veías a Leo Maslíah, a Jaime Roos, a Lazaroff, a Rubén Olivera, a Larbanois Carrero, Galemire, Darnauchans… nadie se parece a nadie.

-¿Qué es lo que ha marcado que se desarrollen los compositores de esta forma?

-Creo que la pequeñez y que en este mercado no haya expectativas de enriquecimiento ni de glamour hace que el que se dedique a cualquier disciplina artística sepa de primera que no va a tener una limusina con vidrios negros, cuatro patovicas y una bruta quinta. Eso no existe. Esa certeza de que toda la vida vas a estar remando, te lleva a una gran libertad. Y uno dice ya que no voy a ser rico voy a hacer lo que se me dé la gana. Acá no tenés qué cuidar, no tenés nada que perder.

-No hay especulación.

-Claro, esa pobreza te lleva a no especular y a ser muy libres. Por ahí en caso de artistas que de primera les va muy bien y venden mucho, a la hora de hacer nuevos discos piensan dos veces la experimentación. Creo que hay ahí una posible explicación de la originalidad uruguaya. Somos chiquitos y comprendemos intuitivamente que la única forma de levantar la cabeza y hacerte ver es ser bueno y novedoso.

-Volviendo al tema del comienzo, con un panorama así, en tu primera década de laburo, ¿te planteaste salir al exterior?

-Tuve una actitud más bien de espera y no tanto de ataque. Es una cosa de personalidad. Soy más bien introvertido, no me gusta pasar tarjeta. Y las cosas ya ves que se dieron y con una ventaja: la gente que me conoce ahora no encuentra un muchacho que recién empieza sino que se encuentra de golpe con una persona con un capital bastante mayor, con muchos discos, colaboraciones y trescientas canciones escritas. Eso genera una sorpresa mucho mayor.

-Te pasa después de tres décadas de carrera.

-¿Qué mejor que te sigan pasando cosas interesantes a una edad avanzada, cuando la vida marca lo contrario? A mí me siguen pasando cosas que me sorprenden y me sacan de mi trillo habitual. Este año fui por primera vez a San Pablo, Brasilia y La Habana. Creo que es fruto de esa paciencia, de no haber sido ambicioso. Me gusta que las frutas caigan del árbol solas, no lo voy a sacudir antes.

-¿Pensás que estas experiencias de vida y sorpresas se puedan reflejar en tus futuras composiciones?

-El proceso de las canciones es muy extraño y muy lento. Nunca sé lo que voy a escribir. A veces puedo ponerme a hacer una letra sobre algo que me pasó veinticinco años antes. No voy a descubrir nada, pero yo escribo mucho a raíz del shock que me provoca una emoción, mía o de otro. Esa cosa tan difícil de explicar encontré la forma de expresarla en una poesía o en una letrita. No sé si estas experiencias salgan algún día en una letra. Últimamente en las letras se me cruzan distintos temas, las canciones van derivando.

-En este proceso de composición ¿cuánto pesa la parte racional y tu bagaje intelectual?

-Pesa porque la razón y la intuición forman un equipo. Todo eso conforma el oficio. Está lo intuitivo, cuando te viene la epifanía. Eso puede ser muy cortito, un título o una frase. Luego entra lo otro, donde el trabajo es un poco más racional, que puede llevar meses. Guardo las cosas en una carpeta, los dejo meses y luego los abro y los vuelvo a tocar.

-Un librero decía que el arte es 1% de inspiración y 99% de transpiración.

-El porcentaje lo pone cada uno. Pero la mayoría es de trabajo, de transpiración. También hay gente que dice que para que te aparezca la inspiración hay que estar bien entrenado, el terreno tiene que estar abonado.
Un reencuentro con Onetti y Pablo Dotta

Esta semana se edita en DVD el documental Nunca leí a Onetti, dirigida por Pablo Dotta, realizador uruguayo conocido por su largo El Dirigible. Las tres experiencias de Cabrera a la hora de componer música para el medio audiovisual fueron con él. Este documental, en particular, implicó un reencuentro con Dotta y con el escritor. Dotta y Cabrera se encontraron en La Habana, donde el director da clases en la escuela de San Antonio de los Baños y le propuso trabajar en el film. El músico compuso una canción pensada específicamente para este objetivo y, a lo largo de la película, se va mostrando todo su proceso de construcción. "La canción no habla específicamente de Onetti, pero creo que toca temas y pasa por lugares cercanos a la forma de escribir de Onetti" explicaba. "Su tesis es que si hay gente que considera que el viaje y el moverse es la única forma de conseguir una experiencia también hay gente que vive y aprende al quedarse sentado debajo de un ombú. La cautela también significa coraje, según las circunstancias en las que estés. Esa es la idea central de la canción". Y, después de todo, no es algo muy distinto a la filosofía paciente con la que Cabrera encaró su carrera.

El Pais digital.

Cabrera por Cabrera: felicidad en clave triste

2011-09-08T15:31:00.001-07:00

El cantautor se presenta en La Trastienda viernes y sábado, presenta un disco nuevo, reedita El tiempo está después y lanza un libro de poesía el año que viene.

Fernando Cabrera camina por la calle Juan Carlos Gómez con las manos metidas en los bolsillos de su saco, la cabeza levemente hacia abajo para cubrirse de la tarde fría, su cuello endurecido por un pañuelo que hace de bufanda. No mira la Plaza Matriz, no mira la fuente, ni el Cabildo, ni la iglesia; quizás porque tiene la Ciudad Vieja demasiado grabada en su memoria para volver a recurrir a la experiencia.

Un poco más tarde, sentado frente a una taza de té humeante en una mesa del fondo de La Pasiva de la Matriz, reconocerá que ha ido metiéndose “tras la muralla”, en un derrotero que lo vio nacer hace 55 años en el Prado, y se fue mudando al Cordón, luego al Centro y finalmente al apartamento donde vive hoy. Investigando y leyendo “en libros de historia y de Aníbal Barrios Pintos”, descubrió que la manzana en la que está su edificio fue la primera que repartió Pedro Millán a los primeros vecinos de Montevideo.

Y se siente orgulloso por eso.

A Cabrera le obsesiona el pasado, pero es el presente el que lo trae de nuevo a escena, y un futuro cercano, el que trae novedades. El cantante acaba de regresar de una gira por Chile, la semana pasada, donde tocó por primera vez.

El próximo viernes y sábado toca en La Trastienda, con entradas agotadas y, para el año que viene, piensa editar un nuevo disco, un libro de letras y poemas, y un concierto en dvd, que saldrá al mismo tiempo en Uruguay y Argentina.

En La Trastienda ejecutará los temas de su último trabajo, Canciones propias (una hermosa serie de covers de temas de folclore y canto popular uruguayo), y además promete la sorpresa de tres canciones nuevas –que seguramente integrarán el próximo disco–, más “algún tema viejo que nunca he tocado en vivo”, lo que genera mayor expectativa todavía.

Entre sorbo y sorbo de té (una bebida que rara vez toma, según confesó), Cabrera conversó con El Observador sobre temas tan diversos como las luchas con internet, el placer de poder trabajar de lo que le gusta, del otoño y la primavera, de sus viajes a Valizas a componer o sobre la unidad cultural del Río de la Plata, de donde se siente un representante. Por ahí fue la primera pregunta.

Hace menos de un mes, tocando en Rosario, dijo que se sentía “muy argentino”. ¿Cómo es que alguien muy montevideano se anima a decir eso?

Es que hay una unidad cultural que abarca la provincia de Buenos Aires, todo el litoral argentino, parte de la provincia de Santa Fe hasta el sur de Río Grande, que toca elementos de las costumbres, de la forma de hablar, de la música. Hay grande estudios de musicología que han estudiado estos fenómenos. Cuando digo que soy “argentino” es porque desde siempre, desde la época de nuestros abuelos, teníamos un intercambio con la otra orilla muy fluido, muy fuerte. Siempre supimos sobre los artistas, los deportistas, los cantantes del otro lado. Pero bueno, me corrijo: lo de la otra orilla también es nuestro, de alguna forma. Como lo nuestro es de ellos. Es una interacción permanente. Me defino como un músico del Río de la Plata y estoy alimentado por esa matriz.

¿Cómo un artista que se define rioplatense se toma un té a las cinco de la tarde?
(Risas.) Y, porque estoy tomando mate desde las ocho de la mañana.

Más allá del chiste, ¿qué significa lo inglés en tu música?
La cultura anglosajona la tenemos presente permanentemente. El mundo anglosajón, que es muy diverso, tiene mil géneros y ha producido obras maravillosas. Los Beatles... Es la música “imperante”. Yo la he curtido siempre, he bebido de ella. Me nutro todo el tiempo de esa música. La música de Estados Unidos para mí es increíble.

¿Le interesaría ir a Estados Unidos?
Sí, porque nunca fui. Nueva Orleans, Nashville, Memphis, Chicago: todas ciudades que tienen mucho que ver con la música.

¿Le gusta viajar?
Ese es el tema: me cansa viajar. Ya he viajado mucho. Hoy lo encuentro agotador. Los hoteles, las reuniones, las cenas tarde. Los compromisos. Todo eso me exprime.

¿Lo conocían en Chile?
Sí. Lo mismo me pasó en La Habana, donde estuve hace unos meses. Internet hace que hoy los artistas tengan esa ventaja, y también tiene su lado negativo.

¿Por qué?
Porque cuando a uno lo filman, o lo graban y le captan la cara, los gestos, las palabras, sin la autorización, es algo que no puede ser. Creo que es un rasgo de mala educación.

¿No cree que puede ser una forma de que más personas se enteren de sus giras y de sus espectáculos?
Sin dudas. Pero si alguien quiere grabar algo, lo graba y lo ve solo en su casa. Lo disfruta para sí. ¿Por qué la necesidad de subirlo a la red y compatirlo? Así se dejan de vender discos. En mí caso, antes de grabar una canción me gusta tocarla en público, testearla, si se puede decirlo así. Ahora cuando hago eso, a las horas está colgada en internet. Ya se pierde la novedad. El que crea que contribuye y le gusta lo que hago, que no me boicoteé mi próximo disco. Aunque sé que no va a pasar eso, porque estamos en una época –que tampoco comprendo mucho–de completa desnudez de la interioridad, donde se acabó el pudor. El Twitter es eso.

¿Tiene Twitter?
¡No! Mirá si yo voy a andar escribiéndole al mundo la pavada que acabo de hacer dos minutos antes. ¿A quién le importa? Eso responde a una conducta de la humanidad. Todo se cuenta, todo se dice, todo sale a luz, nada se guarda para uno. Como todo el mundo actúa así, también actúa de esa forma con los demás. Ya nadie se lo pregunta siquiera. “Che, ¿a Fernando le molestará esto?” Ya está. Me jodo.

¿Escucha música que se hace hoy?
No. Estoy desenchufado. No por falta de interés, sino por falta de tiempo o de ganas, o voluntad de escuchar. No porque no crea que tengo que estar al día, algo que me parece una regla básica de todo ser humano. No estoy escuchando música de hoy, estoy escuchando música antigua. Es mucho más lo que hay para escuchar en el pasado que en el presente. Cubro lagunas de información que tengo y que me interesa llenar, sobre todo de música criolla. Trato de escuchar todo lo que se ha hecho en el Río de la Plata, tanto sea folclorístico como tango. Tengo mucho material mío, y además escucho Clarín, que es un reservorio bastante amplio...

Y volvemos a ese espacio común, rioplatense...
Claro, seguimos girando.

¿Se siente una especie de “penúltimo” representante de aquellos viejos musiqueros que tocaban por el interior y cruzaban a las provincias argentinas?
De hecho, ¡lo estoy haciendo! Sí, me muevo en el área. Trabajo acá en la zona, no me gusta moverme mucho. Me molesta la parte social. Yo soy un tipo muy introvertido, no disfruto de la algarabía. Cuando vas de viaje, y para colmo sos el centro de la cosa, hay una sobrecarga de agasajos que me cansa mucho. Soy muy casero, vivo mucho en mi casa.

Pero en muchas de sus canciones hay un sentido de viaje, quizás en sentido
metafórico.
Es cierto. Muchas de mis canciones remiten a viajes. Pero, es el viaje físico el que me molesta. Si me decís ahora: “Conseguí dos pasajes para ir a... (piensa) a Florencia”. Ni loco. Ojo, no lo digo por la negativa. Me gusta estar acá. En mi país, en mi ciudad. Viajes, quiera o no quiera, tengo siempre y tendré, porque así lo determina mi profesión.

¿No es el artista que necesite salir del país para sobrevivir?
No, para nada. Comprendo que haya gente que la esté pasando mal y está en todo su derecho de decir que hay que irse a otro lado. Por algo tuvimos esa enorme sangría, esa tasa de emigración tan alta. Uruguay ha sido un gran expulsador de gente, es cierto.
A mí no me pasa y es un privilegio del cual disfruto, poder vivir de lo que me gusta hacer. Esta misma sociedad es la que me ha dado esta felicidad. Tengo que estar agradecido.

Cabrera dice que viviría siempre en medias estaciones. Ni el invierno ni el verano son de su máximo agrado. “En verano, me pongo a la sombra”, dice con una simpleza casi rural. Cuenta que tuvo que ir a Cabo Polonio dos veranos atrás y no podía creer lo inhóspito del lugar. Pero, tampoco se considera un bicho urbano. Habla de su relación con el campo, con las anécdotas de la niñez, de su experiencia como scout. “Pero, hoy no soy tan así. Hoy quiero el refugio. Para mí el concepto de casa es el de refugio, el lugar donde uno se desprende del resto del mundo”, dice el músico.

Y el diálogo vuelve al lugarteniente de Zabala, a Pedro Millán, a la fundación de la ciudad y a la felicidad en forma de sonrisa en la cara de Fernando Cabrera.

el observador.

Fernando Cabrera en LA TRASTIENDA

2011-09-05T16:49:00.001-07:00

FERNANDO CABRERA

FERNANDO CABRERA

viernes 09 de setiembre - ENTRADAS AGOTADAS
sábado 10 de setiembre - ENTRADAS EN VENTA

LA TRASTIENDA CLUB MVD. - 21 hrs.

Videoentrevista con Fernando Cabrera

2011-08-29T15:59:00.000-07:00

Tras una gira de "Primera vez" en el interior y shows en el exterior, Fernando Cabrera se reencuentra con el público en Montevideo, el 9 de setiembre. El músico habló con Montevideo Portal sobre el concierto y su último y premiado disco "Canciones propias", entre otros temas.

Fernando Cabrera tuvo un año de intenso trabajo y también de reconocimientos. La gira "Primera vez" que lo llevó por varias ciudades del interior del país a las que nunca había llegado con sus canciones, conciertos en Cuba, Brasil, Argentina y Chile fueron algunos de los hitos de su agenda 2011.

"Canciones propias" -último disco editado y compuesto por particulares versiones de temas emblemáticos del cancionero uruguayo- le reportó además un Premio Iris y tres Graffiti.

El 9 de setiembre el público montevideano volverá a encontrarse con el músico que ofrecerá un show único en La Trastienda Club, repasando buena parte de su extenso repertorio. He aquí la entrevista que mantuvo con Montevideo Portal con motivo de todos estos temas.

montevideo.com.uy

Fernando Cabrera en Chile.

2011-08-21T16:13:00.000-07:00

El trascendente uruguayo con más de treinta años de trayectoria, referente de toda la nueva generación de jóvenes (y no tan jóvenes) creadores de la música popular uruguaya, llega a Chile en la tercera fecha del Ciclo Maderas Acústica en el Centro Gabriela Mistral (GAM).

El uruguayo Fernando Cabrera viene por primera vez a Chile a dejar huella, ya que cada una de sus presentaciones siempre son catalogadas de extraordinarias. Nos atrapa no tan sólo con los sonidos que saca de su guitarra (Jorge Drexler lo persiguió tocara donde tocara, sólo para observar minuciosamente, su mano derecha) sino que también hay un trabajo vocal que transita entre el grito y el susurro repletos de poesía. A Cabrera le pertenece también una producción de veinte discos propios y otros tantos en calidad de productor, arreglador o invitado.

Casi contemporáneo de ejemplares musicalmente únicos e irrepetibles como Mateo, Darnauchans y El Príncipe, Cabrera hoy es la materialización de esos espíritus que sobrevuelan Montevideo, y es sin duda un genuino heredero porque al igual que todos ellos, artísticamente es único.

El 31 de Agosto es el día de Cabrera en Chile con dos conciertos dentro de la interesante programación del ciclo Maderas Acústicas, que ya tuvo recientemente en mayo a Ana Prada (Uruguay) y a principio de agosto Aca Seca Trio (Argentina).

"...las canciones de Cabrera son como dardos que hacen blanco en las fibras sensibles de los espectadores. Pasan las canciones y ruedan las lágrimas por las mejillas, se anudan las gargantas y aflora la garra del corazón." Revista 'Rolling Stone Argentina' cuyos criticos lo eligieron en el 2003 como Mejor Solista Internacional del Año junto a Joaquín Sabina y Manú Chao.

www.fernandocabrerauruguay.com

FERNANDO CABRERA en el Ciclo Maderas Acústicas

Miércoles 31 de Agosto (Dos presentaciones 20.00 y 22.00hrs) – Centro Gabriela Mistral GAM Sala A1

Entrada general $20.000 por sistema Ticketmaster y Boletería GAM

Entradas con descuento en Bar The Clinic $15.000 – Monjitas #578

Promoción estudiantes 2 x 1 $15.000 hasta el 21 de agosto

Inscríbete en promocion.estudiantes@gmail.com

Un músico verdaderamente popular (entrevista en Cuba)

2011-07-17T15:38:00.001-07:00

Como parte de las Jornadas de la Cultura Uruguaya en Cuba, realizadas en La Habana desde el 25 de mayo hasta el 5 de junio, diferentes fueron las muestras culturales que llegaron desde esa nación. Gracias a ello el público habanero pudo disfrutar de murgas, obras de teatro, encuentros con escritores y diferentes músicos y trovadores de ese país sudamericano.

Parte del repertorio de Fernando Cabrera no era desconocido para los seguidores de la trova latinoamericana, ya que a principios de año, durante la última Feria del Libro, la cantautora argentina, Liliana Herrero, incorporó dentro de su propuesta algunas canciones de este gran músico uruguayo.

Cabrera, considerado como uno de los músicos más importantes de su país, se presentó en el Centro Cultural Pablo de la Torriente Brau, en una jornada donde estuvo acompañado por una buena cantidad de jóvenes trovadores cubanos, vinculados al Centro que dirige Víctor Casaus.

En entrevista a este espació relató sus impresiones sobre Cuba, su cultura, su gente y su forma de expresarse a través de la canción.

¿Qué significa para Fernando Cabrera presentarse en Cuba en las Jornadas de la Cultura Uruguaya?

Una gran sorpresa, porque yo tenía poco conocimiento de Cuba, de La Habana, de este pueblo, de sus procesos. Me pareció un encuentro lindo, emotivo, con un público inteligente, y realmente estoy feliz de estar aquí, con muchas ganas de volver, pero no por razones profesionales, sino juntar unos pesos y venir de vacaciones, ya que te repito que estoy muy feliz y muy encantado con este país.

Cuando usted se presentó en el Centro Pablo tuvo la oportunidad de escuchar algunos trovadores cubanos, ¿cuál fue la impresión que le ha dejado como artista?

Fuertísima. Con una enorme musicalidad, en algunos casos, con una gran originalidad y coraje. Este concierto fue brutal para mí, escuchamos alrededor de diez integrantes de la más joven generación de la canción. Felicitaciones a Cuba, tienen músicos increíbles como siempre los tuvieron.

¿Con respecto al público?

El público hermoso. En estos días pude ver a otros colegas que han venido de Uruguay, para estas Jornadas de la Cultura Uruguaya en Cuba, donde presencié conciertos de otras propuestas musicales de mi país y siempre me pareció que el público estaba muy atento. Te dabas cuenta con solo ver las caras de los asistentes a los conciertos y me daba la impresión que la gente estaba muy metida adentro de la música.

¿Usted se siente un artista de culto o su trabajo se dirige hacia la música popular?

Nunca he sabido bien que significa ser un artista de culto, entonces no sé qué decirte. Yo hago canción popular, eso es lo mío. Hago canción del Uruguay, nada más.

Te repito, de culto no sé bien que significa y tampoco me interesa, en mis canciones trato de ser simple hondo, jugar con los elementos musicales de la región donde yo nací —el Río de la Plata—, con influencias musicales de otras partes del mundo; pero eso de culto dejémoslo de lado.

Además de ser músico usted es poeta, ¿cómo fusiona el arte de la palabra con la música?

Tú lo has dicho: fusionar, de eso se trata. La canción es un género mixto, tiene música y tiene palabras, entonces no es que uno sea poeta, porque el poeta en definitiva es el que escribe en la página y publica libros. La canción es otra cosa, es un matrimonio entre la letra y la música; yo me he entregado toda mi vida a ambos mundos y a tratar de que se yuxtapongan y se convierta en eso tan mágico que se llama canción.

La palabra poeta me parece que es muy grande para mí, pero sí es cierto que cuido mucho mis textos y me pongo mucho en ellos.

¿Qué repertorio presentó en estos dos conciertos?

Una cantidad de canciones mías de todas las épocas. Yo ya tengo una trayectoria bastante extensa, con muchos discos y tuve la oportunidad de realizar una selección de todas ellas.

¿Qué elementos en común encuentra entre la música cubana o caribeña y la música uruguaya o del Río de la Plata?

Hay algunos elementos en común y muchos otros que no se parecen mucho, porque somos pueblos muy distintos, de lugares geográficos del planeta muy diferentes, por ejemplo: todos sabemos que el clima influye en cosas como el carácter, así que imagínate en las expresiones culturales o de otra índole.

En común, posiblemente la correspondiente presencia afro, que Uruguay tiene igual que Cuba, una presencia de afrodescendientes muy grande, el diez por ciento de la población uruguaya son negros y eso ha generado o dio como resultado una música riquísima que es el candombe.

También todo es distinto. Yo vengo aquí y todo me sorprende, aprendo, me llevo muchísima información auditiva, porque aquí pasan un montón de cosas en la música que no tienen nada que ver con la música del Uruguay; así que para mí es un gran beneficio esta visita. Luego la canción también es la canción en todas partes del mundo y en todas las épocas, ya que a lo largo de los siglos ha sido así.
Yo me llevo otras cosas aparte de la música. Me llevo la impresión de que aquí hay futuro y de que aquí hay un pueblo feliz que recién empieza a dar sus pasos. También me voy con mucho entusiasmo y con ganas de volver, como decía hace un rato.

La jiribilla (revista cultural cubana)
Santiago Masetti • La Habana
Fotos: Ana Carolina Savino

IMPERDIBLE

2011-07-07T18:17:00.001-07:00

Fernando Cabrera y Eduardo Mateo, presentación del libro Sobras completas 1986 (Teatro Circular), material no muy conocido, altamente recomendable.

Fernando Cabrera e Pedro Luís Dias 8,9 e 10 de julho CCBB Brasília

2011-07-06T08:51:00.000-07:00

Soy Loco Por Ti America

Um encontro entre a America do Sul e o Brasil

CCBB Brasília recebe projeto Soy loco por ti América e traz à capital federal quatro diferentes shows

Durante o mês de julho, o CCBB Brasília promoverá encontros inéditos entre artistas da América do Sul e brasileiros. É o projeto Soy loco por ti America, cuja direção artística é do cantor e compositor Paulinho Moska, que em 2007 trouxe à cidade – com enorme sucesso – o projeto Mercosul Musical.

Até hoje, as poucas iniciativas de trazer a cultura sul-americana ao Brasil se limitaram a apresentar artistas isoladamente, pouco promovendo a interação com a cultura brasileira. Milongas, tangos, salsas, cumbias e boleros evoluíram e se reinventaram na união com batidas eletrônicas; a canção latino-americana absorveu muito da MPB, mas também dialoga com o rock, de forma inovadora. “Quando reunimos no mesmo palco músicos de diferentes nacionalidades e escolas, percussão, samplers, bandoneon e scratches não estamos apenas visitando a cultura sul- americana, mas a estamos escrevendo”, afirma Amanda Menezes, diretora de produção do Soy loco por ti America.

Moska, que também fará o papel de mestre de cerimônias, explica que a ideia de se fazer um projeto que reunisse artistas dos países da América do Sul e brasileiros surgiu logo após o término do Mercosul Musical. “Com a minha parceria com o Jorge Drexler fiz alguns shows na Argentina, Chile, Uruguai e Espanha. Chegamos a ter um público de quatro mil pessoas por show e com isso fiquei mais conhecido. Nessas minhas idas a esses países fui conhecendo o trabalho de outros artistas e quando a Tema Eventos me procurou para fazermos o Soy loco por ti America eu já tinhas os nomes dos músicos”, revela.

A cada apresentação um artista ou grupo estrangeiro e um artista nacional irão dividir o show. Haverá interação entre os músicos, que participarão nos shows uns dos outros. Em comum entre eles, o constante diálogo entre o contemporâneo e o regional, com sotaque da modernidade.

Para Paulinho Moska, o Soy loco por ti America busca suprir uma lacuna existente hoje. Mesmo com o mundo mais integrado e de fronteiras cada vez mais tênues, poucos sabemos dos nossos vizinhos continentais. “Nosso primeiro projeto deu muito certo e quatro anos depois estamos fazendo este, que é algo verdadeiro e original. O Brasil sempre olhou mais para os Estados Unidos e Europa. Nosso país é muito grande e autossuficiente, mas a América Latina se comunica inteira pela língua. Não podemos ignorar o que é produzido na América do Sul. Esse projeto também veio para afirmar um pouco da minha experiência nesses países em que estive e também pelo encanto que sinto por cada trabalho dos artistas convidados”, destaca.

De acordo com Amanda Menezes, um jovem brasileiro é capaz de conversar com um boliviano sobre bandas norte-americanas, mas não saberá coisa alguma da cena musical da Bolívia. E acrescenta: “Curiosamente, o intercâmbio cultural dos outros países da América Latina sempre foi grande e hoje é maior do que nunca, mas o Brasil se mantém à parte. Recentemente podemos notar que o público brasileiro recebeu muito bem a oferta maior de filmes argentinos ou mexicanos. Nenhum sinal de rejeição. Por que haveria de ser diferente com a música? Para preencher essa lacuna e estreitar os laços que nos unem aos nossos ‘hermanos’, criamos o Soy loco por ti America”.

Atrações – Para abrir a programação, Aterciopelados (aveludados) – grupo de rock colombiano – e Fernanda Takai sobem ao palco do Teatro do CCBB Brasília entre os dias 1 e 3 de julho. No fim de semana seguinte, de 8 a 10 de julho, é a vez da apresentação conjunta do cantor uruguaio Fernando

Cabrera com Pedro Luís. O argentino Lisandro Aristimuño e o brasileiro Marcelo Jeneci se apresentam de 15 a 17 de julho e para finalizar, Francisca Valenzuela - cantora e instrumentista chilena de pop rock – divide o palco com Ana Canãs, nos dias 22, 23 e 24 de julho. Os artistas serão acompanhados por uma banda de três músicos cariocas, comandada por Paulinho Moska, que será o apresentador.

O projeto será realizado simultaneamente com o CCBB São Paulo, sendo que as apresentações em Brasília ocorrerão durante todos os fins de semana do mês de julho e, em São Paulo, durante as terças-feiras. A produção é da Tema Eventos Culturais em parceria com Marcia Virgínia, empresária de Moska.

Fernando Cabrera e Pedro Luís
Dias 8,9 e 10 de julho

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Fernando Cabrera ya tiene el Iris

2011-07-02T07:38:00.000-07:00

Quienes hayan visto la transmisión televisiva tal vez recuerden su ausencia en la ceremonia de los Premios Iris. Fernando Cabrera estaba en La Habana durante una gira que celebraba la semana del Bicentenario.

Por eso el aclamado músico no estuvo en el Latu cuando El Piñe anunció que era el flamante ganador en la categoría disco del año por su último disco Canciones propias, editado en 2010 por el sello Ayuí. Él, en cambio, se enteró de la noticia a través de María Inés Obaldía quien también integraba la comitiva que representaba a nuestro país en Cuba.

Para hacerse del premio, Cabrera pasó por las oficinas del diario El País, donde recogió la estatuilla y agradeció calurosamente la distinción recibida.

Canciones Propias, un disco donde Cabrera reversiona temas de cantautores uruguayos de una forma original y personalísima, estaba nominado junto con los discos Canarios del grupo La hermana menor, Bailemos de Buitres, Aurora de Federico Lima y Por lo menos hoy de No te va gustar.

Garra charrua en la escena Cubana

2011-06-30T15:11:00.000-07:00

No se exagera si concluimos que las Jornadas de la Cultura Uruguaya marcaron un antes y un después en los vínculos del público cubano con la escena de ese país, dado que nunca antes los espectadores locales habían contado con la posibilidad de aproximarse «en vivo» a una buena parte de lo que acontece hoy en el ámbito artístico en la nación latinoamericana, gracias a una selección de creadores «charrúas» de primera línea que conquistaron distintos escenarios capitalinos.

Lo anterior lo confirmaron las actuaciones de la Murga Agarrate Catalina, ese gran laboratorio creativo capaz de asumir como propios los resortes del teatro, la música y la tradición oral, para poner en pie un discurso lleno de humor e ironía y con una veracidad tan elocuente como la vida misma; el recordado concierto Pebeta de mi barrio de la importante intérprete Malena Muyala; las presentaciones del Club de Tobi y el dúo Sol y Palma, entre muchas más.

Fueron grupos que hicieron patente la enorme vitalidad de la cultura uruguaya con un discurso artístico con el que manifiestan que tienen muy claro dónde están sus raíces y a partir de ahí bosquejan una obra que puede entenderse en cualquier parte del mundo.

Y otra prueba definitiva de ello resultó el reciente concierto del trovador Fernando Cabrera, que puso fin a estas jornadas en el patio del Museo Nacional de Bellas Artes.

Fernando Cabrera (Montevideo, 1956) es una de las estrellas de la constelación del cancionero popular uruguayo. Cuenta con una extensa obra que hace de nexo entre el pasado y el futuro de la música de su país y en la que aparecen auténticas gemas como los discos El tiempo está después y Bardo.

Sus canciones, en las que planea la mejor tradición de la trova latinoamericana, ostentan una calidad poética extraordinaria, plasmada en textos plenos de evocaciones, esperanzas, pasiones y desasosiegos que relatan de un modo personalísimo el día a día en su tierra natal. Son historias tejidas con una sensibilidad muy íntima que hacen las veces de espejo colectivo donde se pueden mirar lo mismo cualquier habitante del Uruguay que de otra parte del mundo, ya que este trovador parte de un profundo arraigo popular para levantar una obra que logra universalizar las emociones del ser humano.

Su debut en Cuba fue un ejemplo certero de todo lo anterior. Para ello preparó un repertorio que hizo un repaso de distintos momentos de su carrera, en un sugerente recorrido musical en el que tuvo tanta importancia lo que se dice como la forma en que se dice. Lo cierto es que solo con su voz y su guitarra como principio y fin de su discurso musical, supo delinear los contornos de distintas épocas de su país, de los sueños íntimos que han acompañado a varias generaciones de uruguayos y esos insondables sentimientos que hacen la vida más transitable.

Los viajantes, Viva la patria, La casa de al lado, Imposibles, Nunca te dije que te amo (tema acabado de salir del horno que aprovechó para estrenar en Cuba) fueron algunas de las canciones que ilustraron como un lienzo su vasto e intenso mundo interior. Tampoco faltaron, por supuesto, sus grandes clásicos como Viveza, La garra del corazón y El tiempo está después. De hecho estas piezas, entre muchas otras, se encargaron de confirmar que no por gusto es considerado un músico de culto en el panorama de la canción de autor uruguaya.

Dicen los que saben que su compatriota, el trovador Jorge Drexler, lo estuvo siguiendo a todos sus conciertos durante un buen tiempo para escucharlo en directo y apreciar la particular originalidad de su técnica guitarrística. No es para menos. Porque el hecho es que Fernando Cabrera imanta a todo el que lo escucha solo con el instrumento de las seis cuerdas y su inconfundible voz. Claro, y con un puñado de canciones libres, sinceras y creíbles que calan hondo en el alma humana. Y ya eso es suficiente. ¿No?

Michel Hernandez

Premios Graffitti 2011

2011-06-18T06:50:00.000-07:00

Se realizó una nueva entrega de los Premios Graffiti a lo mejor de la música nacional. Fernando Cabrera, con "Canciones propias", se llevó la distinción a Álbum del año para el jurado, mientras que en la votación popular se impuso No Te Va Gustar.

En la noche del viernes, en el Complejo Plaza, se entregaron los premios Graffitti a la música nacional. Este año el jurado distinguió el disco de Fernando Cabrera, "Canciones propias", como el mejor, mientras que No te va gustar se quedó con las máximas distinciones en la votación popular habilitada por Internet.

La canción "No siento dolor". Socio se llevó el premio al mejor tema del año según el jurado, que también distinguió a Mint & The Mentals como artista nuevo y a Larbanois - Carrero por su trayectoria, entre otros galardones.

La lista completa de ganadores:

MEJOR ÁLBUM DEL AÑO
"Canciones propias". Fernando Cabrera.

TEMA DEL AÑO
"No siento dolor". Socio.

MEJOR ÁLBUM DE ROCK
"Caos natural". La Triple Nelson.

MEJOR ÁLBUM DE MÚSICA POPULAR Y CANCIÓN URBANA
"Canciones propias". Fernando Cabrera.

MEJOR ÁLBUM DE ROCK ALTERNATIVO
"Canarios". La Hermana Menor.

MEJOR ÁLBUM DE TANGO
"Cimarrón". Cuarteto Ricacosa.

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MEJOR ÁLBUM DE FOLCLORE
"Historias". Larbanois� Carrero.

MEJOR ÁLBUM EN VIVO
"Otra vez rocanrol". Jaime Roos.

MEJOR ÁLBUM POP
"Aurora". Socio.

MEJOR ÁLBUM DE POP ALTERNATIVO
"Badaboom!". Mint Parker & The Mentals.

�

MEJOR ÁLBUM DE MÚSICA TROPICAL
"Alegría". Los Fatales.

MEJOR ÁLBUM DE FUNK SOUL
"Funk". El Gallinero.

MEJOR ÁLBUM DE HIP HOP / MÚSICA ELECTRÓNICA
"El poder del Beat". Beat Urbano.

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MEJOR ÁLBUM DE METAL Y HARD ROCK
"Crucifixión". Herrumbre.

�

MEJOR ÁLBUM DE JAZZ FUSIÓN
"Borderlaininjazz". Andrés Bedó.

�

MEJOR ÁLBUM DE MÚSICA INSTRUMENTAL
"Tobismo". El Club de Tobi.

MEJOR ÁLBUM DE REGGAE Y SKA
"Karma Man Kaya". Karma Man Kaya.

�

MEJOR ÁLBUM DE MÚSICA PARA NIÑOS
"Gato Peludo". Gato Peludo.

MEJOR ÁLBUM DE MÚSICA RELIGIOSA
"El movimiento". Cristo es la Respuesta.

MEJOR COMPOSITOR
Emiliano Brancciari por "Por lo menos hoy". No Te Va Gustar.

�

MEJOR PRODUCTOR
Max Capote por "Badabom!". Mint &The Mentals.

MEJOR ARTISTA NUEVO
Mint Parker & The Mentals.

MEJOR VIDEO CLIP
"Gigantes". Orgánica.

MEJOR DVD
"En concierto". Hugo Fattoruso.

MEJOR DISEÑO DE ARTE
"Canciones propias". Fernando Cabrera.

PREMIO TRAYECTORIA
Larbanois�Carrero.

VOTACIÓN POPULAR

MEJOR ÁLBUM DEL AÑO
"Por lo menos hoy". No Te Va Gustar.

TEMA DEL AÑO
"Cero a la izquierda" de No Te Va Gustar.

ARTISTA DEL AÑO
No Te Va Gustar.

Montevideo.com

Canciones propias.Mejor disco del año

2011-06-15T14:35:00.000-07:00

Fernando Cabrera se asoma por La Habana….

2011-06-06T16:03:00.001-07:00

Tras unas breves pero siempre sentidas palabras de Víctor Casaus, quien nos acercaba los últimos abrazos enviados, esta vez por vía e-mail desde Canadá nada menos que del compatriota Daniel Viglietti, cruzó las puertas de la siempre acogedora Sala Majadahonda uno de los juglares del continente que con más expectativas de encuentro esperábamos muchos cubanos amantes de la música, que habíamos conocido su obra, de la mano de esa gran amiga de Cuba, Liliana Herrero, desde sus históricos conciertos a principio de este año.

Pequeño pero inmenso, sin merodeo alguno o palabras de partida, con la seguridad de que pasaríamos una hermosa tarde-noche, hizo lo que mejor sabe; tocar la guitarra, cantar y transmitir emociones a tod@s l@s presentes.

La llegada a Cuba por vez primera del uruguayo Fernando Cabrera ya no nos toma de sorpresa a muchos, dado que no parece casual este fluir de vanguardias latinoamericanas en lo que va de año (recordemos las visitas de la citada Liliana Herrero o de Federico Pecchia recientemente ). El trabajo que desarrolla el Centro Cultural Pablo de la Torriente Brau, da medida del talento musical y creador no solo que se fragua en nuestra Isla, sino del que nos llega y acompaña desde latitudes diversas. Nos felicitamos por ello y felicitamos la labor del Centro Pablo.

El encuentro con el cantautor este viernes en el Centro Pablo estuvo acompañado por la presencia de varios amigos trovadores del patio, que como bienvenida “sortearon” sus canciones para motivar al dialogo artístico desde la creación y la canción de todos, en una improvisada pero hermosa descarga trovadoresca, que no paro hasta horas de la noche.

Hasta el casco histórico de la ciudad llegaron entre otros, Marta Campos, Liliana Héctor, Ariel Díaz, Silvio Alejandro, el Dúo Jade, Irina González, Rita del Prado y el Dúo Karma quienes dieron cuenta de su proyecto “La Guarandinga”. Pero quien se metió al bolsillo al público de la Sala fue el “prematuro” pero prometedor Oscar Sánchez, un instructor de arte perteneciente a la AHS (Asociación de Hermanos Saíz) que promete ser una de las revelacionesdentro del panorama de la música contemporánea en Cuba. Su tema “La Isla” re-piensa muchas aristas de nuestra sociedad sobre la base de un discurso critico y constructivo y con una agudeza y madurez artística sensacional.

Tarde de encuentros con ese grande del Sur del continente que ya nos anunciaba su concierto oficial, terminado hace apenas unas horas, en el Museo de Bellas Artes de la capital cubana este sábado.

desde Cuba-eltaburete.com

Canciones propias y su merecido Premio Iris

2011-06-04T06:54:00.000-07:00

CANCIONES PROPIAS

El ganador en la categoría Premio del año fue Fernando Cabrera con su último disco Canciones propias, editado por el sello Ayuí. Allí el músico reversiona, de una manera muy personal, 16 temas de cantautores uruguayos. Por el disco pasan: Dino, Estramín; Osiris Castillo, Aníbal Zampayo, El Sabalero y Mateo, entre otros.

A pesar de que cualquiera de los temas seleccionados están profundamente arraigados en la historia de la música nacional Cabrera a través de su voz y sus arreglos logra signar cada una de las composiciones convirtiéndolas simplemente en obras propias.

Con una trayectoria de más de 30 años, ya cimentado como un compositor de referencia éste disco lo ubica como un intérprete audaz y muy personal.

Lamentablemente el artista al momento de la entrega se encontraba de gira en Cuba en el marco de la semana de la cultura uruguaya que celebra el bicentenario de nuestro país. Esos motivos laborales impidieron que nos acompañara durante la celebración.

Fernando Cabrera en Cuba-

2011-06-03T07:17:00.001-07:00

Canciones propias en Argentina (Aqcua Records)

2011-05-24T09:13:00.000-07:00

Ya disponible por Aqcua Records la edicion Argentina de Canciones propias

FERNANDO CABRERA- Canciones propias
¿Saben lo que es un movimiento dylaniano? Según mi diccionario, es el giro elegante, lógico aunque inesperado, de un artista. Un golpe de timón que parece evadir las expectativas pero, sin embargo, llega para satisfacer hambres insospechadas. Bueno, Canciones propias es un ejemplo perfecto. Después de treinta años de trabajo sobre un repertorio propio, imbatible y secreto, Fernando Cabrera se transformó en un músico referencial para toda una generación. Una camada de cancionistas rioplatenses que asiste a sus conciertos con el fervor de una ceremonia y la atención de una verdadera master class. Pero aquí viene el movimiento: en el preciso instante en que parecía ascender al pedestal del compositor arquetípico, Cabrera edita su primer disco como intérprete. Un recorrido por la obra de los autores elementales para entender el cancionero uruguayo tal como lo conocemos. Desde la Banda Oriental mítica y profunda de Osiris Rodríguez Castillos hasta los talentos extraterrestres de tipos como Mateo y Darnauchans. Claro que hay un truco, y está latiendo en ese título prosaico: Canciones propias. Con una formación de guitarra, piano, bajo, batería, Cabrera pone en marcha una especie de rock de cámara. Un approach minimalista que, en algunos casos, reduce la canción al hueso. Otras veces se sube a la melodía por el costado y, en otras, define por omisión. Como si recorriera las costas de una canción para establecer su cartografía y, luego, ir hacia el centro. Así elude los primeros versos de la inmortal “Río de los pájaros”, buscando nuestra complicidad para completar la canción. Aquí vamos: "El Uruguay no es un río, es un cielo azul que viaja…”.
Martín E. Graziano

Fernando Cabrera en Cuba

2011-05-10T05:53:00.000-07:00

Uruguay festejará su bicentenario en Cuba con jornada cultural

La Habana, 9 may (PL) La cultura uruguaya tendrá aquí un papel protagónico, del próximo 28 de mayo al 4 de junio, en la primera jornada de su tipo en la isla, que festeja el bicentenario de esa nación suramericana.

En diálogo con la prensa, el embajador de Montevideo en Cuba, Ariel Bergamino, anunció que una delegación de más 20 artistas e intelectuales viajará a esta capital, encabezada por el ministro de Educación y Cultura, Ricardo Ehrlich, quien inaugurará la cita con una conferencia sobre la efemérides.

Durante siete días el público disfrutará de la cultura uruguaya de la música y el cine al teatro, las artes plásticas y la danza.

La Casa de las Américas será sede de sendos homenajes a dos grandes de la literatura de ese país, Juan Carlos Onetti y Mario Benedetti, quien permaneció ligado a esta institución durante varios años.

Al primero se le recordará en un panel sobre la novela policial latinoamericana, en el que intervendrán los uruguayos Fernando Butazzoni y Milton Fornaro, el uruguayo radicado en Cuba Daniel Chavarría y el cubano Leonardo Padura.

A Benedetti se rendirá tributo en una muestra fotográfica con dibujos de su autoría, manuscritos de sus poemas y materiales inéditos atesorados por Casa y expuestos por primera vez.

Entre las figuras debutantes en escenarios habaneros se encuentran el compositor Fernando Cabrera, la cantante Malena Muyala, el actor Cesar Troncoso, el cuarteto de cuerdas El club de Tobi, el dúo SoliPalma, y Zapatos andaluces, un espectáculo que conjuga canto, humor, magia y baile.

Conciertos, lecturas de poemas, talleres de actuación y descargas de jazz se sucederán durante las jornadas, que se extenderán a las calles del popular Paseo del Prado, en el centro histórico ciatadino, con un performance de tango.

Coincidiendo con el encuentro y como anticipo de este, la popular murga Agarrate Catalina, fundada en el 2000, subirá al capitalino teatro Mella.

Según expresaron los organizadores, la semana de la cultura uruguaya tiene como objetivo compartir con el público cubano la memoria, compromiso y esperanza de las expresiones jóvenes de la cultura de esa nación en el 200 aniversario de su independencia.

Fernando Cabrera en Doble discurso (primera parte)

2011-05-03T11:59:00.000-07:00

En diciembre de 2010 el músico uruguayo presentaba su nuevo disco "Canciones propias". Un álbum de canciones de otros artistas elogiado por propios y ajenos. Muy probablemente, el disco del año.
Gustavo Fernandez Insúa y Ernesto Muniz conversaron y escucharon las canciones en una entrevista con el músico, particularmente interesante. Seguidores de Cabrera y aficionados a la música en general sabrán disfrutar a Cabrera por Cabrera, sobre cada canción.

Fernando Cabrera nominado a los Premios Iris por CANCIONES PROPIAS (categoria disco)

2011-04-30T06:06:00.000-07:00

El público podrá votar a lo ternados

Continúan los preparativos rumbo a la 18va. entrega de los Premios Iris al espectáculo uruguayo. La votación del público, que contará como un jurado más a la hora de tomar la decisión, se abrirá el próximo 1ro. de mayo en el portal www.tvshow.com.uy/premiosiris. Estará habilitada durante tres semanas completas de modo que todos los usuarios puedan elegir a sus preferidos.

Mediante un sistema de restricción por número de IP, cada lector podrá votar una sola vez. Se puede votar en una, dos, tres... o en todas las 39 categorías que los Iris reservan para lo mejor de 2010 en Televisión, Radio, Música y Cine.

Los ganadores se conocerán el próximo 24 de mayo en la ceremonia en el Parque de Exposiciones del Latu y con transmisión de Canal 10. A dos semanas de la publicación de las nominaciones, diversos programas televisivos y de radio comentaron las candidaturas para los Premios Iris de ábado Show.

Los ciclos deportivos Punto penal (Canal 10 y quien ostenta el trono hasta ahora),La redonda (Teledoce) y Pasión (VTV) dedicaron unos minutos a agradecer una nueva nominación al galardón cuyo Ganador se conocerá en la ceremonia.

En radio, los programas de Sarandí Las cosas en su sitio y Viva la tarde, nominados a periodístico y revista respectivamente también se tomaron su tiempo para agradecer. Lo mismo hizo Julio Ríos, a través del programa de AM Libre, Las voces del fútbol, ter nado para el premio a programa deportivo en radio. También se hizo lo propio otro programa nominado: Último al arco (Sport 890) conducido por Martín Charquero, Mauro Más y equipo.

Disco

Por Lo Menos Hoy - No Te Va Gustar
Aurora - Socio
Canciones Propias - Fernando Cabrera
Canarios- La Hermana Menor
Bailemos - Buitres

www.tvshow.com.uy

Queremos tanto al Tartamudo!-29 de abril (Teatro de verano)

2011-04-24T13:17:00.000-07:00

Parece un súper toque, pero es una jornada de beneficencia. Ruben Rada, Fernando Cabrera, Buenos Muchachos, La triple Nelson, Hereford, Daniel Drexler, Diane de Noir, Rossana Taddei, Cursi, Dani López, Carmen Pi, Edu Lombardo, La Calenda Beat, Fernando Torrado, Mateo x 6, Popo Romano, Patricia Kramer y Maia Castro se juntan el 29 de abril en el Teatro de Verano para juntar fondos y rescatar a El Tartamudo.

Desde el 18 de diciembre el boliche-espacio cultural-escenario El Tartamudo está cerrado. Antes era un típico bar de gallegos. Hace tres años estaba abandonado y el bar de gallegos ya no funcionaba. Afuera se veían unas persianas de chapa y nadie conocía ni la mesada de mármol, ni la escalera que conduce a la cava. Entonces Jorge Schellemberg restauró el local y abrió El Tartamudo.

Las persianas se abrieron y el lugar se convirtió en un centro de espectáculos donde se priorizaba la música. La cava se convirtió en un pequeño teatro donde entraban cien personas y por la barra comenzaron a deslizarse deliciosas pizetas de cuatro quesos. El Tartamudo trató a los músicos con respeto y generosidad. Según su fundador aparte de buenos equipos y un lugar cómodo para despegar su arte ellos se llevaban el 80 % de las entradas de cada toque.

Y aunque El Tartamudo no tuvo suerte con su incursión veraniega en Punta del Diablo y quedó endeudado, los músicos supieron tener memoria. Tras enterarse del cierre del lugar comenzaron a ofrecerse y gestionaron esta iniciativa para recaudar fondos bajo la consigna: ¡Queremos tanto al tartamudo!

Localidades en venta en locales ABITAB de todo el país.

Fernando Cabrera en Chile- Ciclo de recitales “Maderas acústicas”

2011-04-14T17:10:00.000-07:00

Cinco interesantes nombres de la música Iberoamericana, cada una con premiadas carreras, darán vida a Maderas Acústicas 2011, el Primer Ciclo Internacional de Cantautores, que se desarrollará en el GAM con distintas fechas desde mayo a noviembre.

Esta nueva apuesta agrupa a artistas de diferentes países, quienes vienen a transmitir a través de sus creaciones el folklore y variadas tendencias musicales en una de las mejores salas de música de Santiago.

Recitales para no más de 300 personas reunirán a intérpretes como el Aca Seca Trío que llega desde Argentina a entregar potentes composiciones folklóricas, Fernando Cabrera de Uruguay, que viene a presentar parte de sus 14 discos, con composiciones cargadas de poesía y acordes melódicos que cautivan a los oyentes.

El brasilero Paulinho Moska, llega como un compositor maduro capaz de pasar desde el pop tradicional al típico sonido local en perfecto equilibrio. Ana Prada desde Uruguay trae su temática centrada en la naturaleza, el amor, la muerte y la pasión. Finalmente, Lisandro Aristimuño de Argentina, trasladará a los asistentes a diversos paisajes naturales con su música que mezcla elementos pop y electrónica.

Las fechas y precios de las entradas (a la venta en el Bar The Clinic) son las siguientes:

Ana Prada, martes 31 de mayo a las 20.00 horas
Aca Seca Trío, sábado 06 de agosto a las 20.00 horas
Fernando Cabrera, miércoles 31 de agosto a las 20.00 horas
Lisandro Aristimuño, miércoles 19 de octubre a las 20.00
Pauliño Moska // miércoles 02 de noviembre

Colonia tiene un público muy conocedor de mis trabajos y mis canciones’

2011-04-14T06:40:00.000-07:00

Fernando Cabrera acaba de terminar una serie de actuaciones de la zona sur de la República, cuya última presentación fue anoche en nuestra ciudad, luego de pasar con éxito por otras urbes como Durazno, Florida, Rocha, Canelones, Minas y anoche en el Centro Cultural Bastión del Carmen.

La sala Pedro Calderón de la Barca estaba a full, el público respondió a sus canciones con conocimiento de sus temas y terminó aplaudiendo de pie y pidiendo que interpretara más temas, aprovechando su visita gracias al patrocinio del MEC y la IMC.

-Esta noche ha tenido un público muy heterogéneo, ha respondido a su espectativa?
-Entre el escenario y la platea hay una distancia considerable y yo con las luces de sala no podía distinguir, debe ser por mis canciones que son experiencias propias de vida pero también mezcladas con cosas que uno ve, por ser testigo ya que cualquiera que se dedique a manifestarse de forma artística ya seas escultor, poeta o cineasta, bailarín, músico desarrollamos una capacidad importante de observación.

-¿Esa es una manera de descubrir propuestas nuevas?
-Es una manera de encontrar material y encontrar temas y tenemos la tarea de escribir o representar y tocar las cosas, los temas y las inquietudes muchas veces espirituales, más bien de sentimientos que la gran mayoría de la gente no tiene las herramientas o no tiene como hacerlo y esa es la tarea nuestra.

-¿Hay mucha experiencia de vida propia?
-Si claro, también escribo cosas para que el que está oyendo diga ah eso me paso a mi, porque de mi vida no lo es todo, no todo porque hay gente que interpreta que cada palabra, que todo lo que hago de principio al fin es autobiográfico pero no es así y repito hay de autobiografía y hay de observar a terceros, de lo que te contaron o de ver a algún amigo y es una cosa que te puede servir.

-Sus canciones hablan de temas cotidianos de la vida misma...
-A veces hay canciones que hablan de mi pero le agrego cosas que a mí no me pasaron y entre esas cosas armo un tercer personaje y ahí no soy ni enteramente yo ni enteramente otro, es un crecer inventado porque hay mucha invención también en mis temas.

-¿Nota que hay diferencias entre el público capitalino y el del interior?
-Yo no noto ninguna diferencia, es el mismo silencio, la misma concentración y en todos lados es el mismo cariño, no encuentro diferencias.Fernando Cabrera nació el 8 de diciembre de 1956 en Montevideo, es guitarrista, además cantante y compositor de música popular uruguayo que escribe poemas, enseña y produce música, ha participado en gran cantidad de espectáculos y grabaciones como solista, integrante de grupos, arreglador y autor.

VIDA Y OBRA

Nacido en el barrio Paso Molino de Montevideo, estudió música desde su infancia, comenzando con la guitarra a los seis años con la profesora Porrati de Marín, luego pasó por el Conservatorio Universitario en la carrera de Composición y Orquestación con Federico García Vigil, Graciela Paraskevaidis y Coriún Aharonián.

En sus comienzos artísticos hacia 1977, integró el trío MonTRESvideo junto a Gustavo ’’Pacho’’ Martínez y Daniel Magnone, con los que, tres años después, grabó un disco, en 1982, conformó el grupo Baldío junto a los músicos Andrés Recagno, Gustavo Etchenique y Andres Bedó, a los que se sumó, al año siguiente, Bernardo Aguerre para la grabación de su único disco.

En 1984, comenzó su carrera solista, la cual quedó registrada en el álbum ’El Viento en la Cara’ para el sello Ayuí / Tacuabé ese año y a partir de ese momento su producción ha sido ininterrumpida, registrando alrededor de quince trabajos musicales, entre los que se cuentan cinco discos de vinilo para distintos sellos y seis compactos para Ayuí / Tacuabé.

En 1985, participó del Festival de la Juventud en Moscú y, en 1986, realizó los arreglos del primer disco de Gustavo Nocetti, trabajó con Eduardo Mateo en 1987 y al año siguiente se trasladó a La Paz, Bolivia, donde fue arreglista de varios músicos. ◘
www.coloniaya.com

Maria Liz Picon

2011-04-09T08:00:00.000-07:00

Hace más de 10 años,ésta bailarina uruguaya le dió un giro a su vida.María Liz Picón decidió mudar sucreatividad al mundo de la pintura y poco después hizo lo mismo con su hogar, que trasladó a Tigre. De éste lado del charco, comenzó a tomar clases con el maestro Alejandro Parisi y armó un taller en su casa, donde comenzó a desarrollar su personal estilo expresionista.Aunque reconoce una larga lista de artistas que admira, María Liz indica que su obra tiene dos grandes fuentes de inspiración:los versos del músico Fernando Cabrera y algunos conceptos del psiquiatra Jacques Lacan. Y en ese entrecruzamiento de los conceptos psicoanalíticos y los ritmos de Montevideo, surge una obra de vivos colores, abstracta y que sostiene, sobre todo, ese recurrente concepto de búsqueda personal dentro del arte. "Muchos de los que han visto mi obra aseguran que en los colores y en la vida que tienen mis cuadros, se nota una impronta muy uruguaya, una presencia del país del que provengo y por el que ultimamente siento algo de nostalgia", admite. Claro que en Argentina ha logrado enlazar esa tradición rioplatense a la vida del barrio y así surgió la comparsa "Río de los pájaros pintados", que es el significado de la palabra Uruguay en guaraní."Casualmente todos los integrantes son de ésta zona; yo toco el tambor pianoademás de pintar todos los instrumentos que lleva el grupo en cada presentación", señala.En su artese mezcla también la experiencia de María Liz, tanto bailarinacomo pintora, en otros puntos del planeta.Es que antes de llegar a Tigre, vivió y se formó académicamente en talleres de artes visuales de Brasil y cursó la licenciatura en cultura física en Cuba. En lo que se refiere al estilo, su maestro, Parisi, la describe como una artista que "ha renunciado la representación para buscar en su mundo conceptual, pero que es tamizado, ablandado por fuerte poesía.
Malena Barrios

LLANTO DE MUJER óleo sobre tela 1mx1m

LÍO DE AMOR

te pido que atajes mi empuje mi anhelo, el día que tardes me matará el desconsuelo

Sobre la pintura de María.

María pinta y lo que pareciera ser una obviedad no lo es tanto. Elige buscar equivalentes sensibles a sus ideas en colores y formas rotundas.
Ha renunciado a la representación, para buscar en su mundo conceptual, pero que es tamizado, ablandado por fuerte poesía. Porque María tiene ideas –sinó no pintaría!- que ella se encarga de aclarar que son provenientes de los escritos de Lacan y y de las canciones de Fernando Cabrera, sin temor a que, a priori, puedan sonar extraños e irreconciliables. Es en ella en donde se concilian, aunados por su pintura expresionista, que si mal no recuerdo tenía entre sus postulados pintar un estado de ánimo. Es allí donde María encuentra su filiación pictórica, en el expresionismo más brutal, sobre todo en el que resurge en la década del ’80 del siglo pasado. Al fin y al cabo, siempre somos hijos de alguien afortunadamente.
Imágenes duras –precisamente fálicas-, versos de Cabrera enlazando a Lacan, así María se apoya en procesos conceptuales para generar procesos perceptivos. Discurso lógico que la artista se encarga de sumarle la irracionalidad, la falta de lógica, la aventura del arte. También profunda sensibilidad, de sobra.
María, artista, ha elegido como dije al principio de éstas modestas palabras, buscar. Para ella va entonces mi agradecimiento por su aventura.

“Aquí está mi alma, con su extraña insatisfacción,
como los dientes del lobo;
la narradora de naturaleza cruel e insumisa que nunca encuentra la palabra.”(Enrique Molina)
Alejandro Parisi.

YO QUERÍA SER COMO VOS óleo s tela 30x30

YO QUERÍA SER COMO VOS 2 óleo s tela 30x30

CANCION DE ESPINA...dormite espinita mía, dormite mi amor

recomendamos visitar su pagina http://marializpicon.blogspot.com/

Fernando Cabrera en Canelones

2011-04-06T12:04:00.000-07:00

Un repleto Teatro Politeama recibió cálidamente a Fernado Cabrera este viernes 1 de abril, donde el reconocido músico compositor presento “Primera vez”. Gira promovida por los Fondos Concursables para la Cultura del (M.EC), que permitió que el espectáculo fuera gratuito.

Repertorio de hora y media que comenzó con Críticas, María Elena, Desbordando barrios. Cine religión, Viva la patria, Diseño de interiores, La Garra del corazón, Puerta de los dos, La casa de al lado, Viveza, Imposibles, Una hermana muy hermosa, Al mismo tiempo, Dulzura distante, culminando con Agua.

“Me despido con una canción para mi muy importante, la quiero mucho por eso la dejo para el final, y para que se la lleven en la memoria, se llama Dulzura distante, hasta siempre“. Fernando Cabrera.

Recorrida del músico uruguayo por el interior del país, que comenzó en Durazno el viernes 18 de marzo-, pasando por Florida, Rocha, Canelones, Lavalleja, culminando en Colonia el próximo sábado 9.

Canelones ciudad

Los mejores años de nuestra vida

2011-04-04T12:25:00.000-07:00

UN MUSICO ELIGE SU CANCION FAVORITA: FERNANDO CABRERA Y “MATITA PERê”, DE ANTONIO CARLOS JôBIM

por Fernando Cabrera

Matita Perê” es una de mis canciones favoritas porque navega varios mares, reuniendo una cantidad de mis inquietudes musicales y letrísticas en una sola canción. Es una cosa parecida a lo que pasa con otra canción de la que soy fanático: “Yo soy la morsa”, de Los Beatles, en la que se juntan varios mundos.

Es el caso de “Matita”, una canción típicamente brasileña, que no podría ser de otro país, pero que a la vez dialoga con aspectos de otras músicas, no necesariamente populares: Jobim tenía una gran admiración por Villalobos, que queda reflejada acá. La canción tiene esa mezcla extraordinaria. Por un lado hay una clara pertenencia a la región de la que es originaria, hay un reflejo de ese mundo, de esa visión, de esa cultura. Pero a su vez tiene un enorme ímpetu de renovación, va agregando elementos, dialogando con el futuro, con músicos que vienen del área popular rítmica, pero también con elementos de la orquestación europea clásica. Es decir, va entablando un diálogo con ese mundo popular de forma muy efectiva, como pasaba también con Los Beatles y George Martin.

Lo que más me gusta de “Matita Perê” es que se trata de una especie de narración, es como un cuento más que como un poema, y eso es algo difícil de hacer. Además es una canción extensa con climas diferentes, con cambios de estructuras muy complejos; Jobim incursiona en atrevimientos formales distintos de los de la canción popular. Siempre me gustó esa gente que trabaja en una especie de puente entre distintas áreas.

Nunca tuve muy buena memoria, pero calculo que conocí esta canción a fines de la década de 1970. Creo que un amigo tenía el disco, que se llamaba, como la canción, Matita Perê, e incluía otra gran canción, “Aguas de marzo”, y que seguramente no estaba editado en Montevideo. En ese entonces yo ya era un seguidor de Jobim, un conocedor de su obra completa, y estaba atento, lo seguía desde mi infancia.

Cuando yo era chico, a los 5 o 6 años, a principios de los ’60, estaba muy de moda la bossa nova. Cuando digo “de moda” me refiero a que era, en serio, una cosa masiva, que se pasaba permanentemente en la televisión y la radio. Eran muy populares canciones como “Corcovado”, “Samba de una nota sola”, “Garota de Ipanema”, “Desafinado”; y eso era lo que les gustaba a mis padres y yo escuché mucho.

Yo desde los seis años ya estudiaba guitarra. Pero a pesar de mi temprana fascinación con esas canciones, no intentaba sacarlas; tuve que esperar varios años, hasta los 15, para entender un poco los acordes de Jobim y de Gilberto, que son acordes complejos que no forman parte de la tradición musical del Río de la Plata. Me llamaban la atención y mi oreja se daba cuenta de que ahí había acordes raros, pero yo no era capaz de reproducir en la guitarra. Yo estaba acostumbrado a usar acordes más sencillos; las llamadas tríadas, perfectos mayores y menores, que son los propios de la canción criolla de acá, del tango, del folklore y todo eso, mientras que la bossa nova era un mundo armónico complejísimo y muy renovador.

Eventualmente, a los 13 más o menos, un amigo que era un capo me enseñó a sacar algunos de estos acordes, y con los años fui lográndolo y empecé a tocar estas canciones para mí, para mis amigos en las reuniones, todo el tiempo; estaban incorporadas a mi repertorio junto con otras de Yupanqui, de Zitarrosa, de Los Beatles, de Nascimento; yo siempre canté un poco de todo.

Aquella era una época muy efervescente; todo despertaba mucha curiosidad y siempre había posibilidad de aprender de alguien que fuera mayor que vos, y siempre había alguien que podía prestarte esos discos que no se conseguían. Era una época de mucha riqueza en la música, como en el cine y la literatura. Fue lindo pertenecer a esa época siendo niño y adolescente; creo que me impregné de esa actitud artística, de búsqueda, de buscarles la vuelta a las cosas, de no repetir fórmulas; eso era lo que pasaba en todo el mundo en ese momento. Pasaba con Los Beatles, con Bob Dylan, con Frank Zappa, con todo Brasil, con Piazzolla, con Mercedes Sosa, que tenía una actitud modernísima, con el rock argentino, Spinetta y Almendra, y también en Uruguay, donde había cosas buenísimas: Rada, Mateo, Los Olimareños, Zitarrosa. Fueron años muy nutritivos y corría un entusiasmo único. Yo tenía una barra de amigos adolescentes, ellos estaban tan enfermos como yo por algunas cosas, éramos fanáticos de las mismas cosas, y entonces estábamos siempre con música: escuchando, hablando, viendo si atravesamos toda la ciudad para ir a ver un amigo que tenía un disco recién editado en el exterior, viendo cómo llegábamos a los festivales para colarnos. Recuerdo los recitales del Velódromo en el ’69, en el ’70, ’71, en los que se presentaban bandas en vivo y nosotros nos metíamos por las nuestras, y nos íbamos acercando, empujando a través de 2 mil personas hasta llegar al escenario y apoyar ahí mismo la pera y ver a los músicos desde abajo, al ladito y después esperarlos en la vereda para ver sus caras de cerca y los instrumentos. Y después, por supuesto, tratar de entrar a todo espectáculo en el que se pudiera tocar: en el liceo, en el colegio, en la parroquia, en un club a fin de año, en las navidades, en los cumpleaños, empezando a hacer todo eso que uno hace ya sin que siquiera te lo plantees, porque es la tendencia natural de su gusto.

Para mí, “Matita Perê” está en el centro de todo eso, de esa época, de esos recuerdos, de esos años en que la música era para nosotros el mejor alimento del mundo.

Pagina 12/Radar.

Poesía y música en estado puro

2011-03-30T15:19:00.000-07:00

Alto, morocho, de pelo largo. Se sentó en el escenario del salón principal del Centro Cultural de España en Buenos Aires (CCEBA) y avisó que leería tres poemas. En dos minutos, Damián Ríos, escritor y poeta entrerriano, hizo que la audiencia se emocione, se ría y aplauda. Luego, cuando apareció el músico y cantante uruguayo Fernando Cabrera y acompañó con su guitarra el tercer poema (un mail escrito por Ríos para sí mismo con el título de "Chamarra para un perrito"), el auditorio llegó al clímax. Fue el primer encuentro del año de los Martes de Poesía y Música, un ciclo que en 2010 contó con figuras entrañables como Diana Bellessi, Liliana Herrero –presente en el público- y Alberto Laiseca. Y que este año tiene en agenda a Richard Coleman y Daniel Durand para la próxima función.

"Me gusta pensar que soy una pelota cuesta abajo en una calle de tierra en una mañana fresca y clara./ Me cuesta pensar que soy un pensamiento", dijo Ríos, un poco trabado entre sus palabras, nervioso frente a las más de 100 personas que llenaron el coqueto auditorio subterráneo de la calle Florida. "La verdad es que admiro a Fernando y fue una linda noticia saber que él me había elegido. Nos conocimos recién", contó Ríos antes del recital. Efectivamente, músico y poeta se encontraron media hora antes del espectáculo y ensayaron como pudieron. La interacción se dio por afinidad de estilos e intenciones.

"El Word me parece demasiado serio. Por eso yo escribo mails y me los mando a mí mismo", aflojó Ríos, y largó con "Ay perrito seguidor/sos peludo y flaquito/merecés esta chamarra...". Cabrera acompañó y tarareó, mirando al público con picardía mientras el poeta recitaba: "El cantor uruguayo tomaba vino tinto y el pescador entrerriano tomaba vino blanco. Yo tomaba un poco de cada uno". La conjunción argentino-uruguaya trajo sonrisas. "El pescador era más bien humilde, tenía una sola canción, no tenía un discurso muy elaborado y se le trababa la lengua del pedo que tenía". Entonces llegaron las carcajadas por la irreverencia del poeta.

"Damián es de esa generación under o indie y de alguna manera se transformó en un referente. Fernando es un tipo que tiene muchos años de artista pero vive esta segunda época con un gran auge. El tiene esta madurez juvenil. Ambos son tipos sencillos, callados", explica el periodista Martín Pérez, coordinador artístico de los encuentros. Pérez se encarga de convocar a un cantante quien a su vez elige a un poeta. "Es una unión que se pretende inédita. El resultado, esperamos, nos dará una visión nueva sobre la obra de ambos. Esta vez pensamos en atrevernos a traer a alguien de afuera como Fernando. Yo nunca traté de guiarlos ni decirles lo que tienen que hacer. Esa forma de laburar ha dado grandes momentos como los de Fernando Noy y Leo García el año pasado. Una noche que fue mágica".

La magia siguió este último martes en el centro del CCEBA. Terminó Ríos y copó el escenario Cabrera. Reconocido por el público, el uruguayo hizo una selección de sus temas clásicos –los mismos que está presentado en gira ahora en Uruguay y que próximamente lo llevarán a Colombia, Ecuador y Perú- . Comenzó con "Al mismo tiempo" –"Le digo "chau" y se queda pensando, pues sabe que mi camino termina acá"- y enseguida arremetió con María Elena y estalló la emoción con Viva la Patria –recuerdos del hospital Canzani de Montevideo-. Su voz nasal sube, baja el ritmo, hipnotiza. El público –a esta hora también conformado por Ríos, que se sentó en un rincón - tarareó las canciones. "Se desafinó la guitarra. ¿Quién la tocó?", chicaneó Cabrera. Y siguió cantando. "Hay gente que quisiera tirarse al agua/sin que siquiera se le moje el pantalón". Llegó el cierre con "El tiempo está después" ("un día nos encontraremos en otro Carnaval"). No hubo bises (no es un concierto en sentido estricto). Sólo aplausos, saludos y apretones de mano. Poesía y música en estado puro.

Juan Carlos Anton
Fuente: http://www.revistaenie.clarin.com

Damian Rios y Fernando Cabrera (video)

2011-03-30T08:04:00.000-07:00

Martes de Poesía y Música; Fernando Cabrera y el poeta Damián Ríos.

(al principio tiene problemas de audio, luego funciona correctamente)

Martes 29 de marzo-Damian Rios y Fernando Cabrera

2011-03-25T08:48:00.001-07:00

Un músico elige a un poeta para compartir la velada, en una unión que se pretende inédita. El resultado, esperamos, nos dará una visión nueva sobre la obra de ambos.

n marzo de 2010, CCEBA lanzó los Martes de Poesía y Música. Heredero de los míticos Lunes de Poesía, y posteriormente de los Martes de Poesía que tuvieron lugar durante el 2009, este ciclo contó con la coordinación del periodista Martín Pérez y fue una de las actividades más exitosas del año. Por él pasaron una serie de reconocidos músicos y poetas, con un cierre de lujo: Liliana Herrero y Diana Bellessi. Este año inauguramos con la presencia de Fernando Cabrera y Damián Ríos.

El último martes de cada mes, un músico elige a un poeta con el que compartir la velada. Ambos de trayectoria reconocida, la unión se pretende en cambio inédita. La popularidad propia de la música urbana, así como la poesía que ésta encierra, es la clave del ciclo: es por esto que el músico elige al poeta. El resultado, esperamos, nos dará una visión nueva sobre la obra de ambos. La actividad tiene la forma de un recital acústico que incluye una lectura de poesía. Estas dos disciplinas que tal vez se rocen, pero que generalmente terminan transitando caminos diferentes, se unen aquí en igualdad de condiciones, propiciando un cruce entre palabras y música. Además, cada artista introduce al público de uno la figura del otro. Se pretende que durante el evento resultante, tanto el músico como el poeta recorran lo más relevante de sus trabajos, pero también que el cruce produzca algo nuevo para el disfrute de los presentes.

Damián Ríos (Concepción del Uruguay, Entre Ríos, 1969). Desde 1991 vive en la Ciudad de Buenos Aires. Es escritor y poeta. Ha publicado La pasión del novelista (1998); Habrá que poner la luz (1999); De costado (2000); Poemas perros (2001); El perro del poema (2005) y Como un zumbido (2008). Su prosa narrativa está reunida en Entrerrianos (2010). Ha sido traducido al alemán y parte de su obra aparece en diversas revistas, tanto en papel como en formato electrónico. En 2002 cofundó Interzona Editora, sello en el que se desempeñó como director editorial hasta 2006. Junto con Mariano Blatt, en 2007 fundó la empresa Recursos Editoriales, que actualmente codirige.

Vino, deleitó y prometió volver algún día (Cabrera en Florida)

2011-03-21T18:35:00.001-07:00

Florida (Uruguay), 21, Mar – A teatro lleno se presentó el pasado sábado el músico y compositor uruguayo Fernando Cabrera en la gira que por rincones del país está realizando en este 2011 a través de los Fondos Concursables para la Cultura que promueve el Ministerio de Educación y Cultura (MEC) de Uruguay.

Durante poco más de hora y media, el músico cautivó a los floridenses que se dieron cita para apreciar el talento y la calidad manifiesta en cada una de sus composiciones, muchas de las cuales le rinden tributo a los cosas sencillas y complejas que surgen de la interacción de dos o más personas.

Cabrera, que se había mostrado un poco temeroso para la respuesta que podría recibir del público floridense, tuvo palabras de agradecimiento al final del recital, no sólo por la convocatoria en sí, sino también “por la deferencia que han tenido decenas de floridenses que se me han acercado en este día tan especial”.

Acompañado de su guitarra, Cabrera transitó por su amplio repertorio en una carrera como solista que lleva ya más de 30 años, al margen de la comercialidad que muchos músicos persiguen y que él siempre ha desdeñado.

Esa forma de ser fiel a sí mismo, le ha valido el respeto de sus pares uruguayos y de un público que obtiene del músico una sensibilidad manifiesta en cada uno de sus temas, al margen claro está de lo estrictamente musical y literario.

La del sábado fue la primera presentación de Fernando Cabrera en la ciudad de Florida, más precisamente en el teatro 25 de Agosto, a donde prometió volver algún día.

www.diarioelheraldo.com.uy

Fernando Cabrera-"tour":Primera vez

2011-03-16T07:17:00.000-07:00

Entrevista en la Habitacion china (2da parte)

2011-03-10T14:10:00.000-08:00

Fernando Cabrera, Tranquicardia

2011-03-06T15:20:00.000-08:00

Auténtico embajador de la cultura charrúa, a poco de editar “Canciones Propias” (su más reciente disco en el que versiona 16 temas fundamentales de la canción uruguaya), Fernando Cabrera dialogó con América Late.

En general, las notas acerca de músicos u otros artistas conocidos arrancan subrayando los últimos logros, ya fueren nuevos discos, recitales o premios. Fernando Cabrera no se merece que empecemos así, resaltando nada del final, porque su carrera ha sido larga y pareja, y es un ícono de la música uruguaya desde que todos tenemos memoria. Él, paradójicamente, tiene problemas de memoria. “Me falta el hemisferio donde estaba la memoria, que perdí al igual que otros funcionamientos cerebrales. Habrás notado que tengo un hombro un poco caído. Creo que en mi casa tuvieron la idea de mandarme a estudiar guitarra cuando era niño, muy chico. La profesora me enseñaba canciones argentinas, ella era argentina”, recuerda, pese a su propia advertencia.

“Mi música recibe alguna influencia fuerte de alguna banda y algunos géneros internacionales. También -y no sabría cómo explicártelo ni explicármelo- es puramente uruguaya”, apunta Cabrera. Y aunque no lo explique, se entiende. Eso sí: para caer en la cuenta de lo que está diciendo el músico cuando dice “puramente uruguaya”, hay que tomarse un tiempo para escuchar sus canciones. Se desprende, entre los acordes y los versos de su El tiempo está después, por ejemplo, una esencia irreproducible por otros cerebros del mundo; intrasmisible a otras culturas distintas a la uruguaya.

En noviembre de 2010 la discográfica Ayuí editó su más reciente disco, Canciones Propias, en el cual Cabrera versiona 16 temas de autores fundamentales de la canción uruguaya. El año pasado participó también en la realización de la banda sonora de Jamás leí a Onetti, el documental de Pablo Dotta sobre el escritor uruguayo, y en otra banda sonora para una exposición de Óscar Larroca.

¿En qué te inspirás, en general, para transmitir cosas tan particulares de la esencia uruguaya?
Es imposible manejar la inspiración, llega y se va cuando ella quiere, como un ataque. Cuando llega, me deja una frase, un título, una idea vaga a desarrollar, una pequeña melodía que no alcanza para nada, y desaparece. Entonces tengo que ponerme a trabajar como loco para tratar de convertir aquello en algo aceptable. La inspiración ya voló de vuelta a la nada, donde jamás la puedo ubicar cuando yo quiero, cuando yo la preciso.

¿Vas a participar de alguna manera en el Carnaval? ¿Te interesa el Carnaval uruguayo?
No, no voy a participar de ninguna manera, aunque me tira mucho “El Gramillero”, uno de los tres personajes históricos de las comparsas de candombe. Se trata de un viejo tembleque, curandero, de barbas blancas, que lleva en un maletín de médico todo tipo de hierbas curativas; su baile es epiléptico. El carnaval uruguayo me interesa mucho y me enorgullece, puesto que es arte puro en manos del pueblo.

¿En qué otros lugares del mundo has trabajado o brindado recitales?
En Argentina, Brasil, Bolivia, Perú, Paraguay, México, Costa Rica, Bélgica, Andorra, Inglaterra, España, Francia y Rusia. Casualmente, todas calles de Montevideo.

¿Por qué los músicos uruguayos, teniendo el talento y la calidad que tienen, no son más conocidos afuera?
Porque somos muy friolentos. Yo además tengo tranquicardia. Pero guarda que algunos como el negro Rada o Jorge Drexler o Daniel Viglietti o el trío Fattoruso -y no sigo para no contradecir tu pregunta- son muy conocidos en muchas partes.

http://www.americalate.com

Proximos Shows

2011-03-02T07:24:00.000-08:00

PROXIMOS SHOWS:

sabado 5 de marzo:
FERNANDO CABRERA en Medio y Medio (Punta Ballena)
invitados: Ana Prada y Edu Pitufo Lombardo

jueves 10 de marzo:
FERNANDO CABRERA en Espacio Guambia
con Juan Pablo Chapital. (ULTIMA funcion)

viernes 18 de marzo:
FERNANDO CABRERA tour “Primera Vez”
Sala Lavalleja, DURAZNO

sabado 19 de marzo:
FERNANDO CABRERA tour “Primera Vez”
Sala 25 de Agosto, FLORIDA

sabado 26 de marzo:
FERNANDO CABRERA tour “Primera Vez”
Teatro 25 de Mayo, ROCHA

sabado 29 de marzo:
FERNANDO CABRERA en Buenos Aires
Martes de Poesia y Musica en el CCEBA

viernes 1 de abril:
FERNANDO CABRERA tour “Primera Vez”
Sala Politeama, CANELONES

sabado 2 de abril:
FERNANDO CABRERA tour “Primera Vez”
Teatro Lavalleja, MINAS

sabado 9 de abril:
FERNANDO CABRERA tour “Primera Vez”
Bastion del Carmen, COLONIA

F Cabrera en los festejos del Bicentenario.

2011-02-22T05:55:00.000-08:00

Bicentenario en Soriano
Festejos en la rambla de Mercedes

Aldo Roque Difilippo | MERCEDES

Dieron a conocer el cronograma de actividades que se desarrollarán en Soriano en el inicio de los festejos del año del Bicentenario de la Revolución Oriental. Por estos días la rambla de Mercedes viene siendo acondicionada para tal fin, en virtud de que allí se desarrollará el desfile oficial, pero también a lo largo de ella se desarrollará una serie de espectáculos musicales y artísticos. La actividad comenzará el viernes 25 con la marcha "Grito de Asencio" que unirá Playa de la Agraciada con la ciudad de Dolores. En esa ciudad se realizará un espectáculo musical a cargo de Jorge del Pino, la Troupe Lolita y Jorge Nasser. El sábado 26 la columna gaucha unirá Dolores con Villa Soriano, donde en horas de la noche se realizará un festival criollo que contará como figura destacada con la actuación de Numa Moraes. El domingo 27 los marchantes llegarán al parque "Admirable Alarma" en el paraje Asencio, donde se produjo el primer grito de libertad de los patriotas, en 1811.

En la rambla de Mercedes se ofrecerán diferentes espectáculos, instalándose plazas gastronómicas, muestras culturales y artesanales. Además de actividades recreativas, y acrobacias aéreas. En diferentes puntos de la rambla actuarán grupos de danzas, candombe y ballet folclórico, junto con las bandas del Ejército Nacional, demostraciones ecuestres, trabajo con perros de guerra a cargo del Ejército Nacional.

En el escenario principal se desarrollarán espectáculos musicales que irán desde la música tropical, murgas y folcklore. Actuará también el Ballet Nacional del Sodre, el dúo LarbanoisCarrero, cerrando Jaime Roos. En la misma rambla, pero en Plaza del Encuentro, se montará otro espectáculo donde actuarán Laura Chinelli, Franny Glass, Dino, Fernando Cabrera y Martín Buscaglia. En el otro extremo, en Manzana 20, actuarán la Orquesta Municipal Mercedes, Fatales para Niños, el cuarteto Ricacosa y Ana Prada.

Fernando Cabrera esencial.....

2011-02-20T07:51:00.000-08:00

Fernando Cabrera en "Canciones de cuna"

2011-02-18T10:02:00.000-08:00

Ricardo Mollo, Luis Alberto Spinetta, Fito Páez, Pedro Aznar, Germán Daffunchio, Fernando Cabrera, Hilda Lizarazu, Gonzalo Aloras, Lisandro Aristimuño, Litto Nebbia, Damien Rice, Vítor Ramil, Luka Bloom, Kevin Johansen, Miguel Cantilo y Hugo Fattoruso forman parte del disco ¨Canciones de cuna¨, un trabajo cuyo objetivo es ayudar a menores en riesgo social.

La Casa de la Cultura de la calle es una ONG que tiene por objetivo generar un espacio creativo destinado a niños, niñas y adolescentHugo Fattorusoes en riesgo. Más de 400 chicos de hogares, de Institutos de Menores, escuelas y chicos en situación de calle participan de estos talleres. Esta institución comprobó que trabajar desde el arte abre enormes posibilidades de transformación.

El objetivo de este proyecto es que los chicos encuentren en la música un lugar de expresión y de producción. Todas las letras de este CD fueron escritas por chicos de 7 a 21 años. Se trabajó con más de 150 menores para que desde cada taller (teatro, música, artes plásticas y artes visuales) los chicos escriban, textos, canciones, ideas, relatos relacionados a los sueños, a lo que alguna vez les cantaron, a lo que a ellos les gustaría cantarles a sus hijos.

A los músicos que participaron de este proyecto les propusieron que con estas letras compongan e interpreten una canción pensando en cómo les cantarían esa letra a sus hijos. Algo simple, pequeño, una canción de cuna.

Pequeño Ser (Fernando Cabrera)

Pequeño ser incorporaste amor
En un mundo de máxima tristeza y dolor
Eres una pequeña luciérnaga
Que ilumina y transforma mi realidad.

Llenas mis rincones más oscuros
Con la satisfacción de saber
Que eres la razón de mi vida

Sentido táctil de tu piel
Como suave terciopelo
Mares de sonrisas y hermosos gestos

Tus berrinches me preocupan
Pero me dicen que estas creciendo
Me enamoro cada día más
Del pequeño ser que está naciendo

Claudio Mizraji Molina (19 años)

para comprar el disco:
http://cancionesdecunaccc.blogspot.com/p/donde-comprar-el-disco.html

Canciones Propias.

2011-02-16T20:50:00.000-08:00

En el momento exacto en que el ámbito de la canción popular enfoca a Fernando Cabrera y sus composiciones se proyectan como un faro hacia ambas bandas del Río de la Plata, el autor de "El tiempo está después" da un paso al costado y, sin encandilarse, se corre del seguidor. En Canciones propias, Cabrera concreta un viejo anhelo: en su primer disco como intérprete, rinde tributo a los autores uruguayos que acompañaron su formación musical en los 60 y 70. (Son pocas las canciones que escapan a ese registro.) Es una aproximación de intención jazzística, raíz folclórica y una contundencia casi punk (muchos de los temas no llegan a los tres minutos, suficiente para plasmar su relectura del original). Herman Klang (teclas) se suma definitivamente a la banda (Fede Righi en bajo, Ricardo Gómez en batería) y brillan sus pinceladas a lo Thelonious Monk en "Botija de mi país". Y Laura Canoura, única voz invitada, aporta en los "Vientos del sur", un clásico de Dino. Están los autores consagrados y legitimados (Zitarrosa, Viglietti, Rada, Estramín) y están los otros, ocultos, olvidados y a veces menospreciados, como Osiris Rodríguez Castillos, Aníbal Sampayo y Anselmo Grau, entre otros. Canciones propias ostenta, también, un sentido didáctico: un cancionero posible (podría ser el primer volumen de un Real Book del Uruguay), que se complementa con valiosas biografías de los compositores según Rubén Olivera.

Humphrey Inzillo - (Revista Rolling Stone)

Versiones propias

2011-02-05T09:29:00.000-08:00

Hace 35 años que su música cosecha adeptos. Fernando Cabrera se sube al escenario los jueves de febrero en Guambia y se versiona a sí mismo.

Por: Ximena Aleman

Cabrera está viejo. Las canas se asoman en las cejas tupidas. Y él, que sigue flaco y chiquito, mira el tiempo. En la bisagra del presente, donde vive, faltan amigos y sobran canciones. El tiempo está después… pero ahora también está antes.

Hay canciones viejas, canciones nuevas, canciones reversionadas y canciones apropiadas. El espectáculo que brindará todos los jueves de febrero en Espacio Guambia promete atestiguar los placeres de la edad que él no menciona: la trayectoria y el prestigio de los años.

-¿Qué vas a hacer en Espacio Guambia?

-Voy a hacer cosas raras. No es el disco que acabo de sacar, es otro repertorio de canciones mías, que no hago desde hace años, de un período más eléctrico. No quiere decir un regreso a las estética de los ´80. No quiero volver a sonar como en esos discos. Se trata de recuperar algo que yo dejé de hacer, que tiene que ver con la sonoridad: el dúo de las guitarras eléctricas. Dejar el perfil jazzístico acústico que yo había tenido en los últimos años y recuperar el diálogo de la dos guitarras eléctricas haciendo lo suyo. Voy a hacer canciones que hace mucho que no hago porque eran rockeras o precisaban esa atmósfera a la que ahora quiero volver. Canciones que el público me pide y que yo hace 15 años no hago. Canciones de Autoblues, de Buzos Azules y de El tiempo está después.

-¿Esas canciones las vas a tocar como las tocabas antes?

-No, por algo pasan los años, yo ya cambié también. No soy el mismo, pero va a haber una energía eléctrica que en los últimos años no empleaba. Estaba en un rollo más acústico, en otra dinámica. Ahora quiero volver a tocar con esa fuerza y recuperar temas de ese período. Y también vamos a hacer muchos estrenos de temas completamente nuevos que nunca se editaron. Tengo mucho material atrasado, canciones nuevas. Mi último disco original, Bardo, es del 2006 y todos estos años se me acumularon pila de canciones porque afortunadamente sigo escribiendo. Me da vergüenza, porque van a decir que estoy mintiendo, pero son como 100 o 120 canciones. Algunas las voy a meter en Espacio Guambia y van a ir para mi próximo disco que calculo que va a ser por lo menos doble. Todo con una sonoridad distinta. Estoy muy entusiasmado.

-¿Vas a hacer con tus canciones lo que hiciste con las canciones de otros en tu último disco, Canciones propias?

-Sí, eso mismo. Es natural, en mí y en todo músico. No me propongo hacer un arreglo diferente, pero yo soy otro, toco distinto, pienso distinto. Pasaron 15 años... Mi cabeza arreglística es otra. Entonces no hace falta que cuando agarre una canción me proponga cambiarla, algo naturalmente le voy a cambiar. No es una propuesta racional. Igual que este disco mío. No es que me propuse rescatar y todo ese rollo arqueológico… No, son canciones que a mí me encantan, que me las puse a cantar. Y chau.

-¿Cuál es la función de un arreglo en la canción?

-Con el tiempo se ha modificado la razón de ser del arreglo. Hasta hace unas pocas décadas existía un oficio que era el de arreglador, que funcionaba en todo el mundo, en todos los géneros musicales. El arreglador orquestaba. Inventaba todo lo que se escuchaba atrás del cantante y escribía todas las partituras. Ese oficio me encantó desde niño, y en mi juventud quise ser eso. Ni me imaginaba que iba a ser cantautor. Tenés que dominar la orquestación porque cada instrumento se escribe diferente, es un mundo misterioso de vientos y maderas. Todo es una cosa muy engorrosa que hay que estudiar. Aparte te exige tener una linda ductilidad porque cada cantante que requiere tus servicios es un mundo distinto. No es lo mismo hacerle arreglos a Mercedes Sosa, que a Alejandro Lerner. En los últimos años ese oficio dejó de existir, es como la ballena azul o el oso panda: una especie en peligro de extinción. En la actualidad, todo el mundo tiene una banda, ensaya en su garaje, arma todo en la computadora y presentan el producto terminado en la discográfica. Hoy el rock y el pop se manejan de otra forma. Es más autoservice… no sé si eso es bueno o malo: es. Nirvana no llevaba un arreglador. Pero antes Frank Sinatra precisaba un arreglador, Gardel también y cualquiera. Hasta los Beatles tenían a George Martin que era increíblemente original al momento de trasladar pequeños conjuntitos de música instrumental al universo del rock. En las canciones de los Beatles los arreglos nunca se repiten. Yo arreglo mis discos, y en ellos hay un mundo orquestal que aparece. Pero cada vez se requiere menos de esa función. La mezcla esa del mundo académico con el mundo popular hoy en día se ve poco.

-¿Qué te gusta de hacerle los arreglos a una canción?

-El arreglo tiene la emoción. Está el esqueleto, que es la canción, que es la estructura y las vigas, los arreglos son la fachada, las ventanas, los ascensores. No es un mero decorado, porque el arreglo también va por dentro, es esencial, pesa en el espinazo, en la columna vertebral de la canción.

-¿Cómo se da la incorporación de arreglos nuevos a un tema que ya existe?

-La llegada a la versión nueva de un tema se da por más de un canal: puede ser que yo tenga una idea previa rítmica, o una sucesión de acordes que me gusta mucho y encuentro una canción que ya existe que me permite encajar eso. La elijo porque me permite meter esa secuencia que tengo en la cabeza desde hace tiempo y justo calza ahí. Otras veces elijo porque son canciones que amo, que adoro, que me parecen maravillosas y que me emocionan. El disco Canciones Propias lo empecé con una canción de Zitarrosa hace 15 años, después hice la de Anselmo Grau y cuando se juntaron diez o doce temas se me ocurrió que era como para un disco y agregué otras que hice en los últimos tiempos. La de Estramín hace años que la hago. Yo tenía una bajada que pensé que quedaría bien en Morir en la capital, aparte de que me gustaba la idea de tener la presencia de Pablo en el disco.

-¿Qué tiene que tener una canción para que sea buena?

-Es un misterio si lo supiera haría muchas buenas canciones.

-Y El tiempo está después…

-Esa me quedó bien... tuve suerte.

-¿Cómo ha cambiado tu relación con la canción?

-No ha cambiado la actitud espiritual, el coloque. Lo que ha cambiado, es algo de orden biológico. No es lo mismo tener 22 años que tener 54, ni física, ni mentalmente. Y la juventud tiene el arrojo, la confianza en sí mismo, el querer demostrar. Eso implica coraje, atrevimiento, que luego a los 50 años no lo tenés. No porque lo hayas perdido sino porque ya pasaste esa etapa y te volvés más cerebral. También tenés algo que es la experiencia, el aprendizaje. Ahora, el enfoque sicológico frente a una nueva canción, la actitud no ha cambiado. Es la misma magia, la misma maravilla, la misma emoción. No puede haber nada más lindo. Afortunadamente mi vida, mi infancia pudo entrar a ese mundo mágico y no me pidas que te lo explique… no hay palabras.

-¿Hay una voluntad de poner en el tapete músicos que no se recuerdan?

-Sí, si no existen hoy en día, como Anibal Troilo, Francisco Canaro. Estamos en una época de la humanidad donde nada existe antes de que yo nací. Una triste realidad del mundo de hoy: la gente anula el pasado. Siempre hubo parricidio, es fundamental, es una etapa sicológica que uno debe cumplir. Pero este tipo de parricidio se está pasado de rosca, es salvaje. El tema tiene que ver con el capitalismo, con el consumismo, con la publicidad, y con eso de que se descubrió que los jóvenes son la franja que más consume y ahora se inventó que la juventud es algo especial en la vida y los jóvenes se lo creyeron. No es especial ser joven, todo es especial. Pero nos tragamos la pastilla de la aliada principal del capitalismo, que es la publicidad, y lo joven está privilegiado. El joven se creyó perversamente que lo que no es joven no sirve. En mi juventud no era así. Dialogábamos de igual a igual con el pasado, no había discriminación. No era que porque es viejo, es malo. Yo escuchaba lo del pasado a la par de lo Beatles y Hendrix, Dylan y Rolling Stones, pero escuchaba Beethoven y folklore porque la música es música. Ahora no. Pero es la humanidad entera. Ojalá cambie.

-¿Qué dicen ellos que vos con tus letras no digas?

-Esto, que yo nunca en mi vida logré, ni lo lograré, y admiro tanto: simple y hondo. Pero llano, con lenguaje llano, no poético. Un lenguaje que entiende hasta el más ignorante: simple y hondo. Está bien lo poético. Pero la canción popular tiene que ser directa, que la entienda todo el mundo, el que fue a Facultad de Humanidades y el que no terminó primero de escuela, si no, no es canción popular. Yo no entro mucho en esa… trato de entrar… pero envidio a estos tipos que tienen esa magia que le gusta a todo el mundo y lo que dicen es profundo.

-Hace un tiempo tocabas con Darnauchans o Mateo y ahora te invita No te va a gustar y Franny Glass, ¿cómo vivís el cambio generacional?

-Soy el hombre invitado. Lo vivo como un gran privilegio. No es normal. La razón no sé cual será, será que ven en mi un posible diálogo, o que no me ven viejo. Porque en realidad yo ya soy viejo para un joven. Tengo 54. Para alguien de 18 soy viejo... no hay códigos posibles. Sin embargo, yo me estoy beneficiando con este misterioso privilegio que mis colegas me dan. Verán en mi música un rastro de juventud o intemporal que a mi me hace feliz. No le pasa a todos los de mi edad esto.

Cabrera “fluye” a dos guitarras

2011-02-04T05:12:00.000-08:00

Durante febrero, Fernando Cabrera propone un ciclo con canciones viejas y nuevas, ejecutadas a dos guitarras. Una oportunidad para encontrarse con su primera época y con la actual, que lo encuentra "feliz" y "agradecido".

Por: Mauricio Erramuspe

Fernando Cabrera

En un café de Ciudad Vieja, Fernando Cabrera disfruta un expreso helado. Hace poco que descubrió esa manera de tomar café y la recomienda entusiasmado. Y entusiasmado está con varios proyectos que tiene entre manos.

Tras casi una hora de charla, quiere seguir contando cosas. Es que además del ciclo de conciertos en el Espacio Guambia todos los jueves de febrero, que fue el motivo inicial de la entrevista, el músico prepara otro toque en Medio y medio de Punta del Este, un espectáculo sobre el bicentenario con Washington Carrasco y Cristina Fernández y acaba de terminar la ambientación sonora de una exposición del dibujante Oscar Larroca.

Pasó los 50 y dice que al contrario de lo que le sucede a mucha gente, cada vez tiene más actividad. “Por suerte para mí, en una cosa tan difícil como la música, hay cada vez más interés sobre mi persona, más trabajos”, afirma.

“Estoy muy contento, muy contento”, repite varias veces durante la charla. Y lejos de lo que puede suponer el cliché, además de felicidad, tiene muchas ganas de componer. Y tiene tanto encaminado que si se concentrara durante dos semanas podría terminar cien temas.

En los primeros días del año lo hizo. Se encerró unos días y terminó cinco. Y los va a estrenar en los toques del Espacio Guambia. Esas canciones, junto a otras que hace 15 o 20 años que no toca en vivo, componen una propuesta que, a dos guitarras, lo reencuentra con sus comienzos. El acompañante es Juan Pablo Chapital.

En esa relación de dos guitarras está un poco el origen de la música popular rioplantense.

Claro que sí. El instrumento es el mismo, eléctrico o no. El diálogo de las guitarras es una cosa hermosa.

¿Cuál es la diferencia? ¿Qué es lo que te seduce de eso?

No sé. No es lo mismo tocar con un pianista, con un grupo de viento… No sé, será que es mi instrumento y que está la impronta de los originales que siempre nos marcaron como los Beatles o los Rolling Stones. Dos guitarras que no están montadas ni entorpeciéndose. Al contrario, están jugando, dialogando. Una hace lo que la otra no y así se va armando una arquitectura musical muy linda.

Vas a tocar temas de la primera hora. Es una oportunidad para la gente que te sigue desde siempre.

Sí. Siempre me piden estos temas y yo no los toco. Temas de mis discos “Autoblues”, “Buzos azules”, “Río”.

Tu último disco, “Canciones propias”, ha tenido muy buena venta y los conciertos han sido a sala llena. ¿Cómo hace un músico para mantener esa convocatoria a lo largo del tiempo?

Primero puedo tomar un rumbo más mecánico para la respuesta: siempre me renuevo, nunca un recital mío se repite, mis discos son distintos entre sí. He mantenido una actitud, a lo largo de toda mi vida, desde que empecé, hace cerca de 35 años, de renovarme, de no repetirme, incluso dentro de un mismo disco hay canciones que son diferentes. Eso es lo que el público que me sigue espera de mí, se acostumbró a eso y por eso mantiene la curiosidad. No se encuentra con un artista que se repite.

Pero esa es una respuesta como de la parte de afuera de la cosa. Puede haber alguna otra razón, que tenga que ver más con el mundo de las emociones o de la comunicación más profunda que yo creo que también se da y me resulta muy difícil de explicarlo con palabras. Está presente, la siento. Hay una comunicación muy profunda entre el público que me sigue y yo. Sobre todo en los últimos años, eso se ha fortalecido y profundizado. Creo que va más por el lado de las emociones que provocan las canciones que por el hecho de que yo me renueve o no, de que tenga una actitud más arriesgada o experimental. Todo eso es lo que soy, es cierto. Pero creo que hay algo más que es del orden emotivo.

Mis canciones provocan algo en aquellos a los que les gusto. Es algo de lo que me siento muy feliz. También hay otros a los que no les gusto.

Sin embargo creo que hay pocos artistas en Uruguay que generen tanta unanimidad como vos.

Me estoy enterando…

La crítica es unánimemente favorable. Tus colegas también te citan siempre entre sus referentes. El público compra tus discos y va a tus conciertos…

Eso me hace muy feliz.

¿Vos cómo vivís eso? ¿Te das cuenta?

Sí, me doy cuenta. También empezó a suceder en Argentina lo cual aumenta mi satisfacción, mi felicidad. Ese respeto que decís vos pasa allá también.

Hay cosas que uno hace y hay cosas que uno recibe, que le pasan por suerte, porque el destino lo determinó. Yo hago algo, me entrego, me he dedicado con suma seriedad a esta profesión, primero de forma más inconciente, desde los seis años. Desde los 15 o 16, de forma más conciente y ya más estructurada. Lo he hecho con el máximo nivel de entrega que vos te puedas imaginar de un ser humano hacia una profesión o una actividad. Es enamoramiento que ya no pasa ni por el análisis, es como caminar, como respirar.

Después hay que decir también, porque no hay que tentarse con que uno es el autor de todo lo que le sucede, que a veces incide la suerte o cómo se entrecruzan las casualidades u otras personas que operan en la vida de uno. A todos nos pasa.

Yo no pedí para estudiar guitarra de chico, me mandaron. Ahí hay un azar que manejó mi vida. Quizás no hubiera sido músico si a mi madre no se le hubiera antojado mandarme a una profesora nueva que había aparecido en el barrio. Me compró el instrumento, me llevó a los exámenes, me compró el libro de solfeo, hizo toda una movida que no nació de mí. ¿No hay allí un arranque azaroso? Después la vida… amigos, recomendaciones, uno que te empuja, aquel que te abre la puerta. De a poquito vas creciendo, no es uno solo.

Yo por eso siempre trato de manifestar un agradecimiento general a la sociedad uruguaya que me ha permitido todo esto, disponer de ejemplos donde mirarme. Porque acá en Uruguay, la música uruguaya es una escuela… Yo nací en este país y en ese momento y disfruté de carreteras que ya estaban hechas por otros antes que yo. Ellos se encontraron con un vacío absoluto y fabricaron esos caminos. Es la generación que homenajeo en mi último disco: Sampayo, Osiris, Zitarrosa… Antes no había nada. Así como aprendí de los Beatles, aprendí de Los Olimareños.

Soy agradecido. Yo puse mucho pero también la sociedad, el entorno, las circunstancias me regalaron un montón de facilidades. Ir a un conservatorio que es gratuito como sigue siendo la Escuela Universitaria de Música, con excelente profesores, haber conocido a este, a este… Las dos cosas, lo que uno pone y lo que la suerte, el destino, te regala.

Vos hablabas de Sampayo, Zitarrosa…

Mateo, Rada, Jaime…

¿Qué creés que pasó en Uruguay? Es un país con mucha identidad en lo musical.

No sólo en lo musical, pensá en la plástica, en el teatro, en los poetas… Uruguay es un país artístico. Y en la música ni hablar, la canción popular es una maravilla.

Además de músico son un estudioso de la música. ¿Qué factores pueden haber incidido en eso?

Yo creo que es fruto, me puedo equivocar de aquí a Pando, de la extensísima clase media que Uruguay tuvo a lo largo del siglo XX. Eso permitió que toda familia pudiera mandar al nene a estudiar, le pudiera comprar un instrumento, tuviera una biblioteca, pudiera ir al cine. Si vos tenés una familia donde todos pueden morfar y están más o menos cómodos, hay un acceso más directo a la cultura y a la información.

En este espectáculo vas a tocar canciones viejas pero también varios estrenos, incluso temas que terminaste de componer este año. O sea, hace unos días…

La primera semana de enero.

¿Eso es común en vos?

No, al contrario. Hacía dos años que no componía, enloquecido con esto de cómo se ha multiplicado mi actividad, mis compromisos, la falta de tiempo… No es que uno diga “tengo dos horas hoy de tarde, me pongo a componer”. Hay un proceso. Muchas veces, en las últimas décadas, me iba unos 10 días a un lugar aislado, alquilaba una casita, me instalaba en un hotelito, me llevaba mi grabador, mis papeles, y laburaba. Así me volvía con las canciones terminadas.

Ya hace dos o tres años que ni eso puedo hacer. Se me acumulan ideas, tengo millones de bocetos, mini disc, casetes, letras… Si yo le pongo un poco de laburo, si pongo concentración, en dos semanas termino cien temas. Uno está en un 70%, el otro en un 80%... No tengo tiempo.

Ahora me encerré una semana en enero a hacer eso y terminé cinco canciones que estaban en mi cabeza hace años. Ahora las terminé. Yo tengo una necesidad, un impulso de estrenarlas porque hace tiempo que no hago canciones nuevas. Y las voy a meter. Pero tengo cien más esperando.

Por lo que contás, la composición o las ideas son permanentes. No podés dejar de hacerlo.

Es la actividad que más felicidad me da en la vida. En segundo lugar está tocar en vivo. Entonces… ¿dejar lo que a uno más le gusta? Masoquista no soy.

Disfrutás de tocar en vivo… Tenía la idea de que eras una persona muy tímida.

Fui muy tímido. Fui dejando de serlo. Hubo una transformación en mí, de las timideces del principio y de mi actitud en escena, era una estaca, no me movía ni hablaba, me he ido aflojando con los años. Disfruto mucho más, me siento más relajado, la música sale mejor, me animo a hablar un poquito. Ahora me subo al escenario y es como entrar en el living de mi casa. Me siento cómodo y no me importa si hay diez mil personas o dos, si es un teatro o un estadio. Eso ya no lo veo. Lo único que veo es el micrófono, el atril, los instrumentos, los compañeros y ya entro en un mundo mágico donde pareciera ser que todo fluye. Eso me empezó a pasar desde hace unos años a esta parte. Antes era mucho más estresante, ahora ya no lo es. Es estresante todo lo otro, menos esa hora y media cada tanto…

"Voy a desempolvar viejas canciones" (Cabrera en E Guambia)

2011-01-29T06:57:00.000-08:00

El próximo jueves iniciará un ciclo en Espacio Guambia junto a Juan Pablo Chapital. Una experiencia, contó, que le permitió reencontrarse con uno de sus mayores placeres musicales: tocar a dúo con otro guitarrista. El próximo 5 marzo actuará en el Festival de Medio y Medio, en Punta Ballena, con "Pitufo" Lombardo y Ana Prada como invitados, y un repertorio con algunas sorpresas tangueras. Y ya trajo a los ensayos varias composiciones nuevas, algunas de ellas muy recientes. Preciso, entusiasmado, Cabrera habló sobre estos recitales con El País, así como de sus planes para este año, el Bicentenario, Gardel, un futuro disco y las ventas de "Canciones propias".

A. laluz

-Este ciclo, que se estrenará la semana que viene, tiene un signo distintivo y a la vez novedoso: el dúo con el guitarrista Juan Pablo Chapital…

-En realidad es largo de explicar, pero desde hace años que siento una carencia: tocar a dúo con otro guitarrista, que es una de las cosas que más feliz me hace en la vida. Y vaya uno a saber por qué se fue demorando eso... quizás porque no encontré el compañero adecuado… igual estoy contentísimo con la banda con la que vengo tocando desde hace años. Pero la cosa es que pasaron como 15 o 20 años sin hacer esto que hice desde la infancia y que me encanta.

-¿Y cómo surgió la idea de invitar a Chapital?

-Se me ocurrió llamarlo de un día para el otro, sin meditarlo mucho. Yo ya conocía su trabajo desde hace años. Él estaba radicado en Argentina, donde tocó con varios grandes, desde Mariana Baraj a Javier Malosetti, y su sonido ha evolucionado mucho. Tiene, además, una paleta de lenguajes, de visiones musicales diferentes que lo hacen un guitarrista muy versátil. Hace unos meses volvió a Uruguay para quedarse... y se me ocurrió llamarlo. Hicimos unos ensayos previos y la conexión fue notable e inmediata; luego veré qué haré con él en el futuro, quizás lo integre a mi banda grande para seguir desarrollando las posibilidades de un dúo de guitarras eléctricas.

-¿Qué características tendrá el repertorio de canciones?

-Bueno, este encuentro me permitió muchas cosas. Una, que voy desempolvar viejas canciones que hace muchos años dejé de cantar, por ejemplo de Autoblues, Buzos azules, creaciones con una impronta más eléctrica, y de otros discos posteriores. También voy a hacer varios estrenos, incluso algunos temas que compuse a principios de este año y muchos que hice en este último tiempo.

-¿Ya tendría entonces material suficiente para ir pensando en un próximo disco?

-Está en mis planes, pero hay que darle tiempo al tiempo. Tengo muchos temas e incluso tengo ganas de que sea un disco doble, pero hay que pensarlo, no sé cómo estará la industria discográfica cuando llegue ese momento. Estamos en una época que la gente quiere todo cortito, fragmentado, de rápida digestión… Ahora estoy trabajando en varios proyectos y, además, hace relativamente poco que salió Canciones propias.

-¿Incluirá algunas canciones de este último trabajo en estos conciertos?

-No, ahora ese repertorio quedará a la espera de la presentación más formal que haremos dentro de unos meses, en una sala grande de Montevideo.

-¿Ya están definidas la fecha y la sala para esa presentación?

-Todavía estamos ajustando fechas, pero seguro que será en abril. Tenemos avanzadas las conversaciones con una sala importante, muy conocida, y también hay una segunda en la manga, como se dice. Pero todavía no puedo adelantar nada porque estamos en plenas negociaciones.

-Desde su salida, a fines del año pasado, el disco se ha vendido muy bien…

-Sé que se agotó una primera tirada y ya está muy avanzada la segunda. Y el año pasado también se vendió mucho Ámbitos, el disco que recuperó aquel histórico recital con Eduardo Darnauchans en el Solís. Pero no quiero atosigar a la gente, porque no soy un gran vendedor y sacar un disco detrás del otro no es bueno.

-Para comienzos de marzo tiene reservada una fecha en el Festival de Medio y Medio, en Punta Ballena. ¿Cuál será la propuesta de este show?

-Allá voy a ir con un cuarteto, en el que están Chapital, Federico Righi y Ricardo Gómez. Además voy a tener dos invitados: Edú Lombardo y Ana Prada. Y el repertorio tendrá canciones mías, de Edú y Ana, y también de Gardel.

-Un gardeliano volviendo a las raíces...

-Yo con Gardel estoy todo el día. No es que lo escuche solamente... a Gradel lo estudio desde hace años. A él, su voz, sus repertorios, sus guitarristas… Es un reservorio del repertorio del Río de la Plata. Es fabuloso, todos componían para él.

-¿Serían versiones en la misma la línea planteada en Canciones propias?

-Estoy haciendo unos arreglos con ese mismo concepto. Hago mezclas, tomo partes de una canción y las junto con otras, les cambio la atmósfera. Es un trabajo de desarmar las canciones para volverlas a armar.

-El tango es un tema al que le ha dedicado mucho tiempo de estudio, ¿sigue siendo así?

-Estoy estudiando mucho el tango, y no uso la palabra estudiar en vano. Estoy arrancando de los orígenes mismos, Canaro, Cobián, y sigo para adelante, la década del 20. Cada vez me meto más y es un mundo. Pero Gardel está en primer lugar. Cuando te metés en algo así, después, casi naturalmente, surgen las ganas de versionar, tal como ocurrió como me pasó con las canciones de otros autores uruguayos que integraron mi último disco.

-¿Qué otros proyectos tiene pensado llevar adelante este año?

-También estoy con varias ideas relacionadas con los festejos de nuestro Bicentenario. Una de ellas junto a Washington Carrasco y Cristina Fernández, que será muy linda. Es una antigua obra de Washington relacionada con el artiguismo, una creación conceptual, que fue lo primero que hizo allá por 1968, en Sondor, que tiene recitantes, canciones, partes instrumentales... una maravilla. Hay, por otro lado, otros proyectos para desarrollar con embajadas en el exterior. Pero todo esto, por ahora, está en vías de definición y de instrumentación.
Deconstruir para volver a construir

A fines del año pasado, el lanzamiento de Canciones propias reveló otra faceta de Fernando Cabrera: su inteligencia y sensibilidad para trabajar con creaciones de otros compositores uruguayos, en un plan de deconstruir para volver a construir. Este material, afirmó, no es un homenaje ni un rescate, o un trabajo de arquelogía musical, sino una forma de subrayar la vigencia estética, estilística, que tienen las obras de autores como Zitarrosa, Mateo, Sampayo, Darnauchans, Rada o Dino.

Entrevista en El Espectador

2011-01-28T05:45:00.001-08:00

Fernando Cabrera participó en la escena nacional desde sus facetas de guitarrista, cantante, compositor, productor y hasta poeta. En su visita a El Espectador habló sobre su trayectoria y su último disco de versiones, Canciones propias.

Cabrereadas ( La diaria)

2011-01-25T09:02:00.000-08:00

Cabrereadas

Con "Canciones propias" recién editado, el músico habla de su entorno, de sus raíces, la pobreza y el apoyo estatal a la cultura.

Cualquier excusa es buena para conversar con uno de los mayores compositores uruguayos en actividad, pero si además hay un disco en el que Cabrera relega esta función para interpretar temas ajenos, el interés es doble y renovado. En medio del calor montevideano de enero tuvimos una charla en la que Cabrera respondió tanto como preguntó acerca del sentido de escribir e interpretar canciones en este país de músicos.

-En la tapa de Canciones propias hay una caricatura tuya y de los músicos.

-No, no estoy. Todo el mundo me dice lo mismo. Esa caricatura salió hace dos o tres años en Brecha, en un artículo sobre la minoridad. Un hermoso dibujo de Ombú, un amigo al que admiro mucho; y a mí me gustó mucho ese dibujo, ya que, si bien representaba la problemática de la adolescencia -obviamente de clase baja y marginal-, el dibujo tenía una dignidad muy linda. No es una cosa que digas “están todos reventados, la ropa hecha bolsa, están fumando pasta base”, no; tiene dignidad, son rostros de adolescentes que están mirando, no sé, el futuro, que están con expectativas, están serios pero no están reventados. Me pareció mágico el dibujo y lo recorté y lo guardé, como para pegarlo en la heladera. Y a los dos años, cuando salió la idea de hacer este proyecto -que juega con la idea del pasado-, en mi mente se unió con el dibujo, con éstos que son el futuro -no nos olvidemos de que en Uruguay más de 50% de los nacimientos están por debajo de la franja de la pobreza-, y en mi cerebro me hizo click y dije “ésta es la tapa del disco”. Sé que hay uno que se parece a mí, y hasta yo me di cuenta después. Lo mismo el título, me han dicho “qué bien que la pensaste, la ironía...”; no, la verdad es que se me apareció esa frase y por primera vez en mi vida no estuve haciendo listas de cuatrocientos títulos. Es la primera que se me apareció y la última: “Canciones propias”, y no elaboré la ironía ni nada, cayó la frase y ya está. El otro título sobre el que no tuve dudas fue el de El viento en la cara, que no es mío. Se le ocurrió a Mayra Hugo, una amiga cantante que estaba en el grupo Travesía, escuchando ese tema que habla de ciclismo y todo eso y me dijo: “Pah, Cabrera, escuchando este tema parece que tuvieras el viento en la cara”. Yo tenía otro título, pero “El viento en la cara” me pareció brillante y se lo afané.

-Me contabas que fuiste a componer a Buenos Aires. En los últimos años ha habido allá un descubrimiento de tu trabajo.

-Sí, entre los músicos y los medios tengo como un enamoramiento. Cada vez que vuelvo de Buenos Aires me quedo helado. Hay una tendencia, miran para acá como locos, viajan para ver la música uruguaya, vienen a ver el Carnaval. A lo de antes, a Jaime y todo eso, pero también a los jóvenes de acá, a los del rock, a las chicas, a Ana Prada, Samantha Navarro, Maia Castro, a todo... Ves en Buenos Aires carteles que ocupan una cuadra anunciando a Falta y Resto.

-Hablando de eso, en tu trabajo siempre has mostrado un interés por investigar el background musical uruguayo, pero a la música de carnaval nunca te aproximaste, ¿no?

-Me aproximo como consumidor, como oyente. Nunca me animé mucho a hacerlo yo, ni a la parte candombera ni murguística. Por varias razones, algunas musicales y técnicas y otras genéricas. Entre estas últimas, porque considero que el rubro está suficientemente representado; habiendo ya Rada, Jaime Roos, Mateo, Mauricio Ubal, que han trabajado con esos materiales, las murgas mismas, la gente del candombe, consideré siempre innecesario que yo me sumara a eso habiendo otras zonas de nuestra cultura musical muy desatendidas. Y que contaban, además, con mi mayor preferencia en cuanto a gustos.

-En el disco rescataste algunas canciones de folclore que para un montevideano pueden ser más bien desconocidas.

-¿Desconocidas, decís? Bueno, hace un tiempo no tanto. Esas canciones fueron todas hits acá, son desconocidas ahora. Razón por la cual tal vez quise hacer esto, pero no son canciones desconocidas, para cualquier persona de mi edad esas canciones son clásicos, no son “la rara” del disco. Los 60 acá fueron muy bravos; la música del Uruguay en los 60 y los primeros 70... Es una preocupación que yo tengo, a veces hablo con estudiantes de musicología, periodistas, y les digo que hace falta mucha investigación y rescate de todo eso. Acá no hay un libro sobre Los Olimareños, sobre las voces y las guitarras de Los Olimareños, y es una magia absoluta. No hay un libro sobre Rada, y puedo seguir nombrando. Y guarda, que no estamos hablando sobre Egipto, sobre algo que pasó hace 2.000 años. Esto fue ayer, fue hace cuarenta años. Cuarenta años, ¿no es contemporáneo? Dejémonos de joder con esa onda de “antes que yo no existía nada”. El parricidio tiene una lógica dentro de la evolución humana, pero esto no es parricidio. ¿Es tan lógico pensar que lo que pasó hace treinta años ya no tiene ningún lugar en una sociedad? ¿Es sano eso, esa falta de diálogo? Entonces tendríamos que pensar que Los Estómagos y Los Traidores ya no existen, son parte del pasado...

-Bueno, puede ser que ya haya generaciones para las cuales no existan.

-Pero no es así. Y viniendo más acá, algo que tiene cinco años ya no existe. Uno de mis planteos es que yo no estoy rescatando nada. Se ha usado mucho la palabra “rescate” con respecto a este disco. Como actitud o como una búsqueda arqueológica. No, yo estoy dialogando con estas canciones, están en mí, están desde mi infancia. Pero hay algo que dice que esa franja no sirve. Es una perversión del capitalismo, me parece, en ese parricidio. Arriesgo, yo no soy un teórico de nada y puedo estar diciendo un disparate, pero, ¿por qué tiene que ser más importante tener 25 años que 40 o que 12? Creo que todo es importante.

-Puede ser que el músico más joven sea más maleable, que sea más fácil venderle.

-Hoy. Y no todos: la mayoría. Y no tiene por qué ser así, hay muchos ejemplos de gente que hizo cosas importantísimas a los 20 o 25 años y fueron tremendamente rebeldes y libertarios en el mejor sentido posible. Y nadie los cambió. Eso pasó en Brasil y en el mundo entero en la década de los 60 y el mundo tuvo que acatar a los Beatles, a Hendrix, a los Stones y a Caetano, y tenían 23 años. Hoy es más manejable porque los jóvenes están más sujetos a eso.

-La selección de los temas del disco es esencialmente de hits de esos autores. ¿Eso fue ex profeso?

-No, yo elegí los temas que me quedaban cómodos. Los temas que te permiten aplicar una idea arreglística que ya tenés independientemente del tema. ¿Me explico? Tenés una idea, una sucesión armónica o un ritmo, y encontrás el tema justo en que podés aplicar eso. No en todos, pero en unos cuantos me pasó eso. Además de que son todas buenas canciones, vamos a entendernos...

-Tenía la impresión de que habías elegido temas que justamente eran muy populares para darles un tratamiento que no era necesariamente popular.

-No, eso no es a propósito. El tratamiento que les doy es el que me sale. Eso es un tema interesante; no hay tanto razonamiento a la hora de elegir un tema, hacer un arreglo o cantar de un modo. No pasa tanto por la razón, ahí pasa ese misterio tan difícil de definir que es eso que te pasa por adentro, que no definís con la razón. No es que yo quise hacer tal planteo, que yo quise rescatar... Yo no quise hacer nada, son canciones que me gustan, que me encanta hacer y que se fueron desarrollando en mi cabeza. Esto no es algo que hice en tres meses, la de Zitarrosa la vengo haciendo desde hace diez años, la de Darnauchans también; cuando se me juntaron quince o dieciséis vi que estaba en la hora de hacer un disco. No hay mucho razonamiento: el gusto también existe en un profesional. Te acordás de cuando la escuchaste en la radio. Yo hice dieciséis, pero de ese período se podrían haber hecho trescientas. El criterio de selección no es calificatorio, también entra lo subjetivo, el “porque sí”.

-Vos sos un tipo que sobre todo ha sido reconocido como compositor. Hacer un disco así, ¿no es una forma de mostrarse como intérprete?

-Es sí, lo es; tenés razón. Pero acá también hay un tema interesante: el arreglo, ¿no es una composición también?

-Por supuesto.

-Pensá en arreglos que vos conozcas de alguien que versionó a alguien que a vos te gusta. ¿No hay una actitud creativa? Entonces el compositor no está ausente tampoco; yo estoy recomponiendo a veces. Es un tema muy loco el del arreglo.

-Volviendo a lo de intérprete, en el disco la voz está bien al frente y da la impresión de que estuvieras pensando cada palabra en su significado pleno.

-En cada una de las palabras, cada una de las sílabas y cada una de las letras, si me permitís exagerar. Me parece elemental, no creo que ningún cantante pueda ser ajeno a esa posición. ¿Quién puede cantar sin pensar en lo que dice la letra?

-Yo creo que hoy en día hay un predominio de la potencia y el registro sobre el significado. Puede ser que en Uruguay no tanto, pero Uruguay es una escuela muy particular de cantantes.

-Puede ser. Yo vengo de una tradición, que es la uruguaya, justamente, en que la palabra... en que la canción es la canción. Significa. Siempre. No pasás por arriba como si nada. Y creo que en particular, en los últimos años, mi interior musical se ha vuelto un poco más intérprete. De mis propias cosas, me refiero, en lo vocal. Y también en lo guitarrístico: trato de estar más por dentro de lo que estoy diciendo o tocando, y que haya una expresividad, que no sea cantar automáticamente. Es un proceso largo, de años, y creo que sin darme cuenta fui interiorizándome más, tanto en la melodía como en la letra. Antes era más mecánico, más lineal, mandaba lo que había compuesto tal cual, y ahora me parece que tengo más libertad. Me encontré más con el fraseo, con mi voz, con la guitarra, con la dinámica y matices.

-En una entrevista reciente que te hicieron en Brecha decías algo como que estabas revalorizando lo popular en contraposición a la escuela más rara y académica de la música uruguaya, es decir, Lazaroff, Maslíah...

-Quedó un poco radical esa declaración. Ojo, yo no abjuro de eso.

-¿Pero no hay como una vuelta? Tengo la impresión de que tus primeros discos eran más accesibles, de que en el medio experimentaste más y de que ahora estás volviendo un poco a lo de antes.

-¿Te parece? Mirá que yo arranqué con Montresvideo, con Baldío, que para mí son cosas muy radicales y jugadas. El disco de Montresvideo no se parece a nada que hubiera en ese momento. Ahí había una actitud de riesgo que siempre tuve y que -de nuevo- te digo que no es racional. Es lo que viene conmigo. Una actitud de que para mí vale la pena hacer música saliéndose del mainstream, de los códigos, es algo que es natural, no forzado. Y que también es uruguayo. Pensá en Los Olimareños, en Viglietti, en Zitarrosa, ¿a quién se parecen? ¿A quién le copiaron? ¿A quién le copió Mateo? A nadie, el lenguaje ése lo inventaron ellos. Uruguay es un país inventor de lenguajes en la canción. ¿A quién se parece Lazaroff? ¿A quién se parece Darnauchans? ¿Vos conocés otro Darnauchans en el que haya podido inspirarse? Lo mío es eso nada más, pertenecer a algo que es natural en Uruguay, en este país chico en el que no hay industria.

-¿Alguna vez pensaste en especular con los aspectos más exitosos de tus canciones?

-Sí, toda mi vida. Y siempre fracasé. Toda mi vida viví realmente preocupado por eso.

-Pero te fuiste radicalizando...

-Sin querer. Siempre quise ser cada vez más popular, más digerible, más fácil... tratar de ampliar el público, pero uno es esclavo de lo que le sale. Para mí, consciente de que lo mío no era masivo, de que no le llegaba a todo el mundo, eso siempre fue una espada de Damocles, una preocupación muy seria y nunca encontré las herramientas para revertirla.

-Viviendo la paradoja de ser muy conocido y no tan escuchado...

-Bueno, tan conocido no sé. Soy relativamente conocido y relativamente escuchado. No sé si soy más conocido que escuchado. Tal vez por la suma de los años puede ser. Hace treinta años que estoy en los medios y habrá gente que ha visto mi cara y mi nombre y nunca me escuchó.

-Tampoco has sido alguien que se acerque mucho a los apoyos estatales.

-Mirá, ése es un tema que daría para una entrevista entera. Es cierto, nunca tuve la actitud de ir a golpearle la puerta al Estado, pero paralelamente hay una cosa que nadie dice y nadie reconoce: en este país el Estado apoya mucho a la cultura. Sin embargo, el discurso de mis colegas y de todo el mundo en todas las disciplinas artísticas es siempre “el Estado nos abandona, nos mata de hambre, no hay apoyo, no hay políticas”. Yo pregunto; el carnaval, ¿quién lo banca? El Teatro de Verano, el Solís, la Zitarrosa, el Florencio Sánchez, ¿de quién son? La Semana de Turismo en el Prado, en que contratan y le pagan el cachet a mil payadores desconocidos, cantores criollos y grupos de danza folclóricos. Sigo: la Comedia Nacional, la Escuela de Arte Dramático, ¿de quién son? La lista puede ser interminable. Entonces, ¿el Estado uruguayo no apoya a la cultura? ¿Por qué no empezamos a revertir esa mirada crítica ciega de queja cuando el Estado hace de todo? Y en los últimos años más que nunca. ¿El Ministerio de Cultura [MEC] no apoya? ¿Vos sabés todas las salas que recicló en el interior? Teatros que estaban abandonados, cines que estaban hechos guasca y que rescataron entre las intendencias de los lugares apoyados con guita por el MEC en el período pasado, cuando Astori era ministro de Economía. Las idas de grupos teatrales y exposiciones de plástica al exterior, los concursos, los docentes que se mandan al interior pagados por el Estado... ¿Vos sabés que me calienta esa ingratitud?

-Y también hay productos artísticos supuestamente viables que ante la duda piden la ayuda estatal.

-Bueno, es que pedir pedimos todos, ya sea con los Fondos Concursables, con esto o con lo otro. Todo el mundo pide. También los cineastas... Yo a veces me pregunto; se hace una película, se gasta un millón de dólares, está cuatro días en cartel y después baja. Para que el tipo se dé el gusto, después, de presentarla en un festival por ahí. Y es guita eso. A mí dame la guita de una película y te hago 25 discos y 40 giras y te reciclo dos teatros, con la guita de una película. Y se lo dan igual y la película la ven cuatro tipos. No, se apoya todo... Cosas inviables también. Pero, cabe preguntarse, ¿no está bueno que una cosa, por más masiva que sea, por más que sea Jaime Roos, también reciba un apoyo para que la gira esté buena, para que los escenarios y las luces sean mejores? Y que así la gente que eligió a ese artista como su favorito también pueda verlo en su pueblo natal. También está bueno que se apoye al más fuerte, que se apoye a todo. En definitiva, todo es artístico. Yo no me quejo; cuando puedo me gusta tocar el tema y dar esta voz que, francamente, nunca escucho. No sé si será ingratitud de los artistas o un exacerbado sentido pedigüeño que tiene la sociedad uruguaya.

-Claro, yo lo que decía es que hay gente que cree que puede desarrollar una carrera de artista popular subvencionado por el Estado.

-Bueno, eso me parece un grave error de quien piense así. El Estado no es una fundación de salvataje. Me parece una posición equivocada. Pero además nos olvidamos de otra cosa muy básica: cualquier persona que elija la profesión artística, ¿no sabe de antemano, acaso hay que explicárselo, que acá se va a morir de hambre? ¿Que somos tres millones en un país pobre y que la sociedad no tiene la capacidad de absorción para todos y que Uruguay tiene demasiados artistas? Hagamos una estadística del porcentaje de artistas en la sociedad uruguaya. No puede ser. ¿Todos queremos ser artistas, todos estudian guitarra, todos quieren sacar su novela? ¿Todo el mundo? Dentro de unos años no va a haber un sanitario, un carpintero: todos van a ser artistas.

-Vos sos un compositor prolífico y tengo entendido que vas procesando tus canciones a lo largo de mucho tiempo. ¿No es difícil encontrarse con el tiempo para cerrar todo ese material?

-Sí; igual me hace feliz tener todo eso inconcluso, porque es como decir “yo por quince, veinte años no tengo que preocuparme por componer”. Igual uno sigue haciendo cachitos, pedacitos.

-No podés cerrar la fábrica.

-Afortunadamente, yo siempre tengo ideas nuevas. Será que la psiquis se acostumbró a un proceso vicioso en el que siempre estás pensando en algo, en una frase, en un concepto armónico. Soy así y por algo me dedico a esto desde que tengo 13 o 14 años. Y eso se constituyó en el centro de mi vida porque es lo que más felicidad me ha dado. ¿Hay algo más lindo que componer una canción y que encima alguien la apruebe, y comunicarte con eso? Es lindo eso, ¿verdad? Comunicarse con algo que vos elaboraste y salió de tu cabeza. ¿Puede haber algo más lindo que terminar un recital y que venga alguien y te diga una frase linda? A veces viene un tipo, un hombre grande, con una lágrima, emocionado porque una canción tuya, un verso lo hizo llorar. ¿Hay paga más grande que eso en la vida? Afortunadamente, mi vida tiene eso.
Gonzalo Curbelo

Cabrereadas (aclaración)

El apresuramiento, la ignorancia, una bebida inadecuada y tibia más el sol de enero en la cabeza sólo pueden producir una burrada: la que declaré en la entrevista que me realizara la diaria el pasado viernes 21. Personas como Walter Tournier, Ricardo Casas y otras, haciendo gala de afecto, paciencia y ánimo educativo, me proporcionaron los datos que me faltaban y cuya ausencia me llevó a aquellos infortunados dichos. No me ha gustado nada representar en estas últimas horas el papel de bocabierta desinformado. A todos los cineastas, documentalistas y afines de este país, mi más sincero pedido de disculpas. ■
Fernando Cabrera.

Todos los jueves de febrero en E Guambia

2011-01-16T12:42:00.000-08:00

Cabrera: un acto de amor musical

2011-01-02T03:54:00.000-08:00

Del folclore al rock, de la música llamada culta a la de Brasil, del tango al candombe, las fuentes musicales de Fernando Cabrera no podrían ser más amplias.

A la hora de rendir tributo a colegas de distintas generaciones, Cabrera demuestra una vez más, su condición de omnívoro musical.

Por: Elbio Rodríguez Barilari

Canciones Propias se intitula este CD de canciones ajenas, lo cual no deja de ser una paradoja muy cabreriana. Propias, porque se sienten como propias. Y porque con estas cuidadas versiones el músico las recrea, las subvierte sin traicionarlas y las hace más suyas.

A la humorística El Tero Tero, del gran Marcos Velásquez, le pone una cuota de urgencia en la voz, le agrega una guitarra eléctrica y, por momentos la subraya con unos acordes rockeros. Todo, sin perder el sonido de acordeón y piso de tierra.

Alfredo Zitarrosa compuso y cantó las más perforantes canciones de amor de manera discreta, como ocultando el sufrimiento tras la gomina, el traje y el humo del cigarrillo. Pero Cabrera no tiene esos frenos. La hace con piano y coros, con la voz estrangulada de un tipo al que lo están dejando, ultra románticamente.

"Morir en la capital", del lamentado Pablo Estramín describe las ventajas de la urbe para estudiar, para progresar, para ir al médico, hasta para morirte. Cantada con un rictus agridulce, como hace Cabrera, resulta aún más efectiva. Especialmente porque nada ha cambiado en todos estos años.

Dino es uno de los grandes autores pop de la música uruguaya. Vientos del Sur, a estas alturas, es casi tan emblemática como Milonga de Pelo Largo. Cabrera recurre a su propia veta pop, para entregar una versión que fluye naturalmente, con un 2 muy acentuado, casi como si fuera un toco, y solo de órgano incluido. Hasta que entra un épico coro a cargo de la carismática Laura Canoura.

El folclore con carácter festivo retorna con Otra cosa es con guitarra, de Anselmo Grau. Este es otro de los autores damnificados por la amnesia nacional, así que se celebra doblemente el tributo.

Caminitos de tierra colorada todo el mundo la conoce en la versión de Los Olima. Ese clásico, letra de Agustín Bisio y Alán Gómez es, en mi modesta opinión, porque quien es uno, uno de los surcos más brillantes de este notable disco. Al hacerla muy lentamente, casi como en un estado onírico, Cabrera tiene más tiempo para decirla, para sopesar las palabras como perlas, de este monumento de evocación y ternura.

Quienes hayan escuchado a Mateo haciendo Príncipe Azul en vivo, saben que la encaraba como una canción muy para niños. De la misma forma la enfoca Cabrera, aunque le agrega ciertos toques perturbadores, no necesariamente ajenos a la experiencia infantil, por cierto.

Rada hace Botija de mi país como un homenaje cálido y gozoso. La letra tiene implicancias bastante más dramáticas. En ellas se enfoca Cabrera para cantarla con dolor y bronca. Y le agrega una estrofa de Te Parece, que denuncia el arrasamiento de la cultura negra por parte de la sociedad blanca.

Debo confesar que Arma de doble filo es mi canción favorita entre las de Dino. Acá viene en un estilo murga reggae que no va a defraudar a ningún adicto del Cabrera eléctrico.

Compuesta por Darnauchans y Bismark Vega, Balada para una mujer flaca es probablemente la canción pop amorosa mejor lograda de este lado del Plata. Cabrera la hace de un modo que recuerda la banda eléctrica del Darno en sus momentos más brillantes del Solís y del Notariado. Imperdible.

Quizás la versión más distante de la voluntad de su autor sea Milonga de andar lejos, de Daniel Viglietti. Porque Cabrera la electrifica, le crea un espacio sonoro alrededor, profundo, evocativo, la interviene con un pulso ajeno, dialoga con la canción y la convierte en algo nuevo.

Imposible comentar todas las canciones en este espacio, pero no hay que despedirse sin destacar la versión de Gurí Pescador. Ese clásico de Osiris Rodríguez Castillos recibe un tratamiento casi electroacústico, donde todo un paisaje sonoro y denso ambienta este recuerdo infantil.

Canciones de Aníbal Sampayo, Ruben Lena e Ignacio Suárez con Yamandú Palacios completan el panorama de los homenajeados en este disco, todo un acto de amor musical.

barilarius@yahoo.com

Fernando Cabrera con Mateína en su ultimo programa.

2010-12-31T07:05:00.000-08:00

Mateína cerró su ciclo de más de ocho años ininterrumpidos en 1410 AM Libre con un especial. Fernando Cabrera vino a recorrer su nuevo disco, "Canciones propias" (Ayuí, 2010), el viernes 17 de diciembre de 2010. En la mesa con Cabrera: Jorge Temponi, Mariana Lobo y Andrés Pampillón. Sergio Tricánico en los controles. Hubo mensajes finales y al cierre despedida. Para escuchar, clic acá.

Fernando Cabrera en el Festival De Medio y Medio

2010-12-30T17:45:00.000-08:00

El Festival de Medio y Medio llega a su aniversario número 15 y lo celebra por primera vez con doble grilla de conciertos, una más extensa en Punta Ballena, desde mañana y hasta el 6 de marzo, y otra en Montevideo, en el escenario de Lindolfo Teatro.

Con la idea de recuperar el clima y el espíritu de los legendarios clubes de jazz, estos conciertos esteños (y ahora también montevideanos) reúnen a los principales exponentes de la música popular de Uruguay y Argentina que han hecho de la mixtura de tradiciones, el virtuosismo, la improvisación (bien entendida), la creatividad que resiste modas efímeras, los elementos sustanciales de sus opciones estéticas.

La doble apertura, que desde la primera edición del Festival está reservada para la familia Fattoruso, es el ejemplo obvio y, no obstante, el mejor. Para este año, Hugo, ganador del Premio Gardel 2010 por su álbum Café y bar ciencia fictiona, será el encargado de abrir junto a Litto Nebbia como artista invitado, mañana y pasado en el local de Medio y Medio en Punta Ballena (en continuación Camino Lussich, a media cuadra de la playa Portezuelo).

Un dúo que, como comentó Nebbia a El País, tendrá un amplio set dedicado a la improvisación e incluirá también parte de los repertorios de dos agrupaciones de los años sesenta que los tuvieron como líderes: Los Gatos y Los Shakers.

Los antecedentes son bien conocidos, así como sus ingresos a la mitología de la música popular regional. Para Nebbia, ese pasado es un punto de partida, la referencia, desde el cual encarar el futuro, esa dimensión que sólo se construye a partir de la creación (o el enfoque genuino por la creación), aunque la industria musical se empeñe en diluirla en sus lacrimógenos lamentos por la crisis y su culto al factor numérico.

Y ambos artistas, también se sabe, han demostrado con sus proyectos que ese factor, que suele afirmar la omnipotencia del lenguaje de las estadísticas, no es condición primera ni última para dar forma a la comunicación estético-artística. Antes, subrayó Nebbia, está esa inefable necesidad de buscar, de crear, de decir cosas.

EL ARRANQUE. Cumplida esta apertura a lo Fattoruso, el Festival propiamente dicho comenzará el 1º y 2 de enero con el regreso de Chango Spasiuk, que este año diera un formidable concierto en el teatro Solís.

El resto de la grilla, tanto para los dos escenarios del Este (Escenario Fattoruso y Escenario Parque) como en Montevideo, tendrá varias figuras que ya han actuado en ediciones anteriores. Una de las sorpresas será el concierto de León Gieco, otro hito del rock argentino, que será el Día de Reyes en el Escenario Parque. Luego le seguirán Jaime Roos, al día siguiente, la original y fresca (y saludablemente alocada) propuesta de los brasileños Hermeto Pascoal y Aline Morena (el 8), también de Brasil la legendaria Lenny Andrade que actuará en tres fechas: 13, 14 y 15.

La siguiente fase estará dedicada a los tributos. Primero con Piazzolla x Piazzolla, el 20 y 21, con Pipi Piazzolla y Escalandrum de Argentina, y luego Guillermo Klein junto a Base de Nave en un homenaje a Gustavo "Cuchi" Leguizamón (22 y 23). Y para cerrar enero, Pedro Aznar presentará su nuevo disco, A solas con el mundo, los días 27, 28 y 29. En febrero llegarán, entre otros, Luis Salinas, Vitor Ramil, Liliana Herrero. Y en marzo, Fernando Cabrera y Rubén Rada.

Para Montevideo, en Lindolfo, la grilla estará concentrada en los cuatro jueves de febrero, con Fattoruso-Maza-Amuedo Fattoruso, Salinas, Ramil y al final Liliana Herrero.

El País Digital

"Nunca mas a mi lado"

2010-12-11T13:25:00.000-08:00

“Nunca más a mi lado”
Así se llama la canción realizada por varios famosos contra la violencia doméstica.

“Nunca más a mi lado” es el nombre del tema que realizó el grupo uruguayo No te va a gustar y que fue interpretado por varios famosos para una campañá contra la violencia doméstica. La iniciativa es en coordinación con Bancada Bicameral Femenina y la Red Uruguaya contra la Violencia Doméstica y Sexual.

Sebastián Teysera, Larbanois y Carrero, Ruben Rada, Alejandro Spuntone, Fernando Cabrera, Federico Lima, el escritor Eduardo Galeano y profesionales de diferentes áreas como Martín Dibarboure, Claudio Invernizzi y Guillermo Varela son algunos de los famosos que se sumaron a esta iniciativa.

Esta grabación será un insumo para la difusión y puesta en marcha de la recaudación de fondos a través de Ancel, los cuales se destinarán al trabajo preventivo en todo el país.

Todos los interesados podrán bajar el tema a su celular y contribuir con la campaña.

Cabrera, Estramin, Darnauchans

2010-12-07T18:38:00.001-08:00

Cabrera en la "Noche de los museos"-2007 -interpretando Morir en la capital de Pablo

Estramin y El instrumento de Darnauchans en el Palacio Taranco, aqui un video de

aquella noche donde Fernando Homenajeaba a estos dos grandes de la musica

nacional .

Fernando Cabrera entrevistado por Gerardo Sotelo

2010-11-07T08:06:00.001-08:00

"Son temas que siento como propios"

2010-10-30T11:03:00.000-07:00

Acaba de lanzar su último disco de estudio, "Canciones propias" (Ayuí, 2010), en el que registró, por primera vez en su extensa carrera, una selección de títulos clásicos del cancionero popular uruguayo. Y los próximos 5 y 6 de noviembre, 21.30, presentará este nuevo material en Lindolfo junto a su banda.

Su posición ante este nuevo proyecto no tiene dobleces: "no creo estar haciendo un trabajo de rescate, de arqueología, o de homenaje a cosas del pasado que tengo la pretensión de traerlas al presente, para nuevos públicos". Son, agrega, canciones que siente como propias y parte fundamental de su historia de vida. Y allí están Aníbal Sampayo, Alfredo Zitarrosa, Eduardo Darnauchans, Eduardo Mateo, Osiris Rodríguez Castillo, Rubén Rada, Dino, Pablo Estramín. "Artistas criollos y urbanos", subraya, que no han perdido su vigencia ni son tan antiguos: forman parte del entramado simbólico que hace al presente. Por otro lado, un proyecto así "es algo que nunca hice: tomar canciones de otros y transformarlas... intervenirlas... un proceso de desarmar para volver a armar". La suma de estas variables (de pensamiento y arte) dan como resultado, entonces, Canciones propias. Un disco muy personal, muy Cabrera, que también fue, en su proceso de gestación, una experiencia innovadora en la concepción arreglística, interpetativa, y en el proceso (muy breve) de grabación.

-¿Cómo surgió el título (Canciones propias) de este disco, el primero de su discografía que está dedicado a revisitar a otros compositores?

-Porque siento así estas canciones. Muchas de ellas están conmigo desde los seis años, del tiempo con mi profesora de guitarra, el coro de la escuela. Gurí pescador, Río de los pájaros, Recordándote de Zitarrosa. Tampoco me parece una idea demasiado brillante. Es un juego de palabras. Pero es muy certero. Son temas que uno se los apropia, interviene, desarma y vuelve armar. Es un poco eso. Parafraseando a Liliana Herrero, que tiene una amplia formación filosófica, fue deconstruir para volver a construir. Cuando ella agarra autores argentinos los desarma y los reconstruye. Esa es un poco la actitud de este disco mío. También es un chiste: es el primer disco mío que no tiene canciones mías.

-Era el título cantado...

-No tuve que pensarlo mucho. Fue como el único título que se me podía haber ocurrido. No me imagino otro.

-¿Quedaron muchas canciones fuera de la lista final?

-Sí, muchísimas. Podría hacer diez discos de estos. Si elegía a El Sabalero, ¿cuántos tendría que hacer? Y con Zitarrosa, Marquitos Velásquez, Mateo, Dino, Darnauchans, Rada, lo mismo. Con los repertorios de cada uno de estos artistas se podría hacer un disco.

-Entonces, ¿qué variables pesaron en el proceso de selección?

-Las que están fueron elegidas en función de lo cómodo que me quedaban para la voz, la cercanía afectiva. Son canciones que me permitían encarar un arreglo, que me motivaban por la melodía, la estructura de acordes. Eso me generaba algo interesante, una novedad. No es que haya habido una elección basada en algún tipo de pauta, no sé… Son canciones que vengo tocando hace muchísimos años. Fueron elegidas porque me facilitaban una manera personal de hacerlas. Y ahí está la cuestión de siempre: el de la versión.

-El dilema: ¿la versión es el derivado de un original o es una nueva existencia de esa canción?

-Ojalá pase eso último acá. Yo no lo había pensado así, pero me parece bárbaro que así sea. Es como si la canción naciera de nuevo.

-Quizás a la canción (o al "original") habría que (re) pensarlo como una forma que está más allá de las notas que suenan en una realización puntual...

-De hecho, para el mismo autor, a veces, hay otras versiones, variantes, existencias de una misma canción. A mí me pasa con mis canciones y sé que le pasa a mucha gente. Incluso algunos las vuelven a grabar con otro enfoque. Por ejemplo, han pasado quince años y uno es otro, diferente. Gardel regrababa las canciones con otras guitarras, con otros arreglos.

-Además del tango, el jazz puede ser otro caso a considerar.

-Justamente,creo que este disco tiene un encare jazzístico. Y esto lo digo con cierto cuidado porque no siempre puede ser bien interpretado. Por lo que agrego: no estoy haciendo jazz. No hay el menor vínculo con la música afro norteamericana en Canciones propias. Ahora, la actitud mía y la de los músicos al hacerlo fue la misma del jazzista que toma un estándar, un viejo clásico, una canción del pasado, y la hace a su modo, con buenas dosis de improvisación y otras con estructuras predefinidas antes de tocarlas; y a cada canción se le dio otro fraseo, otra manera de cantar. Allí creo que hay una influencia del jazz que no es visible, musical, sino de actitud. Es algo que también pasa con otro género contemporáneo que es el rock.

-Otro género al que ha tomado como fuente en varios discos anteriores.

-Sí. En algunos casos, y no sólo en este disco, he tomado características, enfoques, puntos de vista, del rock. Lo que tampoco quiere decir que esté repitiendo o materializando, a mi manera, elementos concretos de ese lenguaje. Es la actitud mental. Una de las cosas que tiene el rock -y es algo, me da la impresión, que los roqueros uruguayos no se dieron cuenta todavía- es que celebra, investiga, profundiza, en sus raíces culturales. Y acá, a veces, los roqueros vuelven sobre las raíces de Estados Unidos. Allá, los roqueros investigan su folklore. A esa lección del se ve que muchos faltaron acá: toman todo del rock, menos eso. Yo reivindico esto otro: tomar de otras culturas, de otros géneros, el enfoque y no los materiales concretos.

- Volviendo a Canciones propias, ¿qué músicos participaron en la grabación?

-Trabajé con los músicos que integran mi banda desde hace tiempo, más el agregado de uno. Ahí están Federico Righi en bajo, Ricardo Gómez en batería, más Herman Klang en teclados, que se integró al grupo hace poco tiempo. Compositor, pianista, arreglador. Se integró muy rápidamente al funcionamiento que nosotros traíamos como trío desde hace casi quince años o más. Ya está tocando con nosotros desde hace algún tiempo, pero éste es el primer disco con él.

-¿Cómo fue el trabajo en el estudio?

-El disco se puede decir que fue grabado casi en vivo. Por suerte conocimos un estudio, que se llama Oasis, por recomendación de Óscar Pessano, que estuvo encargado de toda la previa, investigar dónde grabar. Ese estudio tiene una sala espectacular, con una acústica natural increíble, que nos permitió trabajar con todo el cuarteto a la vez y con gran comodidad, todos pudiéndonos mirar. Y tocamos en vivo como si fuera un recital. Yo grababa unas voces guía mientras tocábamos. Hacíamos cada tema varias veces hasta quedar conformes. Inmediatamente que la elegíamos, los muchachos se iban a la cabina de control, y yo ponía la voz definitiva. Hacía tres tomas de cada canción, una detrás de la otra. Eso está bueno porque conservás el espíritu de la interpretación. Después se guardaban las tomas y pasábamos al siguiente tema, y repetíamos el procedimiento. Así, en tres o cuatro días, afuera y el disco estaba pronto.

-Un cambio importante respecto a sus discos anteriores.

-Claro, no era aquello de primero la batería, otro día las guitarras, después los coros y pasabas meses trabajando. Así grabé toda mi vida, y me gusta. Grabar unas pistas, irte para tu casa varios días, y pensar qué le agregás, volver al estudio y hacer otras tomas. Es muy enriquecedor. Pero acá, por el material que era estaba bueno hacer el experimento: sacar ese clima que hay cuando están todos juntos. El empaste que se logra es acústico pero también (y sobre todo) psicológico.

-¿Se siente conforme con el resultado de este proyecto?

-El resultado fue buenísimo, tanto en lo instrumental como en mi participación vocal. Me sentí muy cómodo. Estaba cantando casi dentro de la misma toma de los instrumentos. Cantaba con la emoción de estar en vivo, con el público delante. Eso generó varios momentos muy fuertes, emotivos, entre los cuatro músicos y que no se dan usualmente en otras formas de grabar. Fue la grabación más emotiva de mi vida. El disco lo hicimos a flor de piel.
"Canciones propias" a futuro

Con el flamante disco ya en la calle, y tras las dos presentaciones en la sala de Lindolfo (el viernes 5 y sábado 6 de noviembre), los planes de Cabrera no saturan la agenda. "Esto en Lindolfo es algo inicial que hacemos. El fin de año es un momento muy cargado, abarrotado de eventos, por lo que prefiero dejar pasar unos meses, luego el verano. El año que viene vamos a hacer varias actuaciones en el Interior y una más grande, contundente en Montevideo. Así que hacemos esto ahora, una especie de aviso de que el disco ya está en la calle". Lo que sí está marcado con rojo en su agenda son las canciones nuevas. "Tengo apuro de hacer un disco con mis canciones. Se me han acumulado un montón de canciones en estos últimos años, te diría que más de cien y pico. Claro, eso te empuja, te pone en alerta. Pero todavía tenemos que terminar esta etapa y después comenzaremos la próxima". "Canciones propias" recién ha salido del horno; y "es un material que siento como muy mío". Además de las canciones, agrega, "el arte gráfico va a estar muy bueno, que es de "Maca" (el poeta y artista plástico Gustavo Wojciechowski), que incluye el diseño original para esta edición de una tipografía, y la ilustración de tapa es del dibujante Fermín Hontou (Ombú). Dos amigazos míos también". Esa ilustración de Ombú "son tres niños, tres adolescentes, que están sentados en la calle, en el cordón de la vereda". Y a ello se suman las "fotos de Magela Ferrero, tomadas durante la grabación, y un librillo muy completo, con un perfil casi musicológico, que trae las letras de cada canción y al lado una ficha biográfica completa de cada autor, que fue elaborado por Rubén Olivera"

El pais digital

Las letras de Canciones Propias

2010-10-28T20:13:00.000-07:00

Ya se consigue en las disquerias...

El tero tero ( Marcos Velasquez)

Compañeros tero tero
Tero somos del bañao
Y los del bañao entero
Tero nos hemos juntao.

Es cosa importante tero
Tero mantenerse unidos
Gritar tero en una parte
Y tener en otra el nido.

Tero tero tero tero
-¡Muy bien por el compañero!

Los que gritan cerca'el nido
Tero es porque los protegen
Tero y no corren peligro
De que sin nido los dejen.

¿Pero al tero'e que le sirve
Gritar tero tero tero
Si cualquier pillo en la boina
Se les lleva el nido entero?

Tero tero tero tero
-¡Muy bien por el compañero!

Cuantos teros han quedado
Tero sin nido ni nada
Tero tero en un jardín
Con las alas recortadas.

Compañeros tero tero
Patoteros hay pa' rato
Pero el pato no es un tero
Ni los teros somos patos!

Tero tero tero tero
-¡Muy bien por el compañero!

------------------------

Si te vas

(Alfredo Zitarrosa)

Si te vas,
te irás sólo una vez,
para mí habrás muerto,
yo te pido que me lo hagas saber,
quiero estar despierto.
Porque si te vas
yo quiero creer
que nunca vas a volver;
dímelo y será
mucho menos cruel,
yo siempre supe perder.

Si te vas,
quiero verte partir,
saber que te has ido,
sin adioses el amar y el morir,
nunca son olvido.
Pájaro tu pie,
viento mi querer,
yo te puedo comprender,
sin saber por qué
no te podrás ir,
yo te quiero despedir.

Y no será por eso
que estemos separados,
aunque no te marcharas
lo nuestro está terminado.
Pero si te vas,
yo quiero creer
que nunca vas a volver.

Si te vas,
con amor o sin él,
debes irte ahora,*
tus nostalgias y tus fugas de ayer,
ya no me enamoran.
Mírate vivir
sangre de gorrión,
te ha faltado corazón.
Yo bien puedo ser,
si te quieres ir,
el que te ayude a partir.

Si te vas,
no te vayas así,
llévate tu vida,
si no puedes olvidarme y partir
volarás herida.
Vete sin dolor,
debes comprender
que soy el mismo de ayer.
No hay mejor amor
que el que ya pasó,
se siente al decir adiós.

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Morir En La Capital (Pablo Estramin)

La capital nos ofrece
Buen servicio de salud
Los mejores sanatorios
Y hasta el mejor ataúd

Los mejores edificios
La mejor educación
Y para vivir en cuotas
La mejor financiación

Si te tienen que operar
Morís en la capital
Cuando quieras estudiar
Morís en la capital
Cuando quieras progresar
Morís en la capital

La capital nos ofrece
Buenos libros al leer
Variedad en alimentos
A la hora de comer
Facultades, discotecas
Viaductos y además
Todo lo que está de moda
Para no quedarse atrás

Si te tienen que operar
Morís en la capital
Cuando quieras estudiar
Morís en la capital
Cuando quieras progresar
Morís en la capital

Dicen intelectualoides
Que hablan por televisión
Que a pasos agigantados
Se despuebla el interior

Y ruegan a los muchachos
No se vayan por favor
Pero para este problema
Solo hay una solución

Que te puedan operar
No solo en la capital
Y que puedas estudiar
No solo en la capital
Y que puedas progresar
No solo en la capital

Que te puedas operar
No solo en la capital
Y que puedas estudiar
No solo en la capital
Y que puedas progresar
No solo en la capital

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Vientos del Sur (Dino)

Vientos del sur que me traen el frío,
Vientos del sur no me dejen dormir.
Porque el sueño se parece a la muerte,
Alguien lo dijo hace algún tiempo atrás.

Vientos del sur, recuerdo aquellos días
En que mi vida no iba tan mal.
Noches de vino sin melancolía;
Vientos del sur ya se acerca el final.

No dejes que los recuerdos me ahoguen,
No quiero ser víctima ni llorar.
Vientos del sur sobre montevideo,
Vientos del sur no me hagan pensar.

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Otra cosa es con guitarra (Anselmo Grau)

Cuando suena una guitarra
siento que la vida mia
se desata en alegria
se me escapa en sentimiento
y desde el mismo momento
empieza a correr el vino
Es que me llama el destino
y me aprisiona en sus garras
por eso, china, te digo
que otra cosa es con guitarra

Yo se que estas empacada
lo mesmo que mula tuerta
porque han golpeado a tu puerta
las malas lenguas del pago
a decirte que soy vago
que vivo en la pulperia
que pa mi la noche es dia
que tu amor lo tomo en farra
pero yo, china te digo
que otra cosa es con guitarra

Acordate de aquel tiempo
que eras vos la flor del pago
Recibias los halagos
de tuita la paisanada
ni siquiera de reproche
hasta que en aquella noche
te encontre abajo e la parra
y vos misma confesaste
que otra cosa es con guitarra

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Caminito de tierra colorada (Agustin Bisio-Alan Gomez)

Caminitos de tierras coloradas
no los hay donde quiera.
Caminitos de tierras coloradas
son propios de Rivera.

En las tibias mañanas luminosas
resurgen con su brusco cuesta abajo
hendiendo las cuchillas arenosas
como un sangriento tajo.

Y parece que baja en sus orillas
todo el oro del sol,todo el oro del sol
convertido en las flores amarillas
de la vulgar y humilde mariamor

Como el tiempo se cambian sus matices
de ocre viejo se impregnan si garùa
y la tarde de junio con sus grises
su sepia melancolica acentùa

Y lo llenan de baches y de zanjas
al tràfico continuo de los dias
en invierno camiones de naranjas
y en verano carretas de sandias.

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Principe Azul (Horacio Buscaglia-Mateo)

Sueño de principe azul,
nena chiquita eres tú,
luna de queso tendrás...
donde la luna saldrá.

Suenan las doce y tendrás
zapatitos de cristal,
príncipe azul ya vendrá
ratón chico lo traerá.

Cuando despiertes del sueño,
ya no tendrá luna el cielo,
debes salir a buscar ese verso.

Sigue tu sueño mejor,
bosque encantado tendrás,
junta conejo tambor...
y las plantas al brillar.

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Botija de mi pais / Fragmento de "Te Parece"(Ruben Rada)

Botija de mi país,
espero que seas feliz
vistiendo de amor a tus hermanos.
Botija reí, reí,
que el tiempo que vos vivís
mañana será un lindo pasado.

Botija de mi país
si un día te recibís
déjate embriagar por los tambores,
sólo dejate llevar
y nunca lo olvidarás,
tu vida será siempre un candombe.

Botija de mi país,
si libre quieres vivir,
no dejes de hablar con tus hermanos.
Si te quieren reprimir
júntate con cinco mil
y juntos repiqueteen las manos.

Botija de mi país,
si libre quieres vivir,
no dejes de hablar con tus hermanos.
Si te quieren reprimir,
juntate con cinco mil,
y juntos repiqueteen las manos.

(El hombre blanco continuando su rutina
ya barrió con el Cuareim y barrió Ansina
y no comprende en la fe que lo empecina
el folclore de los negros extermina)

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Arma de doble filo ( Dino)

Arma de doble filo la soledad cabalgando, cabalgando
con cada madrugada que se te va escapando, escapando.
Es aquel dedo frío que siempre está arañando, arañando.
Es la vieja mentira que se asomó recordando, recordando.

Mal compañera de viaje la soledad.

Me atrapa cuando estoy para milonguear tarareando, tarareando
no suelta hasta que me hace llorar, me emborracha susurrando
y mientras beso el pecho de una mujer o la abrigo descansando
espera porque sabe que volveré a su lado rezongando.

Mal compañera de viaje la soledad.

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Balada para una mujer flaca (Darnauchans-Bismark Vega)

El sol que sale y sin embargo el frío
y por los mundos te busco en vano
entre adoquines de espanto y casas cansadas
y puertas olvidadas de su voz.

Mis pasos suenan en el alba muda
y no hay conejos en tu balcón.
Y la soledad gata mía en el umbral
de una catedral de sueños...

Como quisiera escribir una canción
que te volviera loca
y volarte tres años atrás
mujer flaca.

Que no asesine el movimiento muerto de los días
tus versos limpios en el cementerio
escudriñando entre lápidas severas
el nombre del nombre que tuvo la risa.

Un cielo cínico de planos grises inclinados
cubre la plaza como un cielo raso.
Ya no hay mañana esta mañana por aquí
bajo las rotas mejillas de abril...

Como quisiera escribir una canción
que me volviera otro
o yo mismo tres años mejor
mujer flaca.

De tu ventana hasta aquel jueves santo ¿cuánto queda?
aquel milagro de carretera
con el pulgar paralelo a la sonrisa
y tu temblándome en el costado.

Como quisiera escribir un vuelo
para volver un canto
que nos corra el olvido y el fin
mujer flaca.

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Pichonero (J Carbajal)

Desde el Rosario Oriental
baja con el mismo nombre
arroyito de agua dulce,
vestido de camalotes
lagrimas de un niño pobre
da al rio grande como mar
mezclandola con la sangre que le regara el ceibal
Del tembleque a La Mulada
todo el dia debe andar
el silencio es su baqueano
y la piedra su puñal, lo miran las pasionarias
flores de mburucuya
y en sus frutitos naranjas sus penas puede endulzar

cazando cazando el pichonero va
piecitos descalzos por el espinal
su bolsa vacia quisiera llenar
aun queda un buen trecho para caminar

Se acerca la noche del lado del mar
empujando el dia por el pajonal
camino de piedra para regresar
aun queda un buen trecho para caminar

llanto palomero, se puede escuchar
cien nidos sin hijos
y un nido con pan
el que nace pobre aprende a matar
cuando muera el hambre
pichoneros ya no habrá

cazando cazando el pichonero va
piecitos descalzos por el espinal
su bolsa vacia quisiera llenar
aun queda un gran trecho para caminar

----------------------------------------------

Milonga de andar lejos (D Viglietti)

Qué lejos está mi tierra
Y, sin embargo, qué cerca
o es que existe un territorio
donde las sangres se mezclan.

Tanta distancia y camino,
tan diferentes banderas
y la pobreza es la misma
los mismos hombres esperan.

Yo quiero romper mi mapa,
formar el mapa de todos,
mestizos, negros y blancos,
trazarlo codo con codo.

Los ríos son como venas
de un cuerpo entero extendido,
y es el color de la tierra
la sangre de los caídos.

No somos los extranjeros
los extranjeros son otros;
son ellos los mercaderes
y los esclavos nosotros.

Yo quiero romper la vida,
como cambiarla quisiera,
ayúdeme compañero;
ayúdeme, no demore,
que una gota con ser poco
con otra se hace aguacero

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Guri pescador (Osiris R Castillos)

Hay un reino bajo el agua
un sauce me lo contó
donde el pejerrey escucha y canta el bagre cantor.
En la taipa de un asube
yo ví un gurí pescador
que confundiendo a las piavas
les cantaba esta canción.
Tararira - Tararira que arisca y sabia que estás
anzuelo que cae al agua mojarra que te llevás
pica pica Tararira plata viva del juncal
mientras no se corte el hilo
junto al agua me hallarás.
Y yo que crecí en silencio
bajo los sauces del Yí
cobrizo de soles largos comprendo bien ...

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Los boliches

(Ignacio Suárez - Yamandú Palacios)

Otra vez los boliches nocturnos,
amarillos de sueños perdidos,
quinieleros de suertes extrañas,
azulados en humos y vinos.

Viejas radios rezongan canciones,
un Gardel arrullando su trino,
y en la mano madera de un tango,
un borracho camino al ayer.

Desgastadas paredes que miran
sin fervor, sin asombro las cosas,
por el ojo de buey descordado
de un reloj que hizo el tiempo y murió.

Opacados espejos que imitan
otra vida mejor, o la misma,
marioneta de pan en la niebla
tras un sol empañado de alcohol.

La soledad, con el alcohol,
suelta un gorrión, que por el aire del alma se va.
Con el alcohol, la soledad,
tibio gorrión que por el aire del alma voló.

El boliche conversa en silencio
sus palabras de vidrio y tabaco,
cuando llueve las sombras florecen
desolados versos de papel.

Los amantes se buscan el alma,
naufragados de urgencias preguntan,
y el destiempo les duele en el alma,*
laberintos de mar el amor.

La soledad, con el alcohol,
suelta un gorrión, que por el aire del alma se va.
Con el alcohol, la soledad,
tibio gorrión que por el aire del alma voló.
Y otra vez vuelvo a buscar,
boliche viejo en tu ayer, lo que nunca volverá.

----------------------------------------------------------------------------------

Al Paco Bilbao (Rubén Lena)

Venimos desde el pueblo,
de la raiz del pueblo
y a cantar…
y en la noche se abre,
y en la noche se abre
toda nuestra emoción.

Venimos desde lejos,
del hondo y misterioso carnaval,
el hombre es un muñeco,
el hombre es un muñeco
de sueños nada más.

La luna olimareña
nos ha visto esperar,
soñando con las luces,
soñando con las luces
de un viejo carnaval.

Venimos desde el pueblo
de la raíz del pueblo
y a cantar…
y la noche nos pone,
y la noche nos pone
alas en nuestra voz.

Somos el sueño humilde
que trae su mensaje
y ya se va
como una serpentina,
como una serpentina
que vuela por llegar.

La luna olimareña
nos ha visto esperar,
soñando con las luces,
soñando con las luces
de un viejo carnaval.
Soñando con las luces,
soñando con las luces
de un viejo carnaval…
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Rio de los pajaros/ Fragmento de Garzas viajeras (A Sampayo)

El Uruguay no es un rio
es un cielo azul que viaja
pintor de nubes ; camino
con sabor a mieles ruanas.

Los amores de la costa
son amores sin destino
camalotes de esperanzas
que se va llevando el rio.

Chua...chua...chua ja..ja..já
no cantes mas torcacita
que llora sangre el ceibal.

Morenita lavandera
biguacita de la costa
enrollate la pollera
ponete a lvar la ropa

Tu madre cocina charque
tu padre fue rio arriba
y voa te quedastes sola
lavando ropa en la orilla

Canoita pescadora
aguantame el temporal
si mis brazos no se cansan
remando te he de sacar

Guricito, pelo chuzo
ojitos de yacaré
barriguita chifladora
lomito color café

(Ya ve paisano, yo anido entre pajonales,
pase si gusta........ compartir.)
-

F Cabrera presenta "Canciones propias"

2010-10-28T11:43:00.000-07:00

“Es una deconstrucción, y una vuelta a construir”

Fernando Cabrera editó "Canciones propias", un disco donde versiona 16 temas del cancionero popular uruguayo, urbano y criollo. “Hay una primer lectura para hacer que es la del homenaje, traer a colación cosas que pertenecen a otra época. Eso es lo primario y lo más evidente y es cierto”, dijo el cantautor sobre este trabajo, en el que a la vez “hay una cuestión del gusto por hacer versiones, meterse en una canción que ya existe, que uno ya tiene incorporada, los basamentos, los cimientos del cancionero nuestro y dar...cómo lo harías tú”.

Buscando material de El Sabalero hace tiempo, dos años, esquivando clásicos, porque en el caso de él son todos temas imperecederos, busqué una canción que hasta en mi memoria había pasado un poco desapercibida, que es de su primer disco, del año 69” dijo Fernando Cabrera a propósito de la canción Pichonero, del recientemente fallecido José Carbajal, que incluyó en este nuevo trabajo.

“Cuando El Sabalero debuta, que tenía 20, 21 años, saca su primer disco, y en él ya hay cuatro o cinco clásicos absolutos del cancionero uruguayo, Chiquillada...entre todo ese material fabuloso estaba esta canción no menos fabulosa que es Pichonero” evocó Cabrera.

Para el músico se trata de una composición “preciosa, que nombra topónimos y regiones de toda la zona de él, de Rosario, Juan Lacaze, del arroyo tal y cual. Habla de la flor de mburucuyá y un niño que tiene que cazar pájaros para vivir y venderlos en la feria”.

Canciones propias es un disco de versiones que supuso para el intérprete “una deconstrucción”, afirmó, “ cito a Liliana Herrero porque ella es medio filósofa, y una vuelta a construir”.

El disco se presentará en avant premiere el 5 y 6 de noviembre en el teatro Lindolfo.

para escuchar la entrevista : http://www.sodre.gub.uy.asp1-4.websitetestlink.com/Sodre/tabid/83/Default.aspx?idNoticia=12904&ref=nf

Soledad Bauzá

Fernando Cabrera en "La habitación china"

2010-10-26T18:43:00.000-07:00

Una canción por hacer

2010-10-22T20:31:00.000-07:00

Las personas que homenajeo en este disco son las que hicieron la carretera, sobre lo que antes era apenas un pedregal", dijo Fernando Cabrera sobre su disco "Canciones propias", en el que versiona a dieciséis artistas emblemáticos de la música popular uruguaya. El cantautor habló con Montevideo Portal sobre este nuevo trabajo, los desafíos de la interpretación y el legado de artistas como el recientemente fallecido José Carbajal.

Fernando Cabrera se prepara para presentar "Canciones propias", su nuevo disco compuesto por dieciséis versiones de temas emblemáticos de nuestro repertorio popular. Canciones de Marcos Velázquez, Alfredo Zitarrosa, Pablo Estramín, Daniel Viglietti, Eduardo Darnauchans y José Carbajal, entre otros, conforman el mapa sonoro del que el músico se apropia.

La entrevista con Montevideo Portal comenzó por el tema excluyente de la jornada: la muerte de "El Sabalero", que sumió al país en una profunda tristeza y a quien Cabrera, a modo de regalo que terminó siendo póstumo, había decidido homenajear incluyéndolo en el track 11 de su disco: "Pichonero".

"Fue muy sorpresivo porque nadie se sospechaba que podía pasar, no estaba enfermo. Fue una sorpresa, era un hombre joven todavía y estaba en plena actividad", dijo Cabrera, que reconoció estar muy conmovido por la situación y lamentó que El Sabalero no haya podido escuchar su versión de "Pichonero".

"El disco está pronto a volver de la fábrica, que es en Argentina, en estos días. Estaba esperando tener un ejemplar en mis manos para llevárselo y mostrarle mi versión del Pichonero que me gusta mucho como quedó. Es de lo mejor del disco. Quería mostrarle cómo si bien está tocado con otros instrumentos, lo está respetando de una manera casi literal el arreglo original de la canción que aparece en su primer disco, del año 1969", comentó.

"No me dio tiempo de mostrárselo, me quedo con esa pena. Estoy seguro que le iba a gustar mucho. Respetamos la atmósfera original de la canción", agregó.

Consultado sobre por qué eligió precisamente "Pichonero", Cabrera expresó que simplemente fue "porque me encanta esa canción. Es una canción que pasó un poco desapercibida en ese disco, fijate vos que un músico de 20 años saca su primer disco, y en ese disco hay no menos de cuatro o cinco clásicos absolutos de todo el repertorio uruguayo: Chiquillada, A mi gente, Los Panaderos, La sencillita. Es increíble. Y está Pichonero, que es una canción hermosa", contó.

"A mí me gustan mucho las canciones que tocan o que refieren a topónimos y lugares del interior, un arroyo, una zona, los nombres de las regiones. Esta canción tiene eso, aparte de contar una preciosa historia de un niño que se ve en la obligación de cazar pájaros para venderlos en la feria. Es una hermosa canción y quedó muy bien", expresó.

"Me quedo con esa pena, también compartida con el fallecimiento de Marcos Velázquez hace un mes, que con la canción de Marquitos abrimos el disco, El tero tero. Ninguno de los dos pudieron escuchar esto", se lamentó.

Cabrera reflexionó sobre estas dos muertes tan cercanas en el tiempo, y consideró que son días muy movilizantes. "Es tremendo. Esto me hace acordar hace unos años cuando se murieron prácticamente juntos Lazaroff, Zitarrosa y Mateo en el lapso de unas semanas. Pero bueno, están allí. Cada uno pasa por la vida el tiempo que les toca pasar y en el caso de la gente que estamos hablando dejaron tremenda obra, un tremendo legado para todos nosotros. Cuando uno dice la palabra clásico significa precisamente que están fuera del tiempo. No son de hoy ni de ayer, son de todos los tiempos. El Sabalero nos dejó varios", concluyó.

"Sentir que tengo algo para opinar al respecto"

"Mis preferencias", responde el músico al ser interrogado sobre en base a qué criterios realizó la selección de las dieciséis canciones del disco. "Vengo haciendo esto hace muchos años, interpretar canciones de otros con variantes a veces tajantes en cuanto al enfoque. Y siempre elijo en base a la misma idea: me tengo que sentir muy cómodo y tengo que sentir que tengo algo para opinar al respecto. Que la canción me ofrece una apertura, donde poder poner alguna cosa propia, alguna idea mía, y modificarla un poco. Si la canción no me ofrece eso, prefiero no hacerla", contó.

"Una razón por la que me siento atraído por una canción ajena es que me de la posibilidad de variarla un poco, intervenirla. Deconstruirla y volverla a armar, diría Liliana Herrero, que es medio filósofa y le encanta hablar en esos términos", reflexionó.

Entonces, ¿qué grado de Cabrera hay en estas versiones? "Altísimo", responde. "En todas apliqué esa cuestión. Si no es en los arreglos es en el canto, y si no es en el canto es en las letras. Me permitía, en algunos casos, re-estructurar el orden de las estrofas o disminuir algunos versos. Todas están sumamente intervenidas. Creo que si alguien comprara el disco sin saber, un extranjero que no conociera estas canciones que todos los uruguayos conocen, pensaría que son canciones mías", dijo.

"De ser oportuno, de no recargar"

Todos los temas de "Canciones propias" fueron un desafío, pero "algunos fueron más radicales que otros", reconoce el cantautor. "Me costó trabajo 'Los boliches', con letra de Nacho Suárez y música de Yamandú Palacios. Esta canción yo la escuchaba en Discodromo allá por el año 69 y me dejaba trastornado, porque es una canción extensa, tiene un milongueo muy lindo y va diciendo cosas tremendas. La letra es brutal, es de un nivel poético altísimo, las mejores imágenes que ha inventado el Nacho están en esa canción. Y me costó porque tuve la idea de traspasarla a un lenguaje más beatlesco y llevó trabajo", explicó.

"Otra que costó trabajo fue 'Gurí pescador', de Osiris Rodríguez Castillos, clásico de los clásicos, donde me metí a hacer un rompimiento radical de la canción original, e intervienen una cantidad de elementos sonoros no propios de la música popular. Usé una enorme cantidad de sonidos que tengo guardados de mil épocas, de instrumentos tocados de verdad, de muchísimas músicas que he hecho, bandas sonoras para teatro y cine, una cantidad de cosas que me han quedado. Armé un collage, un mapa sonoro muy cambiante, pero creo que muy conectado con la canción y con esa atmósfera de nuestra música criolla", señaló.

A pesar de este "mapa sonoro", la fórmula de interpretación permanece fiel a la convicción de Cabrera de seguir un camino minimalista. "El disco fue grabado casi en vivo, la banda tocando en el estudio y yo grabando las voces de inmediato. Hubo un trabajo muy lindo, muy rico de los músicos, pero todos bajo esa premisa de no abusar, no sobrecargar, no ser demasiado denso en las cosas que uno toca", explicó.

"Todos tocamos así: Federico Righi, el bajista, Ricardo Gómez, el baterista, Germán Klang, el tecladista y yo. Entonces se dan cosas muy interesantes y a la vez muy orquestales, porque de eso se trata la orquestación, de ser oportuno, de no recargar. Los resultados fueron muy buenos, quedamos muy conformes, estoy deseando que el disco salga para que la gente lo pueda escuchar", concluyó.

"Las que hicieron la carretera, cuando antes era apenas un pedregal"

Consultado sobre cómo ve el producto final de "Canciones propias" y sobre todo qué significado tiene para él ese puñado de canciones versionadas, Cabrera expresó que lo considera "como una entrada mía en la música que más amo, que son estos 50 años de canción uruguaya".

"Una entrada mía con libertad, a la par que con inmenso respeto y conocimiento profundo de las versiones originales. No estoy tocando de oído, por usar una metáfora que tiene mucho de musical. Por el contrario, hay un conocimiento profundo de todos esos autores, con los cuales estoy en contacto desde mi infancia", agregó.

"Empecé a tocar la guitarra en 1963 y las primeras canciones que toqué fueron de Aníbal Sampayo, de Osiris Rodríguez Castillos, de Zitarrosa. Este material está en mí desde hace no menos de 45 años, es la gente que preparó el camino para que los de mi generación y las posteriores encontráramos todo ya bastante fácil. Ellos fueron los pioneros, antes que ellos no había nada, había canciones aisladas. Hoy ningún uruguayo siquiera piensa en si tenemos o no un cancionero, porque lo tenemos y es brutalmente rico. Pero hace 50 años no había un cancionero uruguayo", señaló.

"Las personas que homenajeo en este disco son las que hicieron la carretera, sobre lo que antes era apenas un pedregal. Hicieron la ruta por la que ahora nosotros vamos cómodos: la curva está bien hecha, el puente está en su lugar", valoró.

"Una belleza que el destino pone a mi paso"

Por último, Cabrera reflexionó sobre las versiones pero desde el otro lado del mostrador, ya que muchos artistas han elegido canciones de su autoría para interpretar con mayor o menor fidelidad al original. Sobre este punto, el músico dijo que jamás opina sobre las canciones suyas de las que otros se apropian.

"Todas me parecen bien. Todas me parecen una maravilla. El único comentario que se me puede ocurrir es de agradecimiento. No debe haber nada más gratificante para un compositor, que un colega elija una canción tuya para hacer, porque la elección de una canción de otro implica siempre una gran comunión. Nunca nadie va a cantar algo que no le guste, sería absurdo. Quiere decir que ya en el hecho de elegir una canción mía para cantar, esa persona está dando a entender que valora lo que hago y que se emociona con ello. Entonces ahí pierdo toda objetividad, y escucho esa canción siempre como un mimo, una caricia, una belleza que el destino pone a mi paso", destacó.

***

Fernando Cabrera ofrecerá dos conciertos a modo de "avant premier" de su nuevo disco, "Canciones propias". La cita en en Lindolfo, el 5 y 6 de noviembre.

Montevideo Portal.

Con silbos de tristeza- Cabrera habló sobre el Sabalero

2010-10-21T11:33:00.000-07:00

Fernando Cabrera, que acaba de editar un disco en que versiona canciones emblemáticas de la música nacional, dijo sentir "mucha pena" por la muerte de José Carbajal y contó que no pudo mostrarle la versión de "Pichonero" que realizó. Entrevistado por Montevideo Portal, Cabrera destacó el talento "increíble" del Sabalero, que con 20 años compuso "no menos de cuatro o cinco clásicos absolutos de todo el repertorio uruguayo".

Fernando Cabrera acaba de editar su nuevo disco "Canciones propias", un repertorio de versiones de canciones emblemáticas de la música popular uruguaya que saldrá a la venta en los próximos días y tendrá su "pre-estreno" el 5 y 6 de noviembre en Lindolfo.

En un pasaje de la entrevista realizada con motivo de este lanzamiento, dialogamos con el cantautor sobre el reciente fallecimiento del músico José Carbajal, alias "El Sabalero", autor de uno de los temas que Cabrera versiona en su disco, "Pichonero".

"Fue muy sorpresivo porque nadie se sospechaba que podía pasar, no estaba enfermo. Fue una sorpresa, era un hombre joven todavía y estaba en plena actividad", dijo Cabrera, que reconoció estar muy conmovido por la situación y lamentó que El Sabalero no haya podido escuchar su versión de "Pichonero".

"El disco está pronto a volver de la fábrica, que es en Argentina, en estos días. Estaba esperando tener un ejemplar en mis manos para llevárselo y mostrarle mi versión del Pichonero que me gusta mucho como quedó. Es de lo mejor del disco. Quería mostrarle cómo si bien está tocado con otros instrumentos, lo está respetando de una manera casi literal el arreglo original de la canción que aparece en su primer disco, del año 1969", comentó.

"No me dio tiempo de mostrárselo, me quedo con esa pena. Estoy seguro que le iba a gustar mucho. Respetamos la atmósfera original de la canción", agregó.

Consultado sobre por qué eligió precisamente "Pichonero", Cabrera expresó que simplemente fue "porque me encanta esa canción. Es una canción que pasó un poco desapercibida en ese disco, fijate vos que un músico de 20 años saca su primer disco, y en ese disco hay no menos de cuatro o cinco clásicos absolutos de todo el repertorio uruguayo: Chiquillada, A mi gente, Los Panaderos, La sencillita. Es increíble. Y está Pichonero, que es una canción hermosa", contó.

"A mí me gustan mucho las canciones que tocan o que refieren a topónimos y lugares del interior, un arroyo, una zona, los nombres de las regiones. Esta canción tiene eso, aparte de contar una preciosa historia de un niño que se ve en la obligación de cazar pájaros para venderlos en la feria. Es una hermosa canción y quedó muy bien", expresó.

"Me quedo con esa pena, también compartida con el fallecimiento de Marcos Velázquez hace un mes, que con la canción de Marquitos abrimos el disco, El tero tero. Ninguno de los dos pudieron escuchar esto", se lamentó.

Cabrera reflexionó sobre estas dos muertes tan cercanas en el tiempo, y consideró que son días muy movilizantes. "Es tremendo. Esto me hace acordar hace unos años cuando se murieron prácticamente juntos Lazaroff, Zitarrosa y Mateo en el lapso de unas semanas. Pero bueno, están allí. Cada uno pasa por la vida el tiempo que les toca pasar y en el caso de la gente que estamos hablando dejaron tremenda obra, un tremendo legado para todos nosotros. Cuando uno dice la palabra clásico significa precisamente que están fuera del tiempo. No son de hoy ni de ayer, son de todos los tiempos. El Sabalero nos dejó varios", concluyó.

Montevideo Portal

Canciones propias

2010-10-20T10:38:00.000-07:00

para escuchar un adelanto: http://www.tacuabe.com/cabrera/nuevo-disco/

Canciones propias

2010-10-12T17:13:00.000-07:00

"Son 16 temas de quienes empezaron a hacer nuestra música en la década de 1960. Artistas criollos y urbanos. Esto es algo que nunca hice: tomar canciones de otros y transformarlas. Desde que empecé, todos mis trabajos tuvieron composiciones solo mías".
Fernando Cabrera.

1. El tero tero (MARCOS VELÁSQUEZ)
2. Si tevas (ALFREDO ZITARROSA)
3. Morir en la capital (PABLO ESTRAMÍN)
4. Vientos del sur (GASTÓN CIARLO, “DINO”)
5. Otra cosa es con guitarra (ANSELMO GRAU)
6. Caminitos de tierra colorada (AGUSTÍN BISIO – ALÁN GÓMEZ)
7. Príncipe azul (HORACIO BUSCAGLIA – EDUARDO MATEO)
8. Botija de mi país / Te parece (RUBEN RADA)
9. Arma de doble filo GASTÓN CIARLO, “DINO”)
10. Balada para una mujer flaca (EDUARDO DARNAUCHANS – BISMARK VEGA)
11. Pichonero (JOSÉ CARBAJAL, “EL SABALERO”)
12. Milonga de andar lejos (DANIEL VIGLIETTI)
13. Gurí pescador (OSIRIS RODRÍGUEZ CASTILLOS)
14. Los boliches (IGNACIO SUÁREZ – YAMANDÚ PALACIOS)
15. Al Paco Bilbao (RUBÉN LENA)
16. Río de los pájaros / Garzas viajeras (ANÍBAL SAMPAYO)

Cabrera y una cajita de Fósforos.......

2010-10-12T06:16:00.000-07:00

Cada presentación de Fernando Cabrera a solas con su guitarra es mágica. En ambas bandas del Rio de la Plata, el cantautor Uruguayo genera un aura de admiración y misterio que se trasluce en un silencio devoto y una sucesión de ovaciones al final de cada una de las gemas de su repertorio.
Verlo en vivo constituye, de por si, un argumento para ser musicalmente optimistas.
Cabrera tiene colección de canciones memorables, que son amasadas como exquisiteces en cada nueva interpretación. La casa de al lado, Punto muerto, Por ejemplo, Te abracé en la noche, Pandemonios, Diseño de interiores.
Hay que escucharlas, simplemente, y absorver el golpe que impacta en una fibra de sensibilidad única.
Sin embargo, el show alcanza su cénit cuando con una cajita de fósforos a modo de shaker como único acompañamiento interpreta la mejor canción uruguaya de este milenio: Viveza es una visión panóptica de la Ciudad vieja de Montevideo, de un viejo artista que llega al fin de su carrera, de la viveza criolla y del mundo en general.
Cabrera se inspiró en la costumbre de esos parroquianos cariocas que, acomodados en la barra de un bar, le sacan ritmo a una cajita de fósforos. Su Swing es melancólico, intimo y sutil.
Su canción diminuta se hace humo y hace historia.
H.I
Revista Rolling stone nr 150

Cabrera en Disco Tributo a os Mutantes

2010-10-08T05:02:00.000-07:00

Para empezar por el principio hay que decir que Os Mutantes fue y es el grupo referente a nivel mundial de la fusión entre el tropicalismo y el rock, con toda la locura y sicodelia que caracterizó a los años ’60. Desde San Pablo en 1966, el trío que formaron Rita Lee (sí, así empezó su carrera la cantante) y los hermanos Arnaldo Baptista y Sérgio Dias, se reveló como una propuesta de vanguardia sonora. Como una coctelera caliente que mezclaba lo mejor de lo que en ese momento era la nueva música popular del Brasil, con la actitud y la ironía del rock a flor de piel; pensemos que en 1968 cuando salen los primeros discos de Os Mutantes en su país, en Londres los Beatles grababan su álbum blanco. Y lo que estaba naciendo en Brasil era nada menos que la tropicalia, encabezada por Caetano Veloso, Gilberto Gil, Gal Costa, Tom Zé, Nara Leao y otros, con los cuales tocaron, grabaron y se relacionaron Os Mutantes durante años para revolucionar la canción en el sur del mundo. La influencia de ese movimiento, y de Os Mutantes en particular, sobre las futuras generaciones de jóvenes músicos populares en toda Latinoamérica es significativa, y este disco es una cabal muestra de eso, con el amplio abanico de artistas y países que lo conforman.

Un verdadero y original tributo a una banda, que si bien sigue en la actualidad con una formación renovada, fue en sus primeros años de existencia cuando marcó un camino de apertura. Ese camino lleno de riesgo artístico, de rock con impronta experimental y belleza enigmática, es hoy retomado con respeto por una selección de propuestas actuales de distintos géneros y reconocimiento. Y atención con los nombres que conforman El Justiciero, cha, cha, cha, reflejando todo esto que antes decíamos, bien mezclados. Hay versiones de Aterciopelados (Colombia), Martín Buscaglia (Uruguay), Café Tacvba (México), Rosal, Pablo Dacal y la Pequeña Orquesta Reincidentes de la Argentina, entre artistas españoles y muchos más. Aparecen cruces muy interesantes como el de Liliana Herrero y Arnaldo Antunes, haciendo a dúo la emotiva canción Beija-me amor. La atrapante versión de Ave Lucifer por La Manzana Cromática Protoplasmática que abre el disco, o el country pop de Raúl Refree (España). En esta obra de singular eclecticismo hay espacio para todos, desde el minimalismo encantador y solitario del uruguayo Fernando Cabrera, pasando por la intimidad que le ponen Manuel Onis y Ana Prada, o el aire tanguero de Omar Gianmarco, hasta el hit A minha menina que reinterpreta Fito Páez a toda orquesta. El disco tiene una impronta claramente pop, pero con muchos climas distintos; donde cada artista participante pone su carácter y sonoridad, lo que le da riqueza tímbrica y de arreglos. Se hace muy llevadera la escucha por eso, y porque con 18 temas pueda parecer largo, hay piezas que son muy cortas y se complementan todas muy bien. Este disco tributo que involucró un arduo trabajo de varias personas en Brasil y la Argentina, se edita en ambos países en forma independiente y en sintonía con las ideas de los homenajeados, que además participaron de manera activa: Sergio Dias canta junto a Aterciopelados en el track 2, y Arnaldo Baptista fue el autor de la pintura de la tapa del CD, que fue intervenida por el diseñador Martín Pérez.
Se convierte así en un producto especial, para disfrutar de una musicalidad sin tiempo, y que de la mano de todos estos artistas toma otra dimensión hacia el futuro. Una linda locura que se disfruta, ¡y mucho!

1. Ave Lucifer (La Manzana Cromática Protoplasmática)
2. Vida de cachorro (Aterciopelados + Sergio Días)
3. Hey boy (Rosal)
4. Beso exagerado (Martín Buscaglia)
5. O relogio (Café Tacvba)
6. 2001 (Raúl Refree)
7. Beija-me amor (Liliana Herrero - Arnaldo Antunes)
8. El justiciero (Omar Giammarco)
9. Mutantes e seus cometas no pais dos baurets (Fernando Cabrera)
10. No te vas a perder por ahí (Pablo Dacal)
11. Cualquier bobada (Manuel Onis)
12. Balada del loco (La Chicana)
13. Minha menina (Fito Páez)
14. Disculpe, babe (Silvia Pérez)
15. Panis et circenses (Pequeña Orquesta Reincidentes)
16. Fuga N II (Ana Prada)
17. Baby (Carlos Casacuberta)
18. Asdrúbal e seus cometas no país do baurets (Asdrúbal)

Producido por Arthur de Faría, Manuel Onis y Humphrey Inzillo

Faltan Músicos evolucionistas (entrevista 1998)

2010-10-02T08:42:00.000-07:00

Luego de un gran trabajo como Fines, Fernando Cabrera pudo decir “hasta aquí llegué” o andar arrastrando tras de sí la sombra de esa gran obra . Le pasa a la mayor parte de los músicos que hacen un disco importante: el fantasma de sus mejores cosas comienza a perseguirlos, condenándolos a una reiteración de lo ya hecho (que nunca acaba siendo tan sublime como la primera vez) o degradándolos hasta la torpeza compositiva.

Cabrera se quitó ese peso de encima. Acaso intuitivamente, respiró hondo y sin apuro, enfiló hacia otra dirección: Río (1996). Un disco “extraviado”, que busca pero no encuentra. Un disco que no se entendía solo y que para integrarlo como pieza flotante necesaria, requería la aparición de su nuevo trabajo Ciudad de la Plata.

Por momentos arriesgadísimo, Ciudad de la Plata es, en lo sustancial, una obra de reencuentro con las diferentes etapas musicales de Fernando Cabrera en modo de síntesis. Por allí pueden hallarse sonoridades que remiten a sus primeras épocas, canciones que de a ratos se parecen a cosas salidas de sus discos Baldío, El viento en la cara o El tiempo está después. Extrañamente, hay que rastrear con minuciosidad para dar con un fragmento extrapolado de Fines.

TODAS LAS FUENTES

--Cuando a los músicos les preguntan sobre su mejor disco, dicen que el último es el mejor. ¿A vos te pasa lo mismo?

--Parece ser una muletilla de los músicos eso. Quizás alguna persona desconfíe incluso porque podría pensarse que es un ardid publicitario también. Por lo que a mí me sucede, creo que es algo que está más allá de la posible objetividad pero no por eso deja de ser franco, verdadero. Porque uno está un año, dos años metido en alma y vida en el proyecto de componer y grabar un disco, y me parece que sucede algo muy natural que se repite en todos los casos y que es que el creador, el que está haciendo ese trabajo, de algún modo se enamora del material. No hay objetividad posible y siempre te parece lo mejor lo que estás haciendo en ese momento. Capaz que no es cierto pero cuando alguien dice eso, es sincero.

--¿El artista necesita distancia temporal para poder ver ese disco junto a los demás?

--Exacto.

--¿Cuál es tu mejor disco dejando de lado Ciudad de la Plata?

--Me parece que mi carrera es despareja y que no hay un disco mejor que el otro. Todos tienen virtudes y defectos. Me gustan zonas de cada uno y por eso no tengo un preferido. Lo que te puedo decir es que todos fueron muy disfrutables a la hora de hacerlos.

--¿Cuesta ser crítico de la propia obra?

--A nadie le gusta criticarse a sí mismo. Si yo quisiera podría ser mi más feroz crítico y decir que el noventa y nueve por ciento de las cosas que hago no me gustan. Ahora, si digo eso en un reportaje, un flaco favor me estaría haciendo publicitariamente. Entonces, tengo que decir que me gustan todos y que los quiero a todos como hijos por igual.

--Zitarrosa sigue vendiendo y sin embargo en un reportaje dijo que él no toleraba escucharse cantando…

--Bueno, Zitarrosa era un artista de altísimo nivel que se podía permitir los caprichos o las contradicciones que quisiera tener. Dijera lo que dijera en las entrevistas, su obra es magnífica.

--En cada disco tuyo existe una preeminencia estilística que pauta algunos cambios, pero en Río el cambio vino por otro lado…

--En Río me había propuesto hacer un disco menos escéptico que los anteriores. De cualquier manera y a pesar de mis cambios de estilos, también pienso que es siempre lo mismo lo que estoy haciendo. Como que hay un sello personal que me identifica. Ya en Montresvideo, mi primera aparición discográfica de hace más de 20 años, te vas a encontrar con los elementos que estoy manejando hasta el día de hoy.

--Sin embargo, otros músicos dentro de sus sellos personales se reiteran hasta el cansancio.

--Es que ellos cultivan un género. Yo nunca hice eso porque desde muy joven, desde antes de ser músico, hice hincapié en que el repertorio debía ser variado en cuando a géneros, estilos, ritmos y épocas. Para mí, la música es todo lo que suena. Los elementos que utilizo para mi música están pasados por una diversidad de fuentes porque nunca tuve el prejuicio de decir ‘me gusta este género y nada más, y todo el resto es una porquería’. Para colmo, la influencia de los Beatles que tenían este planteo también, y que si vos tomás cualquiera de sus discos y escuchás dos canciones que aparecen consecutivamente, te vas a encontrar con dos diferentes atmósferas y con la utilización de diferentes instrumentos, como si esas dos canciones estuvieran interpretadas por grupos distintos. Esa impronta me quedó para siempre: que cada disco tenga variedad de estilos.

LA VETA NACIONAL

--En todos tus discos hay una fuerte presencia de lo nacional, mezclado con otras cosas, y en una especie de puesta a punto con la época. ¿Por qué no hay más músicos que exploten esa veta?

--Hay una indiferencia en los músicos. El Uruguay tiene una cantidad de géneros propios y estilos en su folclore, y una de las cosas que yo intento hacer, aprovechando que tengo un público que me sigue, es de vez en cuando hacer una milonga, una vidalita, una cifra, agarrar un tema que en su origen sea una chamarrita, aunque después esas músicas cambien un poco y sean modificadas por el tratamiento que les doy a la hora de los arreglos. Muchos de los grandes músicos de este país cultivan los ritmos urbanos como el candombe o la murga pero el folclore no. El folclore no tiene ningún Hugo Fattoruso, ningún Rada, ningún Jaime Roos, ningún Leo Maslíah. Y me parece perfecto que haya quien cultive la música urbana pero también debería haber artistas empapados en esa otra área. Capaz que yo soy un soñador y el folclore nuestro tiene que morir. Capaz que hay que tocar cada vez más globalizado.

--Sin embargo, hay una abundante masividad de músicos que trabajan el folclore en la vertiente tradicional…

--Sí, pero no lo cultivan, repiten lo mismo igual, siempre igual, siempre igual. No le aportan otras cosas, no lo hacen vivir.

--¿Te parece mal eso?

--No, me parece bien. Pero falta lo otro, faltan los músicos que tomen estos géneros y tengan otra actitud musical. Faltan músicos evolucionistas.

--¿Qué hay que hacer para que esa veta folclórica nacional continúe viva?

--Se necesitaría, que los más refinados músicos jazzistas y rockeros del Uruguay, hagan lo que hacen sus ídolos. Sus ídolos, jazzistas y rockeros de la cultura anglosajona, toman su folclore y lo desarrollan, lo refinan y ahí, van haciendo toda esta hermosa música que es el jazz, el blues y luego el rock. Eso mismo tienen que hacer los músicos de acá. Utilizar esa actitud evolucionista y aplicarla a los ritmos nuestros, inventando nuevas formas de interpretar y nuevos estilos. Habría tanto para desarrollar…

--Y algunos folcloristas tradicionales, ¿no podrían desempolvarse un poco?

--También. Pero de repente no tienen las herramientas para hacerlo. Ellos trabajan con los elementos que han usado desde siempre y van a seguir toda la vida con eso.

EL MISTERIO DE LA CREACIÓN

--¿Influye el estado de ánimo del artista a la hora de la composición?

--Influye pero no siempre el estado de ánimo es el mismo. Hay canciones en los discos, que responden a distintas épocas de mi vida y que pueden haber nacido de estados de ánimo diferentes. Inclusive, muchas de mis canciones no responden precisamente a una experiencia personal; puede ser que esté observando un hecho y escribiendo algo que vi o que me contaron..

--He notado en tu último disco, una fuerte presencia de cuestiones sociales. ¿Qué te llevó a eso? ¿La necesidad de contar lo que está pasando?

--Lo que está pasando no es muy novedoso porque viene sucediendo hace mucho tiempo pero parece ser que el tema no se toca. En la canción uruguaya de los últimos tiempos, el tema de la realidad social parece que no cuenta. Sin ningún ánimo político ni de nada, simplemente es el hecho de contar lo que ves por la ventana, una observación de la realidad. ¿Por qué en este disco me meto con este tema? No lo sé, porque te repito, esta situación no es nueva. Quizá a mí me rompa un poco los ojos ver que en este momento hay una situación de negar el tema, de negar la referencia a nuestra realidad social, que no es la mejor posible precisamente. Pero en el fondo son temas. En mi último disco hay, además de ese relato de lo que uno ve por la ventana, invenciones, temas que se meten a averiguar como somos los uruguayos, yendo hasta el pasado, hasta nuestros tatarabuelos para ver qué hicieron ellos que nos influyó a nosotros y determinó nuestra conducta actual. Yo hago canciones y para hacerlas tengo que encontrar un asunto inspirador.

--¿Buscás el tema o llega solo?

--Surge naturalmente. Si lo buscás difícilmente lo encontrás. A veces hay situaciones del oficio, músicas que hay que hacer de apuro para el teatro o arreglos para un disco y ahí, hay que recurrir al oficio. Ahora, en el momento de componer una letra sobre todo, prefiero esperar el tema porque por la experiencia que tengo, de esa manera es cuando en un altísimo porcentaje las cosas quedan bien. Cuando me fuerzo a escribir algo sobre tal asunto, nacen en general, las canciones que luego tengo que desechar o las más flojas del disco.

--En Ciudad de la plata, hay canciones de las más arriesgadas de toda tu carrera.

--No estaba en mi cabeza hacer cosas arriesgadas porque bueno, uno va juntando los materiales, va poniendo lo que considera más adecuado en cada canción, lo que cada canción necesita y así quedaron. No hubo una actitud de decir “voy a hacer un disco arriesgado”. Lo que pasa es que el proceso creativo es un misterio y es muy difícil teorizar sobre él. A mí por lo menos, nunca se me hizo fácil explicar cómo hago las canciones, cómo las compongo.

EL VALOR DE LA MÚSICA

--Además de su función de orientación del público, ¿el crítico puede contribuir a la tarea del artista?

--Todo depende. Puede haber críticos buenos y pésimos. Pero si es bueno y cumple su función con verdadero dominio, puede ser muy útil para todo el mundo, en el acierto o en el error.

--Al parecer, hoy abundan los reseñadores y faltan los críticos…

--Sí, de acuerdo…aunque esa quizá sea una situación también positiva. Porque más que meterse en el plano estético, más que opinar, más que sugerir, el reseñador se remite a informar, a hacer una crónica, a dar pautas.

--Sin embargo, para el mismo crítico puede ser tan bueno un disco de Fernando Cabrera como uno de Enrique Iglesias. ¿Son las dos propuestas válidas?

--Y de repente sí, por lo menos para sus respectivos públicos. Escuchás un disco de Enrique Iglesias y para los parámetros de su género, capaz que está perfecto. Lo que el crítico hace, es confirmar eso.

--¿Aunque esa perfección dependa de una concepción musical estancada?

--Usar mecanismos super trillados no quiere decir que la música no esté bien hecha.

--¿El valor de la música radica en la aceptación de la gente?

--No, el gusto de la gente no es lo que pauta el valor. En todo caso le da presencia, existencia.

--En la música que escuchás, ¿que elementos encontrás que la hacen importante para vos?

--Cosas afectivas que me despiertan algo, me recuerdan un sonido, me tocan una campanita en mi historia personal. Debe tener que ver con mi cultura, cómo era mi familia, mi entorno, mi barrio, mi clase social, mi época. Coexisten en una persona, muchos seres humanos al mismo tiempo.

--¿Qué es lo que hace que artistas como los Beatles o Zitarrosa, perduren, mientras que canciones nacidas recién ayer ya han sido olvidadas?

--Me parece que se trata de la conjunción de un alto nivel de calidad musical -no exento de experimentación- unido a la capacidad de conexión y de percibir la longitud de onda de las masas. Eso es un milagro y se da pocas veces.

--¿Para qué sirve el arte?

--Para distraer, para matar el tiempo, para comunicar; para entretener, para entre tenernos. Es una palabra que se puede desarmar y jugar con ella.

--¿Sos un hombre feliz?

--Mucho más de lo que yo esperaba. Cuando tenía dieciocho o veinte años, era un sueño que pensaba que estaba fuera de mi alcance, algún día subirme a un escenario, grabar un disco, que pasen una canción mía por la radio. He grabado un montón de discos, tengo un público que me sigue. Más no puedo pedir. Es demasiado.

LEONARDO SCAMPINI

*Publicado originalmente en El País Cultural nro.476 del 18 de diciembre de 1998.

"No pedí estudiar guitarra" (entrevista sept 2010)

2010-09-27T06:58:00.000-07:00

Fernando Cabrera está a punto de lanzar un nuevo trabajo: su primer disco de versiones. El repertorio incluirá16 temas de artistas uruguayos. El músico, que tiene 54 años, dice que nunca tuvo éxito y que recién ahora le están "pasando cosas maravillosas". Habla de su niñez en Paso Molino, de lo que fue tocar durante la dictadura y de su relación con Mateo.

En el mundo de la música su atraso, de poco más de diez minutos, es considerado inexistente. Llega algo despeinado. Se nota que no hace mucho que despegó su cabeza de la almohada. Cruza sin apuros la Plaza Matriz. Fernando Cabrera (54) es flaco, muy flaco, y la ropa parece quedarle un poco grande. Sus ojos se entrecierran ante el reflejo del sol de la mañana. Tiene una sonrisa que en muy escasas ocasiones se desdibuja de su rostro; esto solo pasa cuando habla de sus amigos que ya no están -como es el caso de Eduardo Mateo- o de aquellos colegas que no tuvieron su misma suerte. "A veces te enterás de uno que tramita una pensión, de otro que murió en el Piñeyro del Campo, de otro que no tiene un mango. Es dificilísimo vivir de la música en Uruguay. Y te lo digo yo, que lo sufrí en carne propia".

Luchar contra el olvido es una constante de quienes se dedican al arte. Y es esto mismo lo que lo inspiró a realizar un nuevo disco con canciones de otros autores. Este llegará a las bateas en el mes de noviembre. "Son 16 temas de quienes empezaron a hacer nuestra música en la década de 1960. Artistas criollos y urbanos. Esto es algo que nunca hice: tomar creaciones de otros y transformarlas. Desde que empecé, todos mis trabajos tuvieron composiciones solo mías".

-Siendo compositor, ¿por qué grabar un disco en el rol de intérprete?

-Esto es algo que pasa mucho en otros países. Sobre todo en géneros como el blues y el jazz. Ya lo hizo Ruben Rada -con su disco Fan-, que realizó versiones de varios artistas. Incluso hizo una de mi tema Punto Muerto que es excelente, que me encantó. Lo que pasa es que en otros lados siempre hay un mercado para los autores. En cambio, en Uruguay, si uno no se canta a sí mismo no te canta nadie. Todo el mundo hace su propio repertorio. Hay muchos ejemplos de grandes músicos que no eran compositores; Frank Sinatra, por ejemplo. Hacer versiones de otros sirve para que los temas se refresquen.

Nació en 1956. Su niñez se vio marcada -años después, su música también lo estaría- por el barrio Paso Molino. "Pasé la vida ahí. El Prado fue la gran estancia de mis juegos. En algunas canciones mías, como es lógico, aparece eso. Cuando necesitás recurrir a un paisaje, a una esquina, ponés la que conocés, a la que le tenés cariño. Todos mis vínculos, mis compañeros de escuela y del liceo, son de esa zona".

MÉRITOS Y MERECIMIENTOS. "Yo no pedí estudiar guitarra", sostiene Cabrera. Fue su madre la que le compró el instrumento y decidió que fuera a una academia del barrio. La profesora era la argentina Noemí Porratti. Él tan sólo tenía seis años. "Empecé con gran dificultad. Tenía manos muy chicas y las guitarras de aquella época eran durísimas. Me salían llagas. Fue una gran decepción. Me llevó meses pisar bien las cuerdas hasta poder llevarlas con los dedos hasta la madera".

Además de darle pautas técnicas, Porratti le enseñó a tocar canciones. "Empezaban a aparecer las primeras cosas de (Alfredo) Zitarrosa, Aníbal Sampayo, Ruben Lena. Las aprendíamos y nos presentábamos en fiestas de fin de curso, kermeses y eventos del barrio".

-Esa época fue determinante en su destino…

-Ahora el hecho de tocar la guitarra y cantar delante de gente es como andar en bicicleta. La música entró en mí de manera fatalista, yo no lo pedí. Obvio que me gustó. Se convirtió en lo central de mi vida. Pero fue por la suerte, algo que me cayó del cielo cuando a mi madre se le ocurrió comprar una guitarra.

-¿Y cuándo la música se convirtió en una profesión?

-En toda mi niñez y adolescencia vivía la música con enorme pasión. Trataba de mejorar, de estudiar, de tomar un cursillo con alguien, de ir a lo de fulano a aprender un poco de piano, de escuchar discos... Fijate que al comienzo de mi adolescencia es el auge del candombe beat, que explota con Tótem. Estaba muy informado, iba a recitales. Pero al mismo tiempo que tenía esa actitud, no se me cruzaba por la cabeza ser un músico profesional. Incluso en un momento pensé en ser profesor de historia. Y de repente, sin que uno haga participar mucho la voluntad o la ambición, me vi, a los veinte años, por ahí, yendo al Conservatorio Universitario (la actual Escuela Universitaria de Música). Luego me puse a componer y armé mi primera banda: MonTRESvideo.

-Esto fue en 1977. ¿Cómo era dedicarse a la música en plena dictadura militar?

-Era... (piensa durante varios segundos). Creo que se espera de mí una respuesta a esto y tal vez vaya a dar otra. Para mí todo fue continuo y cuando arrancamos con MonTRESvideo la cosa no era tan diferente a cuando yo era niño y tocaba en alguna kermeses. Y tampoco se diferencia mucho a lo que es ahora. Claro que las condiciones técnicas eran bastante amateurs, muy primitivas. Pero poco importa si cantás con un micrófono que se escucha mal o con la mejor amplificación del mundo, el asunto es que vos estás haciendo tu música y hay gente escuchando. Después está el tema de la época: la dictadura. Había dificultades de todo tipo. Pero no hay que victimizarse por ser artista. Porque vos, trabajases donde trabajases, fueras pintor, obrero o médico, estabas igual de perseguido, igual de paranoico, con los mismos riesgos de caer en cana. Mucha gente murió, mucha gente fue presa. Fue horrible. Pero vos vivías igual, o más bien sobrevivías.

El tiempo está después. En 1983 Cabrera graba un disco con su segundo grupo: Baldío. Y con la llegada de la democracia, en 1984, edita su primer trabajo solista: El viento en la cara. "En realidad, en paralelo con las bandas, siempre me presentaba solo en algún lado. Disfruto mucho tocar de las dos maneras".

-¿Qué cambió con la llegada de la democracia?

-Hubo un cambio espiritual, que tuvo que ver con las expectativas que tenía la gente. Siempre se habló de que la dictadura cortó determinados ciclos de la música uruguaya. Yo no lo recuerdo así. En esos años surgieron Eduardo Darnauchans, Jaime Roos, Ruben Olivera, Mauricio Ubal, Leo Maslíah y un montón de gente más. Es cierto que muchos no tuvieron más remedio que exiliarse, pero hicieron música desde afuera. La dictadura no logró tronchar eso. Y cuando llegó la democracia todos siguieron trabajando.

Pocos años después, en 1987, se edita el disco Mateo & Cabrera, grabado en vivo en el Teatro del Notariado junto con el fallecido Eduardo Mateo. Cabrera sostiene que ese es el disco del que más le habla su público, tanto en Uruguay como en Argentina.

-¿Por qué cree que Mateo & Cabrera caló tan hondo en la gente?

-Es difícil hablar de la música. Uno dice palabras, palabras, palabras… Algo deben tener esas canciones, pero no sé qué es. Son cosas que pasan en el momento y uno no se da cuenta. Para mí fue un disco desprolijo, no quedé muy conforme. Nunca hablamos mucho del tema con Mateo. Veníamos de distintas generaciones y en muchas cosas éramos diferentes. Pero al mismo tiempo, cuando tocábamos juntos, teníamos armonía.

-Después de 25 años trabajando en Uruguay, al comenzar el siglo XXI, empezaron a conocer en Argentina su música…

-La razón por la cual yo entré a trabajar a Argentina es ni más ni menos que Jorge Drexler. Él se impuso la misión de hacerme conocer allá. Jorge habló de mí, durante un año y medio, en cada entrevista que le hacían, con cada periodista, colega, productor de espectáculos, directivo de discográfica. Les dio mucha manija. Generó una expectativa con mi nombre. Y para coronar esta generosísima actitud, que todos sabemos que no es común, me invitó al primer concierto que hizo allá, en el Gran Rex. Eso fue en 2002 o 2003. Y se preocupó por todo. Me dijo qué dos temas cantar, qué guitarra llevar, cómo tenía que ir vestido. De ahí en más me llamaron para grabar y tocar con pila de gente. Desde Fito Páez a Liliana Herrero, la Bersuit, Kevin Johansen, Javier Malosetti, Gonzalo Aristimuño. Varios grabaron canciones mías; (Juan Carlos) Baglietto, por ejemplo. Y todo gracias a la enorme generosidad y bonhomía de Jorge.

-¿Y qué significa recibir el reconocimiento de colegas como ellos?

-Lo único que puedo decir es: ponete en mi lugar. Hay personas que, y pasa mucho en el mundo artístico, por ahí tienen un tremendo éxito a los 25 años. Consiguen todo: popularidad, estatus, dinero, admiración. Pero si a esa edad ya llegaste al pico, ¿cómo hacés para mantenerte ahí? A mí me pasó al revés: nunca tuve éxito, fui tan sólo un laburador de la música, viví circunstancias muy dolorosas, jamás tuve una buena economía, y mi perfil bajo hizo que me sintiera frustrado en muchas ocasiones. Y ahora, a esta altura de la vida, me están pasando estas cosas maravillosas, inesperadas. Creo que salí favorecido.

-¿Cómo se ve de acá a diez años?

-Tengo la ilusión de seguir siendo músico hasta la vejez. Hay varios ejemplos de personas que lo lograron, desde B.B. King hasta Pugliese. El drama de todo artista es mantener la creatividad; que no se vayan las ideas, que no se vacíe el baúl. Pero si las circunstancias son adversas uno tiene que estar preparado para lo que el destino determine. En los últimos años mi vida fue tan feliz, tan realizada en la música, que tengo la tendencia a no pedir más. Ya tuve demasiado. Pedir más sería obsceno.
Recitales y estudio

ÍDOLOS: "Rada saca su primer disco solista en 1969 y para mí era un ídolo. Cuando él arma Tótem yo tendría unos 15 años. Eso fue una aplanadora. Era un espectáculo muy fuerte. De una calidad, una polenta, una energía tan grande. Tan nuestro, tan original. También me gustaban Los Olimareños, Viglietti, Zitarrosa, Mateo, Dino. Estaban coexistiendo, los escuchaba por la radio. Cuando iba a los recitales prácticamente ponía la pera sobre el escenario".

FORMACIÓN: "El Conservatorio Universitario me dio muchas cosas de todo tipo, no sólo musicales. No hay nada más divino en la vida que vivir en una situación de estudio: ir a un instituto, tener compañeros, tener una barra de amigos. Intercambiás información, aprendés cosas en trompeta, armás tríos, si sos compositor juntás a algunos amigos y probás tal o cual idea. El problema que tenía el sistema de entonces era que, en lo que yo me inscribí que era Composición, era muy arcaico, respondía a pautas pedagógicas musicales que venían del siglo XIX, del Conservatorio de París. Por consiguiente, por impulso de Fernando Condon, empezamos también a ir a clases de composición y orquestación con Federico García Vigil. Todavía no era el director famoso que es ahora, tocaba jazz, hacía arreglos y tenía una gran capacidad como compositor. Con el tiempo dejamos el Conservatorio Universitario y nos fuimos a estudiar dos años y medio con Graciela Paraskevaidis y Coriún Aharonián".
"Cantando trato de ir revolviéndome"

"Cantando trato de ir revolviéndome. Nací con un timbre medio difícil de modificar. Pero ya me acostumbré y, aparentemente, a mi público no le molesta mucho. Ya no me preocupa el tema de mi voz", señala Fernando Cabrera. Y sostiene que en la actualidad no hay cosa que le guste más que cantar.

"Llegué al punto de automatizarlo. Antes estaba con los nervios de que tenía que meter tal do sostenido, o afinar bien tal re. Ahora es como si estuviera hablando", agrega.

En su nuevo disco, que se presentará en noviembre, Cabrera canta, entre otras canciones uruguayas de los 60, Caminitos de tierras coloradas, compuesta por el artiguense Alan Gómez, sobre la letra del poeta riverense Agustín Bisio; una composición que hicieron popular Los Olimareños. También interpreta El tero tero, de Marcos Velázquez, quien falleció el pasado seis de septiembre, a la edad de 71 años. "Es una tristeza. Curiosamente esa es la canción que abre el disco", adelanta.
Un país chico con demasiados artistas

"Vivir en Uruguay, no de la música, de cualquier manifestación artística, es dificilísimo por la pequeñez, por la cantidad de gente, por lo chico del mercado. Esto es algo que lo sufre desde un guitarrista hasta un quiosquero, pero en el arte se ve aún más. Este es un país que ha tenido a lo largo de más de 100 años una extensa clase media, y es eso lo que hace que exista un porcentaje altísimo de artistas en la sociedad. Voy por la calle y veo a todos los chiquilines con una guitarra al hombro. Yo me pregunto: ¿dentro de algunos años no va a haber más carpinteros, abogados, taxistas? ¡Todos tocan la guitarra! Yo incluido", señala Fernando Cabrera entre risas.

Lo que le molesta al músico es el discurso de aquellos que creen que "los uruguayos no apoyan a sus artistas". "Lo que pasa es que son muchos actores, músicos, poetas, carnavaleros, cineastas, pintores. Alcanza con abrir el diario y ver las obras de teatro que hay en cartel. Por eso los artistas somos todos pobres", reflexiona.

Carlos Tapia.

Cabrera en Television educativa y cultural Iberoamericana

2010-09-21T07:09:00.000-07:00

Proximo Show - XVIII Festival Internacional de Poesía de Rosario

2010-09-19T19:21:00.000-07:00

El ciclo de lecturas del Festival inaugura el miércoles 22, a las 17.30, con el Maratón de Poesía de la que participan los 21 invitados del extranjero y los 30 del país, entre ellos los ocho poetas de Rosario.

En la explanada del Centro Cultural Bernardino Rivadavia habrá un espacio ambientado por Dante Taparelli especialmente para leste maratón, que cerrará a las 20 con los recitales de Ana Prada, Fernando Cabrera y Adrian Abonizio

(*) El martes 14 de septiembre, a una hora de abrirse la boletería en las Galerías del Parque de España, se agotaron las entradas gratuitas para el concierto de Paco Ibáñez (se entregaron dos entradas por persona como máximo y no se hicieron reservas telefónicas). De todos modos, el CCPE montará una pantalla en la explanada del teatro (en el restaurado muelle sobre el Paraná), para que el público que no haya accedido a la sala pueda ver en directo el espectáculo.